.

Mostrando entradas con la etiqueta Artistas. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Artistas. Mostrar todas las entradas

viernes, 29 de marzo de 2024

Taras Loboda, el desnudo del día y otras pinturas

 

Taras Loboda es un pintor ucraniano, nació en 1961, en la familia de un destacado artista de Ucrania. En 1985, se graduó en la Academia de Arte de Kiev. Taras ha estado viviendo en Praga desde 1993 con su familia. Trabajando en su estudio con sede en Praga, exposiciones Taras y vende su arte en todo el mundo.


Las modelos del pintor ucraniano Taras Loboda posan envueltas en extensas telas de distintas colores. El rojo se destaca en la gran mayoría de sus retratos; y está presente justamente en estos lienzos a modo de vestidos, que incluso envuelven los brazos de las mujeres y en algunos casos el cabello, destacándose los exóticos rasgos de sus rostros y las pieles blancas. En menor medida, el artista elige telas azules y negras que integra a la composición de forma notable. Los claroscuros le otorgan a su obra una estética muy moderna, sensual e incluso cinematográfica. 


Ver también el blog de Camila




Especial mes de la Mujer: Ofelia Andrades Madariaga: "Intento romper con la mirada tradicional de lo femenino"

 

Sus más recientes obras es un conjunto de retratos y autorretratos bajo el nombre de “Narcisa”. “Todo se articula a partir del espejo como dispositivo y óptica”, revela la pintora chilena, especializada en el inagotable género del retrato.



Por Lic. Camila Reveco 
creveco@revistaophelia.com

“Siempre he trabajado el retrato. Es un género que me fascina por toda la complejidad que involucra.  Es muy, muy complejo porque tiene mucho de psicología en su elaboración y planteamiento, involucra muchos elementos de la identidad. Estoy convencida de que es lo más difícil de representar en pintura y el más rico en su significación”.

Lo dice Ofelia Andrades, joven pintora chilena que desde el comienzo de su carrera artística ha volcado su interés por el arte figurativo, y se ha inspirado en los grandes clásicos, pero que a través de una obra absolutamente contemporánea, logra reivindicar -y actualizar- el retrato y la pintura de escenas. El suyo, es un trabajo que invita a la exploración geográfica de los rasgos que tiene el rostro, que esconde -a su vez- un profundo estudio psicológico del alma humana, y en donde queda en evidencia la convivencia entre lo tradicional y lo nuevo.
Sin duda lo más novedoso de su contundente propuesta pictórica es la forma  la que decide encarar cada retrato y la observación que tiene acerca de la mujer y el mundo femenino. “La mujer ha sido históricamente representada como un objeto, deshumanizada, no sexuada. Siempre la hemos visto en situaciones de pasividad e indefensión”, precisa la artista.  Y es cierto: culturalmente ha sido propio del hombre mirar como sujeto y de la mujer ser mirada. La historia del arte ha sido una his­to­ria es­cri­ta por y para hom­bres en don­de la mu­jer ocupó el lugar de ob­je­to a con­tem­plar -no fue su­je­to ac­ti­vo de crea­ción-. De ahí que, los nombres de Sofonisba Anguissola, Artemisia Gentileschi o Clara Peeters, -por sólo nombrar a tres- resulten para la mayoría de las personas una verdadera incógnita, cuando se trata de nombres de grandes, muy grandes, artistas.  Hoy, diferentes colectivos se están animando  a repensar cómo han sido vistas las mujeres por la historia del arte oficial y esa es, evidentemente, una lucha feminista. “Las mujeres nos conocemos a nosotras mismas a través de mujeres hechas por hombres”, sostuvo con razón Sheila Rowbotham, historiadora británica. La entrega de Ofelia Andrades es -en este sentido- considerable porque recorre, con su arte, los discursos contemporáneos alejándose  de la hetero-normatividad, simboliza -por tanto- un aire fresco acerca de la representación de la mujer en la pintura en este comienzo de siglo, y contribuye así, a la deconstrucción, que nuestro tiempo demanda.  “Me gusta siempre expresarme de acuerdo a mi manera de ver las cosas, conectarme y comunicar desde mi propia existencia en este mundo, desde este punto geográfico, siendo mujer y todo lo que eso conlleva también socialmente e históricamente para una pintora”, concluye.


jueves, 28 de marzo de 2024

Especial mes de la Mujer: Lorena Kloosterboer: “Se necesita de una personalidad tenaz para mantenerse en curso”

 






Conocida y valorada en el mundo por su obra pictórica, la artista holandesa-argentina Lorena Kloosterboer ha logrado un trabajo de espléndido realismo, elegante y casi fotográfico: “En el arte, uno tiene que animarse a fallar, una y otra vez”, explica. 


