¿Por qué es tan famosa la Mona Lisa?

 

"Toda vida bien empleada es una larga vida"

Se ha escrito tanto sobre Leonardo y la Mona Lisa que me ha costado realizar esta entrega, promocionada con el pretencioso título de “Historia de la pintura más famosa del mundo”. Mi intención es no crear demasiadas expectativas, ya que esto no pasará de ser un esfuerzo en solitario por conocer la historia de esta pintura y las razones que la convierten en una obra de arte. 
Tampoco me considero un especialista en la vida de Leonardo, apenas un admirador más de su obra. Admiración que espero no me haga perder objetividad. Se dice que el que admira nunca podrá realizar un análisis certero del objeto que admira. Está obnubilado.

Por Rubén Reveco, editor

Señora Lisa, ¿Quién es realmente usted?                          

Aquí reproducimos tres imágenes de la Gioconda. Obviamente que no podemos acceder al original, pero no crean ustedes que la expuesta en el museo del Louvre se ve mejor que estas. En 500 años ha perdido su color original. Si la miramos en detalles muchos sectores están resquebrajados por exceso de pintura y amarillenta por exceso de aceite. Lo que vemos ahora no es lo que vieron los contemporáneos de Leonardo, pero la esencia sigue siendo la misma: el retrato de una mujer sentada en un sillón con el brazo izquierdo apoyado en el asiento. ¡Primera sorpresa, la Mona Lisa está sentada!
Cuando Leonardo de Vinci empezó a pintarla en 1503, hacía once años de que Europa había descubierto un  Nuevo Mundo y de lo que sería la Argentina (desde donde escribo estas líneas) sólo se conocía parte de la costa Atlántica. Descubrimiento que había realizado el navegante italiano Américo Vespucio. Italiano, florentino y coetáneo de Leonardo. Prácticamente nacieron en el mismo año.
En 500 años ha salido muy poco del Louvre. En 1911 se la robaron y durante dos años estuvo desaparecida. El ladrón la mantuvo oculta en Italia y aduciendo razones nacionalistas, pretendió rescatarla para su país. En la década del 60 viajó a Estados Unidos y en 1974, a Japón. Desde esos años, la Mona Lisa no va al mundo, el mundo va a la Mona Lisa.

¿Cómo hacer un prompt perfecto para IA?

 

Aprender a crear contenido con inteligencia artificial.

¿Qué son los prompt? Los prompt son las solicitudes que el usuario hace a la inteligencia artificial. O sea, la forma en la que el ser humano se comunica con la IA.

Por Rubén Reveco - Editor

"Los prompts son instrucciones o estímulos lingüísticos diseñados para guiar la generación de contenido, ya sea textual o visual, por parte de sistemas de inteligencia artificial. Estos enunciados sirven como punto de partida, facilitando la interacción entre el usuario y la tecnología, y permiten obtener respuestas coherentes y relevantes en función del contexto proporcionado. En el ámbito de la IA, los prompts son fundamentales para optimizar la calidad y precisión de las respuestas generadas".

Cuanto más claro tengas cómo usar un prompt y más precisión muestres a la hora de hacer tu solicitud, mejor será el resultado que te proporcione la IA. Es decir, tienes que ayudar a la herramienta a entender tu solicitud para que el resultado sea lo mejor posible.

¿Cuáles son los puntos fuertes de un buen prompt para crear contenido con inteligencia artificial?

Claridad: el punto clave, ser claro en la petición que mandas para evitar que el contenido generado por IA se vaya por las ramas. 

Contexto: ofrecerle un contexto a la inteligencia artificial es clave para conseguir el mejor resultado y sea coherente con tu petición.

Específico: para evitar cualquier confusión por parte de la IA, es importante que especifiques todo lo que puedas en tu mensaje. Por ejemplo: no es lo mismo solicitar “un texto sobre la importancia de los seguidores”, que “un texto sobre la importancia de los seguidores en TikTok”.

También es importante tener en cuenta el tipo de inteligencia artificial con la que trabajas: por ejemplo, en Metricool puedes ahorrarte la longitud y el tono, porque lo seleccionas en otro apartado.

De esta forma no gastas caracteres y puedes mandar un prompt aún más concreto.

Lo que yo pretendo es más o menos esto: Pintura de Cesare Maccari que representa a Leonardo pintando a Lisa Gherardini.

