Antonio López García: Realismo espectral

 

Antonio López García es sin lugar a dudas el pintor y escultor más importante del realismo contemporáneo español, la meticulosidad de sus trabajos ha hecho que su producción de “fotografías al oleo” no haya sido tan prolífica, motivo por el cual sus obras han alcanzado valores incalculables antes incluso de su existencia. Ningún artista representado por Marlborough tiene una lista de espera como la de Antonio López, circunstancia, entre otras, que le convierte en el artista vivo español más cotizado.

"El mundo sigue siendo precioso, pero los dioses nos han abandonado…". Antonio López conversa con los socios del Círculo del Liceo en una sobremesa preñada de epifanías. Su oficio, explica, «nace de la vocación de narrar visualmente». El crítico J. J. Yvars califica su obra de "realismo espectral", una pintura humanista cuyo protagonista es el ser humano.

Observado por su hija María, que le recuerda que el AVE para Madrid sale a las seis de la tarde, López advierte de que, pese a su laconismo castellano de Tomelloso, tiene muchas cosas que contar, aunque «lo difícil es resumirlas». Puestos a ser sinceros, confiesa que  le fatiga «vivir el mundo vertiginoso y caótico del arte». Por un momento, el autor del cuadro de los Reyes de España, se deja mecer por el igualitarismo. Gracias al arte moderno, «todos podemos ser pintores y espectadores», anuncia. Pero, nos preguntamos nosotros, ¿y la técnica? «Yo era un pintor hábil, a los trece años era capaz de reproducir lo que fuera», recuerda López. Pero, matiza, «la capacidad técnica acaba desbordada por la emoción porque es la emoción lo que hace visible lo que llevamos dentro». Eso justifica las dos décadas que ha dedicado al retrato regio.  
Todo el arte del siglo XX, prosigue, «precisa de un guionista». ¿Ejemplos? Picasso, Giacometti, Lucien Freud…

El ejercicio de la escultura le hizo recuperar la dimensión de la figura humana. Si se trata de situarse en una tradición, Antonio López opta por Monet o Cézanne: la vida moderna. Demuestra que es más difícil ser figurativo que abstracto: «Para el pintor figurativo lo más importante es qué pintar, mientras que la abstracción trabaja sobre la propia pintura». Se dirige a los jóvenes: «Antes, el artista era la voz de la sociedad, pero ahora la sociedad no tiene nada qué escuchar… Si no sabemos qué quieren de nosotros, lo único que nos queda es el oficio de pintar». A partir de entonces el lienzo y el pincel devienen en plataformas de una oscuridad que comienza con «La Gioconda» de Leonardo. El problema del arte actual, concluye el maestro, «"es que ya no sabemos qué pintar".

Artículo publicado en el diario ABC de España.

En defensa del talento en el arte

Istvan Sandorfi

¿Qué importancia tiene el talento en el arte? Ustedes que disfrutan de las diferentes manifestaciones del arte figurativo de nuestros días comprenden que esas pinturas, dibujos e ilustraciones son las obras de artistas que aún consideran a las artes plásticas una profesión de esfuerzo y trabajo.

Talento vs. mediocridad

Una metáfora poética para empezar: Sabemos que una semilla de rosa -por ejemplo- es portadora de una futura flor, pero para que crezca y florezca debe ser regada, si no muere antes de nacer.

Del mismo modo el talento debe ser cultivado y orientado. No basta con “dejarlo ser”, se debe encauzar hacia la creatividad. Y ésta debe tener componentes de exclusividad para que sea verdaderamente original.
Pero siempre poniendo los caballos adelante del carro. Primero el talento, después el trabajo y finalmente el objeto producto del esfuerzo creativo.

Enki Bilal

Axel Amuchástegui: “Mis pájaros son perfectos y hermosos pero nunca volarán”.