Por Camila Reveco 
Fuente: Revista Ophelia

Desde hace diez años vive en Amberes, Bélgica. De madre argentina y padre holandés, la artista plástica Lorena Kloosterboer nació en los Países Bajos y fue el español su lengua materna. En el jardín de infantes aprendió a hablar holándes y al escuchar hablar a sus padres entre sí, pudo dominar el inglés. “Me siento increíblemente afortunada de haber sido criada trilingüe, -dice-básicamente recibí tres idiomas de forma gratuita sin esforzarme en aprenderlos”, y agrega: “el contraste entre mis dos culturas—la holandesa y la argentina—me formó de muchísimas maneras. Supongo que en realidad no soy ni típicamente holandesa ni argentina, pero me siento ambas a la misma vez. Por lo tanto, me describo como una latina holandesa porque siento un fuerte vínculo con la mujer latina a quien considero mi hermana”. 
De increíble oficio, Lorena es una verdadera artesana de la pintura realista, y su increíble habilidad ha sido fruto de un esfuerzo sostenido. A ella, le parece absurda ésta moda de explicar obras a través de ingeniosos discursos curatoriales. Cree, que una verdadera obra de arte se defiende por sí sola, que no necesita de la palabra para existir. Cree que el arte no es un discurso teórico: “Creo que el público –sostiene- se está cansando de necesitar un manual de traducción cuando visita una galería de arte o un museo para comprender lo que están viendo. Es ridículo tener que intentar apreciar una “obra de arte” que uno instintivamente sabe que no tomó ni mucho trabajo, ni esfuerzo, ni conocimiento técnico para realizarse, y que solamente por comercialización y publicidad está expuesta en un lugar de cierto nivel”. 




miércoles, 27 de marzo de 2024

Especial mes de la Mujer: Claudia Kaak. "Mi pintura captura momentos de turbulencia"



Comenzó a dibujar de niña, estudió arte e hizo un profesorado en historia. “En mis épocas de estudiante devoraba libros sobre arte y visitaba museos”, cuenta. La joven artista alemana centra su atención en la pintura figurativa y se interesa en la representación de todo tipo de emociones vinculadas, siempre, a su experiencia personal.


Por Camila Reveco
creveco@revistaophelia.com


“Los alemanes hablan muy poco de sus sentimientos porque mostrar emociones es visto como una señal de debilidad”, dice Claudia Kaak (Heppenheim, Alemania 1987). Pero ella hace exactamente lo contrario. Su obra está marcada por la auto referencialidad: “Sufro de algunos problemas como estrés post-traumático. Y creo que es importante hablar de eso en mi obra para romper el estigma”, explica y agrega: “Mi trabajo representa muchos sentimientos existenciales y captura momentos en el tiempo de mucha turbulencia psicológica y emocional, que se relacionan a situaciones de violencia y traumas que no son exhibidos de manera explícita”
En su pintura existe un componente altamente psicológico, que convive en una atmósfera meditabunda, casi melancólica. Claudia prefiere que sus obras hablen por ella y, en este sentido,  nos transmite un mensaje muy evocador al insinuar en sus composiciones la complejidad de una mente inquieta:
“Quiero mostrar ese desorden de emociones, no esconderlos. Opino que esconder tus emociones no es bueno ni para las personas como tampoco para nuestra sociedad”.

-Considerando el carácter autobiográfico de tu obra ¿piensas que el arte tiene un lado “terapéutico”? ¿Cura heridas?
-De cierta manera. A veces puede ayudarte a analizar las cosas de una manera diferente porque uno tiene que lidiar con ellas durante el proceso de creación. Depende del tema. Pero no podría decirte que “cura” heridas. No sé si mis heridas se curarán algún día. No puedes “superar” algo que todavía está sucediendo. Pero espero poder aprender a vivir con esas heridas.

martes, 26 de marzo de 2024

Brian Bolland: ¡Felíz cumpleaños maestro!


Bolland es famoso por su estilo detallado y realista, así como por su habilidad para capturar la psicología de los personajes a través de sus expresiones faciales y gestos.

Brian Bolland (nació el 26 de marzo de 1951; Linconshire, Inglaterra) es un historietista de Gran Bretaña. Conocido como uno de los artistas más prestigiosos, y uno de los mejores portadistas en Marvel y DC Comics. Además, es recordado por dibujar el cómic Batman: The Killing Joke.