La Mona Lisa chilena

Les comparto esta crónica-ficción. Un poco de verdad y un poco de mentira. Esa combinación que hace a nuestras vidas.

Por Rubén Reveco - Editor

"Cuando viajes a Santiago tienes que conocer a la Mona Lisa chilena", me sugirió mi amiga Liz mientras se acomodaba su pañuelo de cuadrados rojos y rectángulos verdes sobre su cuello. Y agregó con algo de sorna: "Tu que te crees un hombre que sabe de arte quiero que vayas al MNBA y me cuentes de qué pintura te estoy hablando", y no me dio más información.

Me entusiasmó la idea. Además de la pintura, siempre me ha gustado la novela policial y esto significaba investigar -no un crimen- sino un parecido o, tal vez, una obra que represente el mismo espíritu de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci.

Viajé a Chile a fines de octubre. Al primer domingo me fui al museo con el objeto de cumplir con el desafío. ¿Mona Lisa chilena? Nunca había escuchado algo semejante. ¿Quién será el  autor?

El único dato certero era que la pintura estaba en el segundo piso del museo. Le juré a Liz que nada había investigado en Internet. Además, creo que la experiencia de conocer y estar frente a una obra de arte es incomparable cuando no tienes referencia alguna. Me refiero que de joven vi muchas reproducciones de pinturas en libros y revistas y cada vez que estaba por primera vez ante el original sentía que algo ya sabía de esa obra. Algo me habían contado esas innumerables fotos de todos los tamaños y calidades.

Los retratos pictóricos por lo general son de tamaño original al modelo -cosa que no ocurre con un retrato fotográfico- y ese era otro antecedente que debía tener en cuenta. Descartaría todas las pinturas grandes o muy pequeñas. Es curioso pero la pintura más famosa del mundo es pequeña. Dice la leyenda que el señor Giocondo no le gustó como había quedado su señora Lisa y no aceptó la pintura. ¡Graso error! Leonardo siempre la llevó consigo y el rey de Francia la terminó comprando. También es curioso que el retrato no es el de una mujer muy bella. Le faltan las cejas, entre otros detalles. Cuando fui al museo Louvre la vi unos segundos como a 10 metros de distancia. Había un mar de gente; no puedo decir que la conozco.

En el museo de El Prado existe una hermosa copia de la Mona Lisa, no creo que esta sea una más. Es una mujer y es un retrato, de eso estoy seguro. ¿Un retrato que también mira al espectador y sonríe? Sobre la sonrisa de la pintura de Leonardo han corrido ríos de tinta y quizás sea ese uno de los aspectos que deba tener en cuenta. Seguro que la Mona Lisa chilena también sonríe.

El día que se robaron la Mona Lisa

El 21 de agosto de 1911, se robo desde el Museo del Louvre la Mona Lisa o Gioconda. Cuadro pintado por Leonardo da Vince y recuperado en 1913.

El 21 de agosto de 1911, el carpintero italiano Vincenzo Peruggia (exempleado del Museo del Louvre) llegó al Museo del Louvre a las 7 de la mañana, vestido con un blusón de trabajo blanco como los utilizados por el personal de mantenimiento del museo, descolgó el cuadro y a continuación, en la escalera Visconti, separó la tabla de su marco, abandonando este último. A continuación salió del museo con el cuadro escondido bajo su ropa, que colocó posteriormente en una valija.​ Cuando poco después el pintor Louis Béroud entró a la sala para ver el cuadro, notó su ausencia y avisó de inmediato a la policía. El museo permaneció cerrado durante una semana para proceder a la investigación.​

Mona Lisa, la reina del pop

Desde hace 200 años, más o menos, es muy popular, pero en este siglo XXI las imágenes inspiradas en la Mona Lisa han eclosionado de una manera incontrolable. Nada se puede comparar a este ícono de la cultura popular. Esta pequeña pintura creada por el genio de Leonardo de Vince hace 500 años es cada día más reproducida, reinterpretada, reinventada, sin que muchos sepan muy bien a qué obedece este fenómeno de la cultura pop. Algunos ejemplos en esta publicación.

