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sábado, 31 de octubre de 2026

Lorena Kloosterboer: “Se necesita de una personalidad tenaz para mantenerse en curso”

 






Conocida y valorada en el mundo por su obra pictórica, la artista holandesa-argentina Lorena Kloosterboer ha logrado un trabajo de espléndido realismo, elegante y casi fotográfico: “En el arte, uno tiene que animarse a fallar, una y otra vez”, explica. 



Por Camila Reveco 
Fuente: Revista Ophelia

Desde hace diez años vive en Amberes, Bélgica. De madre argentina y padre holandés, la artista plástica Lorena Kloosterboer nació en los Países Bajos y fue el español su lengua materna. En el jardín de infantes aprendió a hablar holándes y al escuchar hablar a sus padres entre sí, pudo dominar el inglés. “Me siento increíblemente afortunada de haber sido criada trilingüe, -dice-básicamente recibí tres idiomas de forma gratuita sin esforzarme en aprenderlos”, y agrega: “el contraste entre mis dos culturas—la holandesa y la argentina—me formó de muchísimas maneras. Supongo que en realidad no soy ni típicamente holandesa ni argentina, pero me siento ambas a la misma vez. Por lo tanto, me describo como una latina holandesa porque siento un fuerte vínculo con la mujer latina a quien considero mi hermana”. 
De increíble oficio, Lorena es una verdadera artesana de la pintura realista, y su increíble habilidad ha sido fruto de un esfuerzo sostenido. A ella, le parece absurda ésta moda de explicar obras a través de ingeniosos discursos curatoriales. Cree, que una verdadera obra de arte se defiende por sí sola, que no necesita de la palabra para existir. Cree que el arte no es un discurso teórico: “Creo que el público –sostiene- se está cansando de necesitar un manual de traducción cuando visita una galería de arte o un museo para comprender lo que están viendo. Es ridículo tener que intentar apreciar una “obra de arte” que uno instintivamente sabe que no tomó ni mucho trabajo, ni esfuerzo, ni conocimiento técnico para realizarse, y que solamente por comercialización y publicidad está expuesta en un lugar de cierto nivel”. 




domingo, 25 de octubre de 2026

"La esclava griega" de Hiram Powers

La esclava griega es una escultura de mármol del escultor estadounidense Hiram Powers. Fue una de las obras de arte estadounidenses más conocidas y aclamadas por la crítica del siglo XIX,​ y se encuentra entre las esculturas estadounidenses más populares de la historia.

Fue la primera escultura estadounidense de tamaño natural expuesta públicamente que representa una figura femenina completamente desnuda. Powers modeló originalmente la obra en arcilla, en Florencia, Italia y la completó el 12 de marzo de 1843.​ La primera versión en mármol (versión principal) de la escultura fue completada por el estudio de Powers en 1844 y ahora se encuentra en el Castillo de Raby en Reino Unido.​

Cinco versiones más de tamaño completo de la estatua en mármol se reprodujeron mecánicamente para clientes privados, basadas en el modelo original de Powers, junto con numerosas versiones a menor escala. Se exhibieron copias de la estatua en varios lugares de Reino Unido y Estados Unidos; rápidamente se convirtió en una de las obras más famosas de Powers y tuvo un significado simbólico para algunos abolicionistas estadounidenses, lo que inspiró un torrente de prosa y poesía.​ Se dice que la posición de la figura se inspiró en la Venus de Médici de la Galería Uffizi en Florencia.​

Detalle de la mano de la estatua, mostrando la cruz y el relicario.

martes, 20 de octubre de 2026

Los explosivos pinUp de Ignacio Noé


Ignacio Noé nos presenta estos curiosos pin-up en los que la protagonista muestra belleza y buen humor a pesar de la catástrofe que se desarrolla a su alrededor.


Ignacio Noé es un talentoso diseñador e ilustrador argentino especializado en historietas. Su arte abarca una amplia gama de géneros gráficos, incluyendo cómics, libros infantiles, ilustraciones para revistas y cómics eróticos. Se destaca por su estilo distintivo que combina medios digitales y tradicionales.

Comenzó su carrera en Italia a finales de la década de 1980, colaborando especialmente en la revista mensual Comic Art bajo la dirección de Ricardo Barreiro. En 1995, su primer cómic, Le couvent infernal, resultó controvertido para los estándares editoriales italianos debido a su enfoque sobre la religión católica, por lo que se publicó en la revista española Kiss Comix. El éxito fue instantáneo y se repitió al año siguiente en la misma revista con Diet, donde mostraba su predilección por mujeres voluptuosas y de generoso busto.