Axel Amuchástegui (1921-2002)

Un artista, sea pintor, músico, escultor, no es una persona que tenga que vivir aislada del mundo para realizar su obra. Muchos creen que es una persona muy diferente. Yo no lo veo así o, al menos, ya no debería ser así. Esta imagen de los artistas que se forma el resto de las personas se debe principalmente a la concepción del arte moderno en este siglo (XX). La mayoría de las manifestaciones artísticas han resultado incomprensibles para el espectador común y corriente, y esto ha hecho del artista un ser “diferente” para el resto de los mortales.

 Por Rubén Reveco, editor

En este próximo siglo creo que el artista se va a reencontrar con el público, ya que cada día se revaloriza un poco más el arte figurativo. Creo que ser artista es asumir un compromiso con el momento que toca vivir ¿Qué significa esto? Que un artista no debe permanecer ajeno a la realidad que de una u otra forma es común a todos; la que lleva implícita nuestros sueños, tristezas, alegrías, compromisos, trabajos, etc. 
Ahora bien, el que crea que pintar animales es un tema reciente o una moda está equivocado. El arte de la pintura nació inspirado en estos modelos. Más de alguno, también, pensará que las motivaciones de los primeros artistas, esos que pintaron en las cavernas 50 mil años atrás, eran diferentes a las de ahora ¡Segunda equivocación! El impulso motivador era casi el mismo. Estos artistas prehistóricos vieron que la fauna era parte vital de su existencia. Sin ella, no había posibilidad de alimento, y de abrigo. Por lo tanto, era muy bueno que los animales existieran. Los actuales pintores animalistas, con alguna variante conceptual, desde luego, consideran también que los demás seres vivos son parte importante del ecosistema que nos acoge a todos. 
"Soy pintor ecologista -expresó en una oportunidad Axel Amuchástegui, fundador de la escuela de arte animalista en la Argentina - y no creo que el ecologismo sea una moda, como algunos dicen. Sobre todo esos que gustan de tomar armas de caza para destruir lo que yo precisamente amo: la vida salvaje. Creo que todos tenemos derecho a vivir y a convivir en un mismo hábitat". 
Y pese al gran esfuerzo de estos artistas por pintar la esencia de un bello animal, no lo lograrán porque es muy difícil representar la vida y la libertad. Esto me recuerda una frase memorable de Axel, “mis pájaros son perfectos y hermosos pero nunca volarán”.

N. de la R.: Artículo escrito en 1998 

Artículo del diario La Nación 

La otra Sodoma

 

"Sodoma", de Rubén Reveco. Técnica mixta. 120 x 92 cm.

Esta pintura la empecé en 2009 y todavía la sigo trabajando. Representa a Sodoma, la ciudad bíblica que fue destruida por Dios por estar llena de "pecadores".

En esta versión aparece la ciudad en ruinas, la mujer de Lot convertida en estatua y en un primer plano una de las hijas de Lot en una actitud bastante desafiante considerando que su propio padre la había ofrecido a la turba porque -al igual que su hermana- era virgen. "Se las voy a traer para que ustedes hagan con ellas lo que quieran", les dijo. (Con un padre como ese...)

Sodoma también representa la destrucción del hombre de su propio hábitat. Es por eso que incluí un fragmento del video de Michael Jackson "Canción de la Tierra".

"Sodoma" detalle. Imagen del video "Canción de la tierra", de Michael Jackson.

 "Sodoma" detalle.

El autorretrato de Leonardo, la primer selfie de la historia

 

Leonardo Da Vinci fue el primero, pero no el único. Tras su estela, mil y un creadores han buscado su propio reflejo en el arte y han dejado constancia de sí mismos. Una moda, la del retrato, hoy convertida en "selfie".

Este día se celebra anualmente el 15 de abril. La fecha fue elegida para conmemorar el nacimiento de Leonardo da Vinci (15 de abril de 1452), considerado uno de los artistas más destacados de la historia, simbolizando así la importancia y el impacto universal del arte.