Por Rubén Reveco - Editor

Sus primeros 300 años fueron tranquilos. La pintura es propiedad de Francia porque Leonardo pasó sus últimos años de vida en ese país y porque nunca la entregó a sus dueños. Dicen que Lisa Gherardini no quedó conforme con el trabajo. Antes de morir, Leonardo se la vendió a Francisco I y desde entonces integró la colección real conservándose en varios palacios reales (Fontainebleu, Versalles y el Louvre).
Napoleón Bonaparte fue un admirador del artista y apreciaba particularmente a “Madame Lisa”, como la llamaba. Tanto, que a comienzos del siglo XIX la hizo trasladar hasta sus aposentos. No nos imaginamos cuál podría haber sido el “diálogo” entre el guerrero, con ínfulas de emperador, y la mujer que lo miraba y sonreía.

Leonardo o cómo hacer un círculo perfecto

 

A Leonardo da Vinci le fascinaba la geometría aplicada al arte. Había que medir, calcular y buscar las proporciones exactas en los cuerpos. Hábito heredado de la antigua cultura clásica y común a todos los hombres del Renacimiento.

Por Rubén Reveco - Editor

A lo largo de la historia del arte, pocos artistas han logrado amalgamar de manera tan efectiva la ciencia y la estética como Leonardo da Vinci. Este polímata del Renacimiento gestionó su fascinación por la geometría no solo como un ejercicio teórico, sino como un principio fundamental aplicable a la creación artística. En su obra, el equilibrio y la proporción surgen como pautas esenciales, heredadas de la cultura clásica que tanto influyó en su época.

Leonardo entendía que las proporciones exactas en los cuerpos eran vitales para representar la belleza, un concepto que él consideraba el objetivo primordial del arte. La belleza, en este contexto, se define como un orden intrínseco, donde cada elemento de una composición se relaciona armónicamente con los demás. Esta búsqueda de un equilibrio ideal refleja la influencia de las ciencias exactas, que proporcionan las herramientas necesarias para descomponer y estudiar la naturaleza que rodeaba al artista.

En su búsqueda de idealidad, el maestro renacentista halló en las formas geométricas –en particular, la circunferencia– un símbolo de perfección y unidad. Esta forma, al igual que muchos elementos naturales, posee propiedades matemáticas que le confieren un aspecto de belleza intrínseca. De este modo, Leonardo no solo captura la realidad en sus obras, sino que también la transforma, aportando un orden que trasciende lo meramente visual.

La relación entre la geometría y el arte que favoreció Da Vinci sigue siendo relevante hoy en día, pues establece un vínculo indisoluble entre la ciencia y la creación estética. En la obra de Leonardo, la matemática no es solo un conjunto de reglas, sino el lenguaje a través del cual el artista se comunica con la esencia misma de la belleza. Así, su legado desafía a las futuras generaciones a explorar la intersección entre estas disciplinas, reafirmando que en la búsqueda de la perfección artística siempre habrá un lugar para el rigor y el método.

En las formas de la naturaleza están presentes la matemática y la geometría. Y si los números están en las creaciones de la naturaleza, también deberían estar presentes en las creaciones del hombre. La belleza es el objetivo del arte en el Renacimiento. La belleza es el orden, la justa proporción que otorgan las ciencias exactas. Entre las formas geométricas, Leonardo prefería la circunferencia.

La circunferencia es una línea curva cerrada y plana cuyos puntos están a igual distancia de otro fijo, llamado centro. Para dibujar circunferencias utilizamos el compás. Ejemplos de circunferencia: anillo, aro.
El círculo, en cambio, es una figura plana limitada por una circunferencia. Está formado por la circunferencia y la parte de plano que hay dentro de ella. Ejemplos de círculo: moneda, disco

Leonardo de Vince: Todo lo publicado en Machete

 

Leonardo da Vinci es, sin duda, uno de los personajes históricos más fascinantes que ha existido. Su capacidad para integrar los dos hemisferios del cerebro lo convirtió en un destacado humanista y científico simultáneamente. Su insaciable curiosidad por el mundo que lo rodeaba es un rasgo que lo distingue, lo que ha llevado a la producción de numerosas publicaciones dedicadas a estudiar su vasta obra y legado.

La restauradora que salvó "La Última Cena" de Leonardo de Vince

Mona Lisa, la reina del pop

El día que se robaron la Mona Lisa

¿Por qué es tan famosa la Mona Lisa?

El triunfo de los imbéciles

Ella está de vacaciones

¿Cómo hacer un prompt perfecto para IA?

El triunfo de los imbéciles

Artículo de opinión del diario La Vanguardia de España.

Un hombre disfrazado le tiró un pastel a la pintura más famosa del mundo.