En Francia, se publica en la versión francesa de la revista mensual Kiss Comix y también ofrece talleres de pintura orientados al campo de la ilustración.







lunes, 19 de octubre de 2026

Apeles: Zapatero a tus zapatos

Un zapatero le indica a Apeles un error de diseño de una sandalia pintada por el artista. Apeles fue uno de los más queridos y afamados pintores de la Edad Antigua. Nació en Colofón, en el año 352 a. C.; y falleció en Cos el 308 a. C.

 Se cuenta de Apeles que era bastante receptivo y abierto a la crítica constructiva. Según recoge Plinio el Viejo,​ en una ocasión un zapatero se dio cuenta de un error cometido por el pintor en los zapatos de una figura de un cuadro y lo criticó. Apeles corrigió el error de inmediato. Envanecido el zapatero, hizo otra observación sobre las piernas, a lo que el artista contestó: «Ne supra crepidam sutor judicaret», es decir «El zapatero no debe juzgar más arriba de las sandalias», frase que ha quedado reducida al dicho español: «Zapatero, a tus zapatos».


Pintura mural de Pompeya donde se cree que se representa la Venus Anadiomena del pintor Apeles.

Se pensó, basándose en los escritos de Ovidio y de Plinio el Viejo,​ que habría nacido en Cos el año 352 a. C., aunque según Estrabón era de Éfeso​ y, según la Suda, habría nacido en Colofón. Fue discípulo del artista Pánfilo de Anfípolis, en Sición. Apeles fue el pintor elegido por Alejandro Magno para perpetuar su imagen. Alejandro era consciente del poder de propaganda que puede tener el arte y supo muy bien controlar la reproducción de su efigie, cuya realización sólo autorizó a tres artistas: un escultor, un orfebre y un pintor. Los biógrafos de Alejandro cuentan que este tenía en gran aprecio al pintor, y que visitaba con frecuencia su taller y se sometía a sus exigencias.

Alejandro el Grande visita a Apeles mientras está pintando a Campaspe. Cuadro de Giambattista Tiepolo.

sábado, 17 de octubre de 2026

Recordando a Robin Wood (Blog Columberos)


El día 17 de octubre de 1921 falleció en Asunción  Robin Wood.


El gran Robin Wood (1944-2021) creador, 
entre otros, de personajes inolvidables como Nippur de Lagash, Savarese y Dago. 
Fue un guionista que durante su larga y fértil carrera publicó en revistas como
 El Tony, Intervalo, Nippur Magnum, Fantasía o D’Artagnan de la editorial argentina Columba.




Robin Wood (su nombre real), fue criado en una colonia rural integrada por emigrantes de irlandeses y escoceses (y Wood, además, con ascendientes australianos) sumida en la pobreza. De ahí que pasara gran parte de su infancia en orfanatos, recibiendo la atención y relatos de su abuela, si bien no de su padre, a quien jamás conoció.
Demostró pronta inquietud por la lectura y por los viajes y la actividad física. En su juventud desarrolló muy diversos trabajos para ganarse el sustento: camionero en las selvas del Paraguay y en Brasil, camarero, pinche de cocina, estibador, obrero en diferentes fábricas... muchas veces trabajando por un jornal exiguo que no le aseguró ni una cama para dormir. Pero no por ello dejó de leer y de escribir (ganó algún premio literario en su adolescencia). 

Interesado por el arte, comenzó a estudiar dibujo en Buenos Aires, donde conoció al autor Lucho Olivera y con él creó al personaje Nippur de Lagash, que una vez aceptado por el sello editor Columba comenzó a  vivir aventuras de papel y cosechó gran éxito. Vista su facilidad para escribir historietas, arrancó entonces una prolífica producción, la cual desarrolló mientras viajaba por todo el mundo. Sus trabajos también se han traducido a diversos idiomas, triunfando especialmente en Italia, donde fue un autor fetiche.




miércoles, 14 de octubre de 2026

Cuatro obras (mías) sobre Santiago de Chile

 

"La niña que sonríe". Dibujo sobre cartulina. 

Representar a la ciudad que se habita es un atractivo muy importante para cualquier artista plástico.