 FUENTE: Diario ABC

El llamado Polo Reale de Turín acoge en su seno la Biblioteca Real, que a su vez esconde una sala con puerta acorazada, en cuyo interior vive protegido de manos, toqueteos y miradas obscenas, tras un grueso cristal y una temperatura que hiela cualquier aviesa tentación, el autorretrato que pintó Leonardo Da Vinci en 1513 y cuyos dueños y señores en estos momentos no dudan en calificar, y catalogar, como el primer "selfie" de la Historia. Sin rubores lingüísticos ni académicos. De hecho, bajo esta llamativa etiqueta ansían sacarlo de las catacumbas y catapultarlo al mediático mundo que rodea a Leonardo y sus leyendas. Si París y el Louvre atesoran la Mona Lisa, Turín y su Biblioteca Real, el más famoso de los autorretratos del más enigmático de los artistas: Leonardo Da Vinci, cuya magia, mitología y mitomanía no tiene –ni se le prevé– fin. Cada año hay una noticia nueva, un capítulo más en la particular reescritura de este cien veces apócrifo Código Da Vinci.

Si la traducción literal de selfie equivale a autorretrato, resulta totalmente lícito que vayamos a la pintura y sus autores clásicos para fijar el origen de esta última moda. Antes de que el selfie se estampara en la imagen de una pantalla de móvil para uso y abuso de todo bicho con ganas de gloria digital, tuvimos que pasar por el Renacimiento y su reivindicación del individuo como objeto artístico, centro de atención del cuadro y su cuadratura estética. Todorov, en su ensayo Elogio del individuo, traza este punto de partida: "En un momento de la Historia de la pintura europea se introducen individuos en las imágenes. 

La mejor pintura de Henri Gervex

Es una pintura exquisita con un predominio total del color blanco. La luz entra por la ventana recién abierta e ilumina el cuarto donde yace dormida la amante de Jacques Rolla. En la primavera de 1878, un mes antes de la inauguración del Salón de Arte, Rolla fue excluido del acto por la administración de Bellas Artes. Henri Gervex es, sin embargo, un pintor reconocido. De sólo 26 años de edad, ya había sido galardonado con medallas en el Salón, lo que le coloca en teoría "fuera de concurso", dispensado de las deliberaciones del jurado encargado de elegir las obras presentadas. Esta vez las autoridades deciden lo contrario, debido al carácter juzgado "inmoral" de la escena.

Gervex se inspira de un largo poema de Afred de Musset (1810-1857), publicado en 1833. El texto abarca el destino de un joven burgués, Jacques Rolla, inmerso en una vida de ocio y de vicio. Conoce a Marie, adolescente que se prostituye para librarse de la miseria. Aquí vemos a Rolla, arruinado, cerca de la ventana, girando la mirada hacia la joven dormida. Pronto pondrá fin a sus días, absorbiendo veneno. Si la escena fue juzgada indecente, no es debido a la desnudez de Marie, que no difiere para nada en otros desnudos canónicos de la época. Lo que llama la atención de los contemporáneos es en realidad la naturaleza muerta constituida por las enaguas, una liga, un corsé desabrochado con prisas, con encima un sombrero de copa. Fue Degas quien hubiera aconsejado a Gervex colocar "un corsé en el suelo" para que se entienda que esta mujer "no es un modelo". En efecto, esta disposición, la naturaleza de la ropa, indican claramente el consentimiento de Marie y su estatuto de prostituta. Además, el bastón saliendo de la ropa interior actúa como una metáfora del acto sexual. 

Tras su exclusión del Salón, Rolla fue expuesto durante tres meses en la sala de un marchante de cuadros parisino. El escándalo, ampliamente difundido por la prensa, atrae la multitud. Bastantes años más tarde, en unas entrevistas publicadas en 1924, Gervex cuenta el placer que tuvo viendo el "desfile ininterrumpido de las visitas", sin que se supiera si había anticipado la reacción de las autoridades y provocado voluntariamente la polémica.