Infancia y juventud

Bolland nació en Linconshire, Inglaterra y empezó dibujando cómics a los 10 años.​ Cuando era niño, sus inspiraciones fueron Dell Comics y DC Comics.

En la escuela de arte, Bolland dibujo y publicó, por su cuenta, fanzines y su trabajo fue publicado en las revistas británicas Friendz, International Times, OZ y Times Out.

Primeros trabajos

En 1972, en la convención de cómics en el Waverley Hotel, Bolland conoció a Dave Gibbons. Por la recomendación de Gibbons, se unió a la agencia de arte Bardon Press Features y fue Bardon el que le dio su primer trabajo profesional: Powerman, un héroe africano de cómics publicado en Nigeria. Bolland y Gibbons dibujaron alternadamente la serie. En 1977, Bardon encontró lugar a Bolland, y luego a Gibbons, en una nueva revista semanal de Gran Bretaña: 2000 AD. El primer trabajo de Bolland fue en la portada del número 11. Cuando un artista salió de Juez Dredd, Bolland fue llamado para completar una historia del número 41 y pronto fue adoptado como artista regular de la serie. Su trabajo temprano en la serie fue muy influenciado por Mike McMahon, un artista talentoso recién llegado y cuyo estilo idiosincrático fue aumentando el interés en el nuevo personaje.


José Luis García López: ¡Feliz cumpleaños, maestro!

 


José Luis García López es un dibujante de cómic de origen español-argentino (Lalín​, 26 de marzo de 1948), que trabaja para el mercado estadounidense, sobre todo para DC Comics.​ Sus obras más destacadas son Atari Force, Cinder and Ashe, Road to Perdition, Deadman o New Teen Titans.



José Luis García López nació el 26 de marzo de 1948 en la aldea de Pareizo, perteneciente a Lalín, provincia de Pontevedra, España, hijo de familia española. Cuando tenía 5 años su familia se trasladó a Buenos Aires, Argentina, donde se crio. Actualmente reside en Miami, Estados Unidos.

López menciona como influencias a los dibujantes Raymond Foster, Harold Foster y a Milton Canniff.


domingo, 24 de marzo de 2024

Especial mes de la Mujer: Anna Wypych. "La condición humana"

 

Artista polaca de gran reconocimiento, la joven pintora, en una entrevista exclusiva, se refiere a los temas que la inspiran al momento de crear y cuenta detalles acerca de la ciudad en la que vive. Los desnudos que representa son tan sólo “una excusa para exhibir a la mente en su estado más puro”.



Por Camila Reveco
creveco revistaophelia.com

Como lo narra a través de su web, Anna Wypych  (Gdansk, Polonia, 1986) es “pintora, mama, esposa y vive en las orillas del hermoso mar Báltico”. Su trabajo es básicamente realista pero tiene elementos hiperrealistas y surrealistas. En su obra relata historias sobre pensamientos y sentimientos, y de esa forma se concentra en cuestiones muy concretas de comunicación que implican una reflexión sobre el arte.
“Todos saben que la destreza física y la astucia son importantes, pero hay cosas aún más importantes: la determinación, la fuerza de voluntad, ser testarudo y obstinado. Son cualidades que me encanta buscar en las personas para después pintarlas”, dice.
Anna forma parte de la nueva camada de pintores realistas del siglo XXI que, a través de un perfecto dominio de la técnica como base de cada una de sus obras, evidencia lo viva que está la pintura en este contexto tan confuso en donde pareciera que todo es arte.
La historia de Polonia vuelve todo el tiempo a su arte y cultura, y constituye, seguramente, un continuo punto de referencia, un eterno memento. “El arte es una especie de arma en la mano. Separar el arte del amor a la patria es imposible”, expresó el pintor Jan Matejko (1838-1893), el artista polaco más importante del siglo XIX. Nacido apenas un año antes que Paul Cézanne, fue un clásico académico, pero su arte dio forma a la imaginación de muchas generaciones de polacos. No podemos dejar de mencionar las joyas cinematográficas modernas que directores de cine como Roman Polanski o Krzysztof Kiéslowski nos han regalado.
Estamos, sin duda, atravesando un momento crucial marcado por internet y las nuevas tecnologías, que ha generado ventajas magníficas, sin duda, aunque también es válido preguntarse acerca de los riesgos de esta globalización cultural que representa, en definitiva, un desafío para las culturas e identidades de los pueblos. En este sentido, se destaca el especial arraigo que esta joven artista siente por su Polonia natal, que evidencia cómo las estructuras sociales le pueden brindar al artista condiciones determinantes para su creación.
“Se podría decir que somos un poco grises, y eso se puede subestimar mucho, pero es hermoso ver como el gris varía en sus tonos”, expresa Anna y agrega: “Aunque no estoy directamente inspirada por el lugar en dónde vivo, por el simple hecho de vivir aquí, tengo este lugar y su cultura profundamente arraigadas en mis huesos y en mi alma”.