Flaubert sostenía que la imbecilidad era una roca inexpugnable, porque todo el que choca contra ella se despedaza. Puede que eso fuera así en el siglo XIX, pero en nuestros días son numerosos los idiotas que consiguen triunfar en la vida después de cometer una imbecilidad. Ser un insensato, lejos de estar penalizado, a menudo tiene premio. Y no solo los quince minutos de gloria que Warhol presumía que están al alcance de todo ser humano. En la sociedad del espectáculo, cometer una fechoría no está penado. Son legión los irresponsables que se arriesgan a hacer una locura para ser trending topic­ o para arrasar en TikTok. Y de ahí a ser un influencer que acaba re­sidiendo en Andorra para pagar menos impuestos tampoco hay tanto trecho.

El último de esta corte de cretinos es un varón que lanzó una tarta contra La Gioconda de Leonardo Da Vinci. Entró en el Museo del Louvre de París sentado en una silla de ruedas y disfrazado de anciana. Afortunadamente, el lienzo está protegido por un cristal antibalas y por una barandilla que impide que los visitantes se acerquen, así que no sufrió daños. Pero el insensato, que fue detenido por los guardas de seguridad del recinto, consiguió notoriedad en las redes sociales, que seguramente es lo que pretendía.

La historia del célebre cuadro de la Mona Lisa, que acompañó a Leonardo hasta su muerte, cuando fue adquirido por el rey Francisco I de Francia, acumula episodios grotescos de personajes que intentaron pasar a la pequeña historia del desvarío. En 1956, un boliviano le lanzó una piedra que hizo saltar parte del pigmento del codo izquierdo; en 1974, una japonesa intentó mancharlo con pintura roja cuando se expuso en Tokio, y en el 2009 una rusa le tiró una taza de té que se estrelló en el cristal. Antes, en 1911, la tela fue robada por un empleado del Louvre y estuvo dos años desaparecida. Entonces, la policía sospechó de Apollinaire y de Picasso por sus boutades acerca de que había que quemar los museos. Así que el exhibicionismo no es nuevo, lo que resulta una novedad es que la gente prefiera hacerse una selfie junto a una tela antes que extasiarse frente a un cuadro o le lance un pastel para tener más likes en Instagram. (Fuente)

La restauradora que salvó "La Última Cena" de Leonardo de Vince

Pinin Brambilla Barcilon posa junto a La última Cena de Leonardo de Vince.

Trabajó durante 21 años en la reparación de la obra ubicada en el convento de la Iglesia de Santa Maria delle Grazie en Milán, sobre todo en la reconstrucción de su color original. Es considerada una de las restauradoras más importantes del siglo XX.

Fuente:

La restauradora italiana Pinin Brambilla Barcilon conocida sobre todo por los 21 años en los que trabajó para salvar el fresco de "La Última cena" de Leonardo da Vinci, vivió hasta los 95 años. Brambilla fue una de las restauradoras más importantes del siglo XX y fue conocida internacionalmente por haber llevado a cabo la restauración de "La Última Cena" de Leonardo, que se encuentra en el convento de la Iglesia de Santa Maria delle Grazie en Milán, un intenso y duro trabajo que comenzó en 1978 y concluyó en 1999. 

Brambilla fue la restauradora de algunas de las mayores obras maestras del arte italiano como las pinturas de Giotto en la Capilla de los Scrovegni en Padua, los frescos de Masolino da Panicale en el Baptisterio de Castiglione Olona y también ha restaurado obras de Piero della Francesca, Bronzino, Caravaggio, Tiziano, Tiepolo, entre otros.

El rostro de la mujer a traves de 500 años de arte

 

El arte (realista) siempre se ha ocupado de representar a la figura humana y esto ha quedado registrado de un modo especial en la pintura.

El arte realista se caracteriza por su enfoque en representar la figura humana de manera precisa y detallada. A lo largo de la historia del arte, la pintura ha sido un medio especialmente efectivo para capturar la esencia y la expresión de los seres humanos. Desde retratos hasta escenas de la vida cotidiana, el realismo en la pintura ha sido una forma poderosa de comunicar la complejidad y la belleza de la experiencia humana.

Este es un buen ejemplo que circula por la web.

