Arte, trabajo y realismo

 

Juan F. Millet.

Las artes plásticas han sido uno de los medios más utilizados para representar de un modo fiel el mundo del trabajo. Esta relación del arte con lo laboral surge en Europa a mediados del siglo XIX con la propuesta de Juan F. Millet y Gustavo Courbet. Es cuando irrumpe el realismo como tendencia estilista y conceptual, proponiendo representar del modo más fiel las miserias de los trabajadores rurales, en especial.

Por Rubén Reveco. Editor

Con el advenimiento del impresionismo, el arte se frivoliza. La temática  vuelve a la ciudad y -salvo excepciones- se interesa más por el mundo de las luces, naturales o artificiales. París es la primera ciudad que tiene iluminación pública y esto impacta en la sociedad en su conjunto.

Gustavo Courbet.

Antonio López García: Realismo espectral

 

Antonio López García es sin lugar a dudas el pintor y escultor más importante del realismo contemporáneo español, la meticulosidad de sus trabajos ha hecho que su producción de “fotografías al oleo” no haya sido tan prolífica, motivo por el cual sus obras han alcanzado valores incalculables antes incluso de su existencia. Ningún artista representado por Marlborough tiene una lista de espera como la de Antonio López, circunstancia, entre otras, que le convierte en el artista vivo español más cotizado.

"El mundo sigue siendo precioso, pero los dioses nos han abandonado…". Antonio López conversa con los socios del Círculo del Liceo en una sobremesa preñada de epifanías. Su oficio, explica, «nace de la vocación de narrar visualmente». El crítico J. J. Yvars califica su obra de "realismo espectral", una pintura humanista cuyo protagonista es el ser humano.

Observado por su hija María, que le recuerda que el AVE para Madrid sale a las seis de la tarde, López advierte de que, pese a su laconismo castellano de Tomelloso, tiene muchas cosas que contar, aunque «lo difícil es resumirlas». Puestos a ser sinceros, confiesa que  le fatiga «vivir el mundo vertiginoso y caótico del arte». Por un momento, el autor del cuadro de los Reyes de España, se deja mecer por el igualitarismo. Gracias al arte moderno, «todos podemos ser pintores y espectadores», anuncia. Pero, nos preguntamos nosotros, ¿y la técnica? «Yo era un pintor hábil, a los trece años era capaz de reproducir lo que fuera», recuerda López. Pero, matiza, «la capacidad técnica acaba desbordada por la emoción porque es la emoción lo que hace visible lo que llevamos dentro». Eso justifica las dos décadas que ha dedicado al retrato regio.  
Todo el arte del siglo XX, prosigue, «precisa de un guionista». ¿Ejemplos? Picasso, Giacometti, Lucien Freud…

El ejercicio de la escultura le hizo recuperar la dimensión de la figura humana. Si se trata de situarse en una tradición, Antonio López opta por Monet o Cézanne: la vida moderna. Demuestra que es más difícil ser figurativo que abstracto: «Para el pintor figurativo lo más importante es qué pintar, mientras que la abstracción trabaja sobre la propia pintura». Se dirige a los jóvenes: «Antes, el artista era la voz de la sociedad, pero ahora la sociedad no tiene nada qué escuchar… Si no sabemos qué quieren de nosotros, lo único que nos queda es el oficio de pintar». A partir de entonces el lienzo y el pincel devienen en plataformas de una oscuridad que comienza con «La Gioconda» de Leonardo. El problema del arte actual, concluye el maestro, «"es que ya no sabemos qué pintar".

Artículo publicado en el diario ABC de España.

Ann-Margret (En un día como hoy)

Ann-Margret Olsson, conocida artísticamente como Ann-Margret, nació el 28 de abril de 1941 en Valsjöbyn, Suecia. Es una actriz y cantante sueca con nacionalidad estadounidense, famosa por sus papeles en películas como Ansia de amar (1971), Adiós, ídolo mío (1963) y Hecho en París (1966). Su carrera se destacó por su carisma, voz potente y presencia escénica. Aunque comenzó en Suecia, ganó reconocimiento internacional en Hollywood durante la década de 1960. Su legado perdura como una figura icónica del cine y la música del siglo XX.

Ver video

El viento de Luo Li Rong

La artista crea esculturas del tamaño natural de mujeres inspiradas en el arte clásico. Una revelación más de la belleza femenina.