Representar la ciudad que se habita es un atractivo muy importante para cualquier artista plástico. Este acto no solo implica la plasmación de elementos visuales, sino que se convierte en un diálogo profundo entre el creador y su entorno. La ciudad, con su pulso, sus texturas, sus luces y sus sombras, ofrece un lienzo inagotable de inspiración.



Por Rubén Reveco - Editor

Para el artista, la urbe se transforma en una extensión de su propia identidad, un reflejo de vivencias y percepciones. Cada calle, cada edificio, cada rincón, puede ser interpretado y reinterpretado a través de la subjetividad del pincel, el lápiz o la cámara. Esta representación va más allá de la mera mímesis; busca capturar la esencia, el alma del lugar, revelando aspectos que a menudo pasan desapercibidos en la rutina diaria.

Asimismo, al representar su ciudad, el artista se erige como un cronista visual, un intérprete de la memoria colectiva. Su obra puede documentar cambios, preservar la historia o proyectar visiones de futuro. Se convierte en un puente entre el pasado y el presente, entre lo tangible y lo intangible. En este sentido, la representación artística de la ciudad no es solo un acto estético, sino también un compromiso social y cultural que enriquece tanto al creador como a la comunidad que lo observa."



Realicé este dibujo en 1984 cuando intentaba ser un artista hiperrealista. Cometí un gran error al pensar que solo era cuestión de tiempo lograrlo.
En ese momento, descubrí la admiración por el trabajo de estos artistas, que va más allá de la habilidad técnica. Requiere una gran fuerza espiritual y dedicación. Además, es fundamental encontrar un tema que te inspire o darle tu propio estilo al tema. Es importante no dejarse llevar por los elogios del tipo "¡parece una foto!", ya que no siempre son positivos para un hiperrealista, ni tampoco críticas. Por último, es necesario enfrentarse a quienes cuestionan si tu obra refleja el espíritu de la época, si es válido invertir meses en un dibujo, si es anacrónico, entre otros aspectos. Ser un artista hiperrealista no está al alcance de cualquiera, por eso son tan escasos.

martes, 13 de octubre de 2026

Nick Alm: Sociales de gente linda

"Escena de café / Cafe Scene", óleo sobre lienzo.

Nick Alm es un reconocido pintor sueco nacido en 1985, que vive y trabaja en Estocolmo.

Cuenta que dibuja desde que tiene memoria, y que una visita al Museo de Goteburgo tuvo un gran impacto sobre él, lo que le animó a comenzar a pintar al óleo.

Nick entró en la Academia de Arte de Florencia en 2007, donde también ocupó un puesto como asistente de enseñanza. Después de graduarse en 2010, recibió una beca para unirse a la Hermandad del Río Hudson. Al año siguiente estudió con Odd Nerdrum en Noruega y Francia antes de regresar a Suecia.


FUENTE

Después de su instrucción formal pintando estrictamente del natural, empezó a utilizar otras fuentes para crear sus composiciones (fotografías de referencia, su imaginación, experimentos en photoshop). Nick comenta este proceso: "Fue gradual. Era problemático depender siempre de modelos del natural. No sentía que era necesario trabajar siempre a partir del natural, ya que a menudo me desviaba bastante de la naturaleza. Trabajar con fotos y la imaginación reduce mucho el estrés, pero tiene sus pros y sus contras, ya que el estrés tiene el beneficio de hacerte más eficiente".

«El proceso creativo varía, pero principalmente involucra pequeños bosquejos en miniatura con lápiz y papel, y experimentos en photoshop.

La primera visión es una gran inyección de dopamina, y ver la imagen cobrar vida tiene algo de magia. Sin embargo, rara vez es un paseo por el parque. A menudo me quedo atascado con la composición, sin saber cómo resolver el problema. Sin embargo, es peor descubrir un problema una vez que el cuadro ya está pintado."
«La inspiración puede venir de libros, películas y otros artistas, o los motivos aparecen en el entorno inmediato: la luz, un incidente, un gesto expresivo. Sin embargo, la inspiración es a menudo un proceso subconsciente que es difícil señalar. Todos llevamos un banco de memoria que trabaja constantemente bajo el radar y nos proporciona ideas extrañas. No hay ideas que simplemente ande esperando, pero la mejor manera es tomar el bolígrafo y empezar a bocetar. El carácter indefinido y abstracto del bosquejo de la idea deja un gran margen para las asociaciones, y por lo tanto, las nuevas ideas suelen surgir en esta etapa.»