sábado, 23 de marzo de 2024

Jamie Adams: El desnudo del día y otras pinturas


Jamie Adams (1961) es un pintor estadounidense. En 2000 se graduó en la Academia de Bellas Artes en Filadelfia. Me llama especialmente la atención su serie monocroma y esos desnudos sobre una cama caótica y un niño, parece, ajeno a todo lo que sucede (o no sucede).




Jamie Adams es un pintor estadounidense nacido y criado en 1961 en los suburbios de Pittsburgh, Pennsylvania. Para sus estudios de pregrado asistió a la Universidad Carnegie Mellon en Pittsburgh, donde obtuvo un BFA con honores en 1983. En 2000 obtuvo un MFA de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania en Filadelfia.
Su obra está representada en las colecciones públicas permanentes del Museu Brasileiro da Escultura (São Paulo, Brasil), Museum of Modern Art Library (Nueva York), MOMA (Gales), Museo de Arte de la Biblioteca de Investigación de Los Ángeles, Museo de Arte Contemporáneo Daum , Medrad Corporation, el edificio del Capitolio de Pensilvania (Senado, Cámara de Representantes, oficina del gobernador), la Universidad Carnegie Mellon, la Universidad de Pittsburgh, la Escuela de Medicina de la Universidad de Michigan y la Colección de la Biblioteca Olin en la Universidad de Washington en Saint Louis.
Su trabajo ha sido citado internacionalmente en publicaciones como Art in America, Bulletin du Musée Ingres (Montauban, Francia), y el libro Fragonard, Regards croisés, co-autor de los curadores del Louvre Dimitri Salmon y Jean-Pierre Cuzin (Département des Peintures, Museo de Louvre).


viernes, 22 de marzo de 2024

Especial mes de la Mujer: La pintura de Graciela Genovés


Aficionada a pintar lo que encuentra a su alrededor (personas, paisajes, calles, objetos), su obra es, ante todo, vibrante. La artista platense, radicada en el barrio de San Telmo, lejos de eludir la polémica se refiere aquí a los tópicos más sensibles que habitan dentro del circuito del arte contemporáneo y nos revela detalles sobre su oficio. 
Por Camila Reveco
creveco@revistaophelia.com

Cultora de una pintura tradicional y aprendiz del maestro Osvaldo Ernesto Attila (Buenos Aires, 1933-2006), la artista plástica Graciela Genovés (1962) es dueña de una obra alegre, plagada de colores vivos, de luz y de armonía. La suya es una pintura urbana que representa espacios de su mundo cotidiano,  siempre en tono intimista y generando un aire de irrealidad permanente. Sus cuadros son una fiesta.
Me gusta que en mis pinturas se note que están hechas acá en Buenos Aires, que están hechas con esta luz, hechas con esta gente con la que comparto la calle, el barrio, la cuidad”, dice.
En su trabajo se evidencia la superación de la dialéctica de oposición que caracterizó el arte de las últimas décadas  del siglo XX: para la artista no hay distinción entre figuración y abstracción; sus óleos generan un espacio ideal para la convivencia entre estos de modos de ver, y siempre lo logra a través de una atmósfera peculiar que brinda una sensación general de plenitud.
Yo cuando pinto lo que intento es ver y de laguna manera traducir plásticamente lo que veo, y lo que veo no es totalmente abstracto. Tiene un componente abstracto pero también tiene un montón de aspectos reconocibles “de la realidad”, cuenta.
Interpeladora, Graciela pone en duda la idea de la “democratización” del arte contemporáneo que se pregona bajo consignas como “todo es arte” o “todos son artistas”, cuando son cientos los artistas que están siendo, en este momento, excluidos de muchos circuitos de exhibición.  Se promociona a los que llaman “artistas conceptuales” o “emergentes”, pero lo emergente resulta ser, en muchos casos, algo vacío de contenido e incomprensible, que poco o nada tiene de ruptura, y mucho menos de vanguardia.
“Dentro de este discurso que aparentemente es tan democrático, tan progresista, se esconde una intolerancia muy grande, porque en base a este discurso, excluyen a artistas de ferias, lugares de exposición, difusión y venta de obras, de los medios de comunicación y de todo tipo de aliciente de la práctica artística”, sostiene.