Roberto Ferri: Un barroco perdido en el siglo XXI

 

Les presento un joven pintor italiano inspirado en otro italiano que me fascina: Miguel Angel Merisi, el Caravaggio.

Estoy hablando de Roberto Ferri, nacido en Taranto, Italia en 1978. En 1996 se graduó en la escuela de arte. Comenzó sus estudios de pintura por su cuenta y, después de trasladarse a Roma en 1999, se embarcó en un análisis en profundidad de la pintura antigua, de principios del siglo XVI hasta el XIX.

Además de Caravaggio, Ferri estudió y aprendió de los pintores académicos (Jacques-Louis David, Jean Auguste Ingres Dominique, Anne-Louis Girodet, Jean-Louis Géricault Theodoe, Charles Gleyre y William Bouguereau-Adolfe). En 2006 obtuvo su título, de la Academia de Bellas Artes de Roma. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas. Sus trabajos están presentes actualmente en muchas colecciones privadas.

Hemos selección un comentario de Juan Muro sobre la obra de este artista. Ha sabido interpretar mejor que nadie las características y cualidades de la obra de Roberto Ferri.

Se ha dicho:

“En estos tiempos no tenemos apenas ocasiones de saborear a pintores o ilustradores clásicos, que sigan las reglas academicistas del barroco, y ésta de hoy es la excepción.
... y que bien pudiera ser uno de los puntales de la pintura actual italiana como avanzadilla de un hiperrealismo evidente.

El arte contra la guerra - Pintores

No hay nada más contrapuesto que la creación artística y la destrucción bélica. Los primeros crean hermosas obras de arte que pueden durar miles de años y los otros destruyen y asesinan dejando solo odio, dolor y resentimiento.

Hoy se cumplen tres años de la guerra entre Rusia y Ucrania. ¿Cuántos artistas han muerto, cuántas obras se han perdido?

Es cierto que la creación artística y la destrucción bélica representan dos fuerzas opuestas en la experiencia humana. La guerra no solo causa una pérdida inmediata de vidas y sufrimiento, sino que también destruye el patrimonio cultural y las obras de arte que representan la historia y la identidad de un pueblo.

Desde el inicio del conflicto en 2022, se ha informado de la muerte de varios artistas en Ucrania y el daño a numerosos sitios culturales y obras de arte. Muchas galerías, museos y edificios históricos han sido dañados o destruidos como resultado del bombardeo y la violencia. La Unesco ha estado monitoreando los efectos de la guerra en el patrimonio cultural, y ha alertado sobre la pérdida inestimable que esto representa no solo para Ucrania, sino para el mundo entero.

La situación es devastadora y, a menudo, se siente como una doble pérdida: la de la vida humana y la de la creatividad que podría haber contribuido a un futuro más esperanzador. A pesar de esto, muchos artistas y creativos han encontrado formas de resistir y expresar su experiencia a través de su trabajo, lo que muestra la resistencia del espíritu humano incluso en las circunstancias más difíciles.

Shane Wolf: Regreso a la figura humana

 

La representación del cuerpo humano en todo su realismo y majestuosidad es un precepto fundacional de ese momento trascendental para el Arte que fue el Renacimiento. Hoy vemos con fascinación el tema de la obra de Shane Wolf: El cuerpo, nuestro cuerpo. Nosotros mismos.

Shane Wolf es un heredero directo de ese mismo "Renacimiento", de la representación artística e intelectual del cuerpo femenino y masculino. A través de él podemos captar claramente el poder de varios siglos de herencia pictórica. El estilo del pintor está inspirado en el clasicismo académico que venera tanto la belleza como el equilibrio.

Shane Wolf nació en Cincinnati, Ohio, EE UU. Después de completar una licenciatura en diseño gráfico en la Universidad de Cincinnati, Shane fue contratado por la empresa de esquí francesa Salomon en Annecy (Francia) como diseñador gráfico.

Casi cuatro años después, Shane Wolf emprendió un viaje de dieciséis meses alrededor del mundo con su mochila. Durante esta experiencia se reconectó con su pasión innata por el dibujo.

En 2005 Shane Wolf ingresó en la prestigiosa Angel Academy of Art en Florencia (Italia), para un estudio intensivo de técnicas académicas de dibujo y pintura.

En 2009 obtiene el título de profesor después de haber ejercido como profesor de dibujo y pintura durante los dos últimos años en la Academia.