Web - YouTube

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OTRAS CANCIONES PUBLICADAS

Las rosas de Alexei Antonov

"Ya nadie pinta flores", se llamó un artículo que publiqué hace muchos años en un diario regional. Hacía mención a los "Girasoles" de Vincent van Gogh como las más famosas flores de la historia del arte y de los exquisitos estudios de Alberto Durero. 
También Pierre Joseph Redouté (1759-1840) fue otra de las grandes excepciones y desde ahí, poco y nada. Ni hablar del siglo XX donde nuestros artistas consideraban al arte realista como una manifestación anacrónica y a las flores como tema demasiado cursi.

Hasta que llegó nuestro siglo XXI y nos encontramos con un artista ruso maravilloso que no tiene ningún problema en pintar flores. Rosas, en especial y lo hace de un modo prodigioso. 

Con ustedes: Alexei Antonov.

Por Rubén Reveco, editor

Suplemento "La Ventana", 12 de noviembre de 1995. Diario "La Mañana del Sur"

Alexei Antonov es un artista ruso, especialista en pintura al óleo. Su aplicación efectiva de técnicas de "viejos maestros" es bien conocidos en el mundo artístico. Él se inspira en el estilo clásico de pinturas al óleo y técnicas "flamenco".
Una mirada a sus pinturas que retratan la esencia de realismo, especialmente sus pinturas al óleo florales.
En 1972, ingresó en la Escuela Superior de Arte del Estado de Bakú, donde estudió técnicas de la pintura abstracta, impresionista y realista. Desde 1986 a 1990, Antonov vivió en Moscú y comenzó su carrera artística como ilustrador y artista para una revista de arte. Durante este período de tiempo, diseñó carteles de los principales grupos de rock y cantantes pop. Maestros antiguos prominentes como Snyders, Rubens y Van Dyke influyó en su obra.

Paul Laurenzi: sensualidad, erotismo y un poco más

 

Paul Laurenzi es un pintor nacido en 1964 en Antibes, en la Costa Azul, Francia. Fue después de varias pequeñas intervenciones en el mundo de la publicidad y en libros infantiles que Paul se unirá a una asociación de pintura con base en el sur de Francia. Esto le permite participar en varias exposiciones locales y simpatizar con su presidente, un artista profesional que le anima a presentar sus obras en una galería de Marsella. Su primera exposición “oficial”, al lado de las obras de Bernard Buffet, tiene lugar entonces, en 1987.

FUENTE: Uno de los Nuestros

A pesar de contar con una gran variedad y cantidad de magníficas pinturas, Laurenzi no tiene web, ni red social, ni blog donde mostrarlas, aunque con una simple ojeada en Internet encontraremos innumerables sitios donde sus obras se muestran en todo su esplendor.

Paul Laurenzi es un pintor autodidacta que creció admirando los cuerpos reflejados en los cómics de Marvel en su aspecto más “Pop Art”, que descubrió a Boris Vian y Buckowski de los que, además del poder de evocación creativa de su literatura, extrajo la parte erotizante de sus mujeres, protagonistas absolutas de sus escritos. Antes de que sus obras formaran parte de diferentes galerías, Laurenzi había explorado el mundo de la fantasía heroica con sus acuarelas y entre sus artistas favoritos destacan Frazzetta, Giger, Serpieri o Manara. Más tarde, su evolución natural le llevaría lejos de ese universo fantástico a uno más real, el hiperrealismo.

La obra de Paul Laurenzi destila por todas partes sensualidad y erotismo, pero su enfoque del modelo femenino se aleja de los cánones de la vida moderna para centrarse más en universos de artistas como Toulouse-Lautrec, Manet, Klimt y Balthus que le inspiran fuertemente y le llevan a jugar con telas transparentes que dan a entender las curvas femeninas. Así, sus modelos desprenden una sensualidad suave y misteriosa, no exenta de una voluptuosa belleza inspirada en la mitología greco-romana a modo de lujuriosas diosas. Admira el trabajo de escultores como Rodin, Camille Claudel y Carpeaux y nunca se cansa de estas curvas de mármol blanco, pulido y brillante, que emergen de un basto bloque.