La artista china Luo Li Rong crea esculturas en bronce de mujeres inspiradas en las técnicas del arte clásico. Sus figuras suelen ser capturadas en movimiento, a menudo con sus vestidos o prendas aparentemente revoloteando en la brisa a su alrededor.
Rong ha estado esculpiendo durante gran parte de su vida, habiendo estudiado en la Academia de Bellas Artes de Beijing bajo la dirección del escultor Wang Du. Más tarde, volvió su atención a las técnicas de escultura utilizadas por los artistas europeos en los períodos renacentista y barroco, algo que parece definir gran parte de su obra contemporánea. 

Axel Amuchástegui: “Mis pájaros son perfectos y hermosos pero nunca volarán”.

Axel Amuchástegui (1921-2002)

Un artista, sea pintor, músico, escultor, no es una persona que tenga que vivir aislada del mundo para realizar su obra. Muchos creen que es una persona muy diferente. Yo no lo veo así o, al menos, ya no debería ser así. Esta imagen de los artistas que se forma el resto de las personas se debe principalmente a la concepción del arte moderno en este siglo (XX). La mayoría de las manifestaciones artísticas han resultado incomprensibles para el espectador común y corriente, y esto ha hecho del artista un ser “diferente” para el resto de los mortales.

 Por Rubén Reveco, editor

En este próximo siglo creo que el artista se va a reencontrar con el público, ya que cada día se revaloriza un poco más el arte figurativo. Creo que ser artista es asumir un compromiso con el momento que toca vivir ¿Qué significa esto? Que un artista no debe permanecer ajeno a la realidad que de una u otra forma es común a todos; la que lleva implícita nuestros sueños, tristezas, alegrías, compromisos, trabajos, etc. 
Ahora bien, el que crea que pintar animales es un tema reciente o una moda está equivocado. El arte de la pintura nació inspirado en estos modelos. Más de alguno, también, pensará que las motivaciones de los primeros artistas, esos que pintaron en las cavernas 50 mil años atrás, eran diferentes a las de ahora ¡Segunda equivocación! El impulso motivador era casi el mismo. Estos artistas prehistóricos vieron que la fauna era parte vital de su existencia. Sin ella, no había posibilidad de alimento, y de abrigo. Por lo tanto, era muy bueno que los animales existieran. Los actuales pintores animalistas, con alguna variante conceptual, desde luego, consideran también que los demás seres vivos son parte importante del ecosistema que nos acoge a todos. 
"Soy pintor ecologista -expresó en una oportunidad Axel Amuchástegui, fundador de la escuela de arte animalista en la Argentina - y no creo que el ecologismo sea una moda, como algunos dicen. Sobre todo esos que gustan de tomar armas de caza para destruir lo que yo precisamente amo: la vida salvaje. Creo que todos tenemos derecho a vivir y a convivir en un mismo hábitat". 
Y pese al gran esfuerzo de estos artistas por pintar la esencia de un bello animal, no lo lograrán porque es muy difícil representar la vida y la libertad. Esto me recuerda una frase memorable de Axel, “mis pájaros son perfectos y hermosos pero nunca volarán”.

N. de la R.: Artículo escrito en 1998 

Artículo del diario La Nación 

Chiaroscuro (2) La vida privada de Leonardo da Vinci

 

Ficción y realidad para contar la vida de uno de los personajes más atrayentes de la historia y tan de moda ahora. Asistiremos a los entresijos más secretos de la vida privada del Maestro.

Este día se celebra anualmente el 15 de abril. La fecha fue elegida para conmemorar el nacimiento de Leonardo da Vinci (15 de abril de 1452), considerado uno de los artistas más destacados de la historia, simbolizando así la importancia y el impacto universal del arte.

Qué persona se escondía detrás de tan enigmático genio, cómo fue la tormentosa relación con su discípulo Salai, qué oscuros secretos se llevó a la tumba.

Descubridlo en esta absorbente serie en diez entregas. Con vosotros, el hombre orquesta del Renacimiento: El Gran LEONARDO DA VINCI.

Descarga:

• Chiaroscuro  -  La Vida Privada de Leonardo Da Vinci

Georg Friedrich Haendel: El músico ciego

 

Sello postal de 1985 de la República Federal de Alemania para conmemorar el 300 aniversario del nacimiento del compositor.

El compositor alemán Georg Friedrich Haendel (1685-1759) sufrió a los 52 años un ataque de apoplejía que le paralizó la mano izquierda, casi al mismo tiempo que perdió totalmente la vista. Sin embargo, siguió componiendo hasta su muerte, ocurrida veintidós años después.

Georg Friedrich Händel fue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las figuras cumbre de la historia de la música, especialmente la barroca, y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal.​ En la historia de la música, es el primer compositor moderno​ en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público,​ en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.

Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell,​ marcó toda una era en la música inglesa.​ Para varios expertos es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía​ y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana​ y para algunos hasta en el oratorio, por delante de Johann Sebastian Bach.