Shane se traslada a París. A través de sus obras, busca apoyar los valores estéticos de la visión humanista tal como existían durante el Renacimiento italiano, es decir, la expresión artística expresada a través del dominio de la forma humana.

El artista es uno de los pocos maestros contemporáneos del dibujo y la pintura figurativos. En su vertiente como profesor, da clases, primordialmente, de la figura humana en movimiento.

La pintura de Costantino di Renzo

Nacido en Chieti, el pintor italiano Costantino Di Renzo se inspiró principalmente en la década de 1960.

El arte se convirtió en un vehículo para ideologías y otras agendas, con el pop y el minimalismo apareciendo simultáneamente como los movimientos artísticos más definitorios de la década.

El arte pop en la ciudad de Nueva York abrazó la cultura de los medios de comunicación y el consumismo masivo, con artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Tom Wesselmann estimulados por la televisión, las tiras cómicas, las vallas publicitarias y otros productos del auge del capitalismo para sus obras de arte.

El pintor italiano Costantino Di Renzo nació en Chieti. Inició su actividad en 1965 asistiendo a la Academia de Bellas Artes de Roma. Ya desde los primeros años de su profesión como pintor, elaboró ​​una cuidadosa investigación sobre el arte del pasado; en particular sobre la pintura del holandés Vermeer, elaborando sus imágenes en un análisis conceptual.

En 1974 se suma al movimiento hiperrealista, exponiendo sus obras en la galería Margutta de Pescara (1976), la galería Il Modulo de Salerno (1977) y la galería Borghi de Nueva York (1979).

Desde 1980 se dedica a la escultura, exponiendo sus obras en 1982 en la galería Cesare Manzo de Pescara y en la galería Centro Sei de Bari.

En el período 1980-1984, el artista también se involucró en la escenografía teatral. En 1984 vuelve a la pintura y tras una larga estancia en Australia, donde realiza una serie de obras sobre las cuatro estaciones, que expone en la galería Maori de Sydney, regresa a Italia y comienza a pintar siete grandes lienzos dedicados a la luna, que expone en la Galería Fraticelli de Roma en 1989.

En el mismo año, participa en la Feria Internacional de Roma. En 1992 se inauguró una importante exposición en Osaka, Japón en la galería Sakamoto.

Desde 1993 se dedica al estudio en profundidad del Ulises homérico, realizando una serie de obras, en una suerte de simbiosis entre pintura y literatura.

De este período data la apuesta del artista por realizar grandes obras y ciclos pictóricos para colecciones públicas y privadas. Las obras de esta década fueron expuestas en 2002, en una exposición personal en la "Rolnick House" de Miami.

En 2003 su pintura, aunque todavía ligada a la temática del antiguo mito mediterráneo, se fragmenta en geometrías irregulares, enriqueciéndose con elementos plásticos que continúan la historia, más allá de la superficie del propio cuadro.

Además

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La mitología de Chie Yoshii

Chie Yoshii es una artista nacida en Japón que emigró a los Estados Unidos. Allí completó su Licenciatura en Bellas Artes en el Colegio de Arte de Massachusetts en 2002, y estudió con Adrian Gottlieb desde 2002 a 2008.

Texto de El Hurgador

Actualmente reside en Los Ángeles, aunque "la idea de establecerme en un sitio es sofocante para mí. Lo ideal sería poder vivir en muchos lugares y estar siempre lista para marcharme".

Según cuenta en su sitio web, su obra se inspira en una analogía entre las historias mitológicas y la psicología humana.

"El deseo de ser pintora siempre estuvo allí, desde mi infancia. Pero primero escogí un camino y ocupación más práctica. Tomé varias clases de arte vespertinas y de fin de semana, hasta que finalmente comencé a estudiar con Adrian Gottlieb en 2002. Estuve con él durante 6 años. Luego de eso comencé a pintar por mí misma, y gradualmente reuní el coraje para ser pintora a tiempo completo en 2012".

"La pintura es para mí una "participación mística". No trata sobre la realidad, sino sobre sobre las fantasías suscitadas por sus efectos. Están concebidas visceralmente y son más tangibles que la realidad. Creo que ciertas experiencias resuenan con arquetipos en mi inconsciente colectivo, universal, heredando partes de la mente que trae esas imágenes a la superficie de mi consciencia. Construyen imágenes surrealistas en mi mente como traducciones de esas experiencias particulares.

En mis pinturas actualizