Impresionante hiperrealismo de Marco Grassi

Muchos seudo artistas acusan al hiperrealismo de ser "sólo despliegue de virtuosismo técnico" como si esto estuviese al alcance de las posibilidades de cualquiera.

Estoy seguro que esas críticas vienen de los incapaces y que se encuentran en la antípoda del arte realista. Ellos son sólo concepto y acusan a los hiperrealistas de ser sólo forma. ¡Menuda discusión se podría armar! 

Nosotros no tenemos ninguna duda sobre qué consideramos como arte y por dónde pasan nuestras pasiones que nos ayudan a mantenernos vivos y a seguir creyendo en el arte.

Marco Grassi (1987), nació en Reggio Emilia Italia. Tras finalizar su ciclo en la Academia de Arte de Bolonia, decidió dedicarse a tiempo completo a la pintura, pasión que le acompaña desde la infancia.
Su primera muestra personal tuvo lugar en su ciudad natal, Reggio Emilia, en diciembre de 2013, en la antigua sala del Palacio Calcagni.
Sus pinturas son rostros de mujeres que fácilmente se pueden confundir con una fotografía. Se trata de rostros altamente detallados, los labios rojos, el intenso color azul de los ojos, las cejas, cada pliegue de la piel, el detalle de los poros, el cabello es milimétricamente elaborado para dar el realismo que pueden observar en sus pinturas.

El hiperrealismo es una escuela o estilo que ha tomado relevancia exponencial en los últimos 20 años y las ventas y difusión que tiene este tipo de arte en galería y museos va ganando terreno cada día un poco más.

Denis Chernov, dibujos bellísimos

 

Este es un dibujante y pintor ucraniano. Creo que maneja mucho mejor el lápiz que el pincel. Sus dibujos tienen una sutileza exquisita. Hay una perfecta compensación entre claros y oscuros y un diálogo perfecto entre figura y fondo.

Denis Chernov nació en Sambir, provincia de Lviv, Ucrania. Vive y trabaja en Kharkiv Kharkiv después de graduarse de la Escuela de Arte, en 1998, Kharkiv Academia Estatal de Diseño y Artes (Cátedra de Arte Gráfico), en 2004. Participa regularmente en exposiciones artísticas, tanto en Ucrania como en el extranjero. La mayoría de obras de arte de Denis Chernov se conservan en colecciones privadas en varios países del mundo. 

Kird Richards: Flores para la eternidad

Kirk Richards comenzó su carrera como pintor profesional en 1980, después de estudiar cuatro años. Habiendo recibido su licenciatura en Bellas Artes y su maestría en artes de la Universidad del Estado de West Texas, siempre buscó la instrucción tradicional de los viejos maestros, métodos que no estaba disponible a través de la universidad.

Entonces Kirk Richards abrió su propio taller. Este operó desde 1982 hasta 1988 en Amarillo, Texas. En el otoño de 1988, recibió el encargo de pintar un proyecto mural de tres paneles grandes para la Primera Iglesia Bautista, de Amarillo. A partir de ese momento, Kirk se ha concentrado en una carrera de la pintura a tiempo completo.
Ha logrado mucho éxito en retratos, bodegones y pinturas de tema religioso, simbólico o alegórico. Como resultado, su trabajo ha sido incluido en numerosas exposiciones de prestigio, publicaciones y catálogos. Ha participado en muchas exposiciones itinerantes junto a la Cofradía de la Sociedad Americana del Realismo Clásico.
Kirk vive en Amarillo con su esposa Linda.

Los prerrafaelistas (1) Edward Burne-Jones

 

"La escalera dorada" de Edward Burne-Jones, 277 por 117 cms. El dibujo lo completó en 1872, pero sólo comenzó la pintura en 1876 terminándola cuatro años después.

Si bien Edward Burne-Jones no está desde el comienzo en el grupo, su obra es una de las más interesantes y que más influencia ejerce en la segunda mitad del siglo XIX.

El prerrafaelismo

La Hermandad Prerrafaelita (Pre-Raphaelite Brotherhood) fue una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses, fundada en Londres en 1848 por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt. La hermandad duró apenas cinco años, pero su influencia se dejó sentir en la pintura inglesa hasta comienzo el siglo XX. 

Los prerrafaelitas rechazaban el arte académico predominante en la Inglaterra del siglo XIX, centrando sus críticas en Joshua Reynolds, fundador de la Royal Academy of Arts. Desde su punto de vista, la pintura académica imperante no hacía sino perpetuar el manierismo de la pintura italiana posterior a Rafael y Miguel Ángel, con composiciones elegantes pero vacuas y carentes de sinceridad. Por esa razón, ellos propugnaban el regreso al detallismo minucioso y al luminoso colorido de los primitivos italianos y flamencos, anteriores a Rafael —de ahí el nombre del grupo— a los que consideraban más auténticos.

Edward Burne-Jones (izq) y William Morris, 1890.

Jennifer Nehrbass: Un poco de acción

Jennifer Nehrbass es una artista norteamericana que realizó esta curiosa composición. La incluí por considerarla como un buen ejemplo sobre todas las posibilidades que ofrece el arte realista y en especial el desnudo como tema. 

Muchos artistas jóvenes están muy condicionados por el peso de la tradición y siempre resuelven el asunto del modo más simple: desnudo recostado. El realismo contemporáneo debe aprender del cómic -por ejemplo- e imprimirle acción a sus composiciones.

Primeros ilustradores de la Prehistoria

Zdenex Burian realizó más de 15.000 pinturas y dibujos, e ilustró más de 500 libros y 600 cubiertas de libros.

Primero fueron los dinosaurios y luego los humanos. La teoría de la evolución de Charles Darwin y los primeros descubrimientos paleontológicos activó la imaginación de escritores y pintores del siglo XIX. Por un lado había que ilustrar cuentos o novelas y por otro, representar los descubrimientos de la ciencia. Fue de esta forma como los artistas comenzaron a incursionar en el pasado prehistórico y nació una nueva disciplina: el paleoarte.

En “El pintor de la Edad de Piedra” no sabremos aún si los tocados de las figuras femeninas habían salido de los frescos egipcios o si acaso estamos ante una tribu indígena americana. Pero a fin de cuentas, ¿quién le había explicado a Paul Jamin cómo era la Edad de Piedra, si unos pocos años antes de que él muriera se había descubierto fortuitamente Altamira?

En el siglo XX, se abordaron estos temas de un modo independiente en libros y en revista de historietas destinadas al público infantil y juvenil. Sin ningún problema  hicieron una mixtura sin ninguna rigurosidad científica. No hubo -por ejemplo- problemas en que convivieran hombres y dinosaurios. No tanto por desconocer que cronológicamente era algo imposible, si no porque era tan fuerte la influencia de los relatos de escritores como Julio Verne (“Viaje al centro de la Tierra”, 1865), que los artistas se volcaron de lleno a esta temática.

Michal Lukasiewicz: Cara pintada

 

Magnifica obra de este joven artista polaco radicado en Amberes, Bélgica.

Algo de Vermeer de Delft, algo de Leonardo, en la forma y contenido de la obra de este pintor. Encontramos una fina y elaborada textura en el soporte donde trabajó posteriormente esos rostros que nos miran. Ese es el secreto de su propuesta tan clásica como contemporánea.

Algo, también, de Mona Lisa en esas cejas casi depiladas y esos sfumatos que tan bien armonizan con los colores primario. Un hallazgo.

Más información

Dalí, ¿sólo 20 buenas pinturas?

Salvador Dalí (1904 - 1989)

Salvador Dalí siempre nos gustó. Para cualquier estudiante de arte era un referente casi obligado y fuente de inspiración surreal. Sin embargo, hace poco pude acceder a un catálogo con toda su extensa producción, ¡oh, sorpresa! No conté más de 20 pinturas que puedan considerarse como buenas obras de arte.

Por Rubén Reveco - Editor

Bueno, veinte pinturas no está mal. Pero si las comparamos con la totalidad de su producción (casi 1500), veinte es muy poco. Dalí pintó mucho e hizo mucha mala pintura. Recién a sus 28 años aparece la "Persistencia de la memoria", sus famosos relojes derretidos y su primera pintura que podemos considerar como surrealista. Su mejor producción fue realizada durante la década del 50, más académica y de inspiración religiosa.
Las veinte seleccionadas son las que encontraremos en cualquier libro y revista de arte. Muy poco para una leyenda del arte del siglo XX.

Catálogo de obras

1) La persistencia de la memoria (1931)

Lo mejor de Georges de la Tour, el pintor de la velas

Si hay un episodio controversial en el Nuevo Testamento es el de la concepción de Jesús. Para el creyente no existe problema alguno porque es un asunto de fe.

¿Acaso no le pareció raro a San José que María se quedara embarazada cuando nunca había intimado con ella? Pues no, porque había sido visitado en sueños por un ángel que le explicó todo: el Espíritu Santo, en forma de paloma, había engendrado al futuro mesías en el vientre de María, que seguía siendo virgen.

El caso es que José se hizo cargo del futuro bebé Jesús y gracias a este buen señor, Jesús pudo formar parte de la estirpe de David, como prometían las profecías, ya que José era descendiente de David. Además así pudo salvar el pescuezo a su esposa, ya que el adulterio implicaba que la pobre fuese apedreada según lo dispuesto en la Torá.

En cualquier caso este santo despertó las simpatías de toda clase de gente, desde padres de familia (putativo o no) a obreros, que lo consideraron su patrono.

Georges de la Tour también sintió alguna conexión con el santo y lo representa recibiendo las noticias exactamente que como se cuenta en la Biblia: mientras dormía. El ángel lo visita en sueños y le cuenta la extraña noticia. Un ángel, por cierto, bastante no-ángel, sin alitas murillescas, ricitos querubínicos, ni florituras empalagosas.

Por supuesto, en toda obra de este barroco francés no puede faltar una fuente de luz, en la mayoría de los casos una vela, que aquí el maestro tiene la audacia de tapar completamente, para que paradójicamente reciba todavía más protagonismo.

Duffy Sheridan: ¡Muy fino!

 

Duffy Sheridan es un artista norteamericano de gran prestigio. Sus pinturas pueden ser encontradas en centros de colección de todo el mundo.

Su obra expresa un excelente dominio del color con una gama cromática basado en los marrones, amarillos, rosas... Además, es un gran dibujante.

Duffy Sheridan ha estado pintando desde niño. Su padre, también artista, lo animó a aprender a hacerlo. Ha viajado por el mundo y dedicado su vida artística a descubrir cualquier expresión de belleza en lo que ve.

Aunque su familia y él han pasado muchos años en un retiro relativo en lugares remotos del mundo, el trabajo de Sheridan ha atraído la atención de los coleccionistas en los cinco continentes.

Desde su regreso a los Estados Unidos en 1991, su trabajo ha recibido la aclamación internacional.

Durante casi 35 años, las enseñanzas de la fe Baha'i ha sido su influencia primaria tanto en su vida como en su trabajo, y ha dominado su búsqueda continua de ese balance entre el trabajo manual y la expresión artística que permite elevar, de alguna manera, la condición humana.

"Entonces la Virgen del Cielo se asomó desde su Exaltado Aposento - Óleo sobre lino".