Nick con su obra "Escena de café"

sábado, 10 de octubre de 2026

Adrian Gottlieb: El desnudo de hoy (y otras pinturas)



Este es un pintor de Estados Unidos que se destaca por el dibujo y la factura impecable de sus obras. Pinta -además de desnudos- retratos y paisajes con igual maestría. Este es un tema con un tinte oriental típico del romanticismo. Ella fuma adormecida mientras un baño de luz recorre por su espalda y caderas. El artista no tiene dudas sobre como resaltar una de las partes más sensuales de su cuerpo.




The title, Flight, is meant to describe the freedom the painting inspires. Pure fantasy, Flight creates a dreamscape in which to indulge and delight one’s imagination. The viewer is transported to a psychological landscape, where lush textures and soft light are at play. One’s mind is set free to wander through this highly sensuous piece. (Web)


viernes, 9 de octubre de 2026

Susana Salinas: "Ser mujer en el arte no es un camino sencillo"

 





Dueña de un dialogo artístico íntimo donde predomina la visión de lo interior y de la psique, la joven artista mexicana nos evidencia en  esta entrevista el carácter y la búsqueda de su trabajo pictórico; una verdadera oda a la femeneidad: “Me resultan muy atractivas e interesantes las contradicciones de mi yo femenino”, confiesa.



Por Abigail Huerta
ahuerta@revistaophelia.com


Zacatecas, situada justo en el corazón de México, es una ciudad de establecida referencia artística en el país Azteca, llamada cuna natural de artistas; y ha sido  hogar, academia y taller para  Susana Salinas quién, nacida en Querétaro en 1982 se traslada junto a su familia con sólo tres años a este lugar en el que vive y trabaja.
Los ocres, rojos y óxidos han llegado a ser en muchos casos una manifestación reiterada en la paleta de pintores y pintoras de la mencionada región; y Salinas no escapa a esta tendencia: “Mi paleta me elige por lo regular a mí, no hago más que traducir en colores lo que veo en la naturaleza, en mi cotidiano, una tierra colorada y un sin fin de azules que este cielo me permite experimentar”.

Nuestra pintora aborda las circunstancias de la femeneidad en una narrativa emocional de evidente gusto por la  fantasía; pasan a develar sus composiciones elementos figurativos como aves, mujeres y plantas, y también hay espacios de vacío y  objetos físicos de recurrente representación surrealista, tales como hilos, jaulas o ramas. Objetos que tienen una significación más allá del plano material, convirtiéndose su obra, en una verdadera metáfora donde conviven escenas de ensueño y reflexión, angustia e incluso temor.

Nos dice congeniar con el trabajo de realistas contemporáneos como el mexicano  Edgar Noe Mendoza (Durango, 1967)  y a su vez, con expresionistas de lo bello y lo perturbador como Mónica Cook (Georgia, 1974), entre otros. Susana Salinas es una pintora que asume sus influencias, explora a su vez un sello propio, y sabe asumir riesgos: “Creo que el arte está en un constante movimiento, me gusta ir de su mano, probar, arriesgarme…  volver a los espacios de confort y luego desbaratar de nueva cuenta”.
Se trata de una artista que está en constante movimiento y contacto con su entorno, una mujer inquieta e interpeladora de su realidad que mimetiza y recoge en su obra multiplicidad de técnicas; participa e incursiona en diferentes actividades decorativas y manuales sin dejar de ser creadora de las llamadas artes menores. Logra, en cada situación,  cederle otro carácter a su mundo expresándolo de manera subjetiva.
Mencionó la reconocida crítica de arte Avelina Lésper, con motivo de una muestra de la joven artista: “Esta exposición es un reflejo imposible y verdadero de la femineidad, reúne la metáfora en la que las mujeres habitamos, y es la visión sincera y rebelde de Susana la que le da vida”.  Y es cierto.

miércoles, 7 de octubre de 2026

Humanos vs IA ¿Quién es quién en la ilustración de fantasía?

 


Cada día hay más y mejores. Y si bien los dispositivos tecnológicos se perfeccionan y se superan, muchos ilustradores buscan que sus trabajos tengan un toque pictórico que los "humanice" un poco. ¿Ahora bien, estamos hablando de una obra realizada por un humano o por una máquina?¡Miren ustedes!



La IA ha demostrado ser una herramienta valiosa para los artistas que buscan nuevas formas de expresión y exploración creativa. Desde la producción de arte generado por algoritmos hasta la interacción entre humanos y robots, la IA se ha posicionado como una herramienta para abrir nuevos caminos en el mundo del arte.