Su legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época, donde 43 óperas, 26 oratorios (entre ellos El Mesías) y un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical. (W)

El Mesías, subtitulado.

Händel en la cultura popular

Georg Friedrich Händel es uno de los compositores más conocidos de la música clásica. Se ha utilizado su imagen en diversos formatos artísticos y de otra índole, como pósteres, caricaturas y postales. Se han emitido sellos postales y otros documentos filatélicos y numismáticos en numerosos países del mundo, en muchos casos para conmemorar los aniversarios de su nacimiento y muerte. También se han acuñado monedas, medallas y medallones conmemorativos. Su imagen u obras han sido utilizadas en diversos artículos de merchandising, como relojes, vitolas de puro, naipes, muñecos de juguete, platos, tazas y camisetas. Además, se han erigido estatuas y placas conmemorativas en diferentes ciudades y existen numerosos bustos y retratos con su figura.

En 1942, se estrenó la película biográfica The Great Mr. Handel, dirigida por Norman Walker y protagonizada por Wilfrid Lawson.94​ Además, se ha utilizado su música en más de 400 películas y programas de televisión.​

En su condición de autor de música religiosa, su nombre figura entre las celebraciones del Calendario de Santos Luterano y comparte fecha con Johann Sebastian Bach y Heinrich Schütz. Además, se le honra con un día festivo del Calendario de Santos de la iglesia episcopal. Se celebra el 28 de julio y lo comparte con Bach y Henry Purcell. Händel y Bach también se conmemoran en el calendario de los santos preparado por la Order of Saint Luke para uso de la Iglesia metodista unida.

El cráter de impacto en el planeta Mercurio denominado «cráter Handel» lleva su nombre, así como el piedemonte de hielo Händel, en la costa centro-occidental de la isla Alejandro I, en la Antártida.

Web - YouTube

Todos los jueves, en simultáneo por este blog y canal de Youtube

OTRAS CANCIONES PUBLICADAS

Gustave Moreau: El padre del simbolismo (200 años)

Gustave Moreau, figura clave en el arte francés, se erige como un precursor del simbolismo y creador de una estética decadente e irreal. Nacido en París hace 200 años, Moreau revolucionó los estilos pictóricos de finales del siglo XIX, anticipándose al simbolismo, movimiento que oficialmente se proclamaría hasta 1886.

Los 200 años de Gustave Moreau

Su formación académica, influenciada por Théodore Chassériau y Pierre Puvis de Chavannes, se complementó con viajes a Italia, donde estudió a los maestros renacentistas. En 1855, expuso junto a grandes figuras en la Exposición Universal de París. A pesar de obtener reconocimiento, su obra fue tildada de excéntrica, ya que no se ajustaba al canon del momento.

Moreau participó como voluntario en la guerra franco-prusiana y alcanzó gran éxito con su obra "Salomé bailando ante Herodes". En 1891, se convirtió en profesor en la École des Beaux-Arts, influyendo en futuros artistas como Matisse y Rouault. Su arte, entre el romanticismo y el simbolismo, evolucionó hacia la preeminencia del color. Sus últimas acuarelas, cercanas a la abstracción, demuestran una técnica inusual para la época, consolidando su legado como un artista innovador.

Tal como señaló J. K. Huysmans, su maestría en la acuarela le permitió extraer de pigmentos químicos esplendores comparables a gemas y vitrales. Su imaginería, poblada de figuras andróginas, mujeres fatales y seres monstruosos, se manifiesta en obras como La aparición, Júpiter y Sémele y sus evocaciones del arte hindú. Motivos cristianos como la Piedad y San Sebastián también ocuparon un lugar en su producción, destacando su Vía Crucis y La flor mística. Moreau, al rebelarse contra el impresionismo y la realidad burguesa, anticipó la abstracción y la libertad cromática que caracterizarían las vanguardias del siglo XX, consolidándose como un artista visionario cuyo legado perdura en la historia del arte.

La estética decadente (relacionada con el simbolismo) se manifiesta en una mirada artística y filosófica que celebra la belleza en el deterioro, el desmoronamiento de valores y la corrupción moral. Influenciada por el decadentismo del siglo XIX, enfatiza lo sensorial, lo exótico y lo morboso, transformando la decadencia en objeto de admiración estética. Es una reacción contra el positivismo y el realismo, priorizando la subjetividad, el arte por el arte y el culto a lo efímero. Esta estética permea la literatura, el arte visual y la música, donde la fragilidad y el fin simbolizan profundidad emocional y sensualidad intelectual.

Edipo y la esfinge (1864).