El rostro de la mujer a través de 500 años de arte es un tema fascinante que nos permite adentrarnos en la evolución de la representación de la figura femenina a lo largo de la historia del arte. Desde los primeros retratos realistas hasta las obras contemporáneas, el rostro de la mujer ha sido una fuente inagotable de inspiración para los artistas, quienes han sabido capturar su belleza, su fuerza y su vulnerabilidad a través de diferentes estilos y técnicas.

La pintura, en particular, ha sido un medio privilegiado para plasmar la diversidad de rostros femeninos a lo largo de los siglos. Desde las misteriosas sonrisas de Leonardo da Vinci en su famosa Mona Lisa, hasta los retratos expresionistas de Egon Schiele o las representaciones hiperrealistas de artistas contemporáneos, el arte ha sabido reflejar la complejidad y la riqueza de la experiencia femenina.

Uno de los aspectos más interesantes de esta evolución es la forma en que se ha ido transformando la representación de la belleza femenina a lo largo del tiempo. En la pintura renacentista, por ejemplo, se valoraba la armonía de las proporciones y la perfección de los rasgos, mientras que en el arte barroco se buscaba expresar la emoción y la pasión a través de gestos y miradas intensas.

En el siglo XIX, con el surgimiento del movimiento romántico, la figura de la mujer se convirtió en un símbolo de la naturaleza, la sensualidad y la melancolía. Artistas como Delacroix o Goya retrataron a mujeres fuertes y enigmáticas, cuyos rostros reflejaban una mezcla de inocencia y deseo.

Con la llegada del siglo XX, la representación del rostro femenino se volvió más experimental y subjetiva. Los artistas de vanguardia como Picasso o Modigliani rompieron con las convenciones tradicionales y exploraron nuevas formas de expresión a través de la distorsión y la abstracción.

En la actualidad, el rostro de la mujer sigue siendo un tema central en el arte contemporáneo, que busca desafiar los estereotipos de género y explorar la diversidad de identidades y experiencias femeninas. Desde las fotografías de Cindy Sherman hasta las instalaciones de Marina Abramovic, las artistas contemporáneas han sabido reinterpretar y redefinir la imagen de la mujer en el arte.

En definitiva, el rostro de la mujer a través de 500 años de arte nos invita a reflexionar sobre la manera en que la representación de la figura femenina ha evolucionado a lo largo de la historia, reflejando no solo los cambios estéticos y culturales, sino también las luchas y los logros de las mujeres a lo largo del tiempo. A través de sus rostros, podemos leer no solo la historia del arte, sino también la historia de la humanidad y la complejidad de la experiencia femenina en todas sus dimensiones.

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Web - YouTube

11 profesionales convocados por la revista Ophelia escriben sobre El jardín de las Delicias

 

Se cumplieron 500 años de la muerte de El Bosco. Uno de los artistas más fascinantes de todos los tiempos. Su obra entera genera asombro pero hay una -en particular- llena de misterio y que despierta admiración porque es y seguirá siendo indescifrable. Personas de la cultura compartan sus impresiones.

FUENTE

Por Camila Reveco

Periodista cultural con especialidad en artes plásticas

Enigma, inquietud, desconcierto, fascinación, curiosidad, impacto, intriga, duda. Todas estas palabras y quizás otras que aún no se han inventado aparecen frente a esta genial pintura, el tríptico "El Jardín de las Delicias". 

Un cuadro muy famoso creado por un pintor (para nada convencional) y del que se sabe muy poco. Un cuadro plagado de lujuria y deseo sexual: las delicias hechas pecado, la vida gobernada por las pasiones y el exceso, la corrupción de la carne.

¿Qué quiere decirnos El Bosco? ¿advertirnos del mal inminente? ¿devolvernos a ese Paraíso del que hemos sido expulsados por degenerados? ¿mostrarnos el Infierno artificial y corrompido que habitamos?

Los puntos de vista de personas ligadas a distintas áreas del pensamiento (artistas e intelectuales, todos unidos por el amor a la pintura) se reúnen en este artículo para compartir sus opiniones sobre esta fascinante obra y su autor. Las voces han logrado en su conjunto formar un amplio abanico de posibilidades de "ver". Es un mosaico fascinante por lo rico y variado.

Para cerrar y dejarlos con la mejor parte, sólo contarles que este tríptico (que jamás estuvo en una Iglesia) sigue siendo en la actualidad una de las obras más populares y visitadas del Museo del Prado en España (junto con "Las Meninas"). Si hoy nos parece controvertida y curiosa esta representación, imaginen el revuelo que generó en el año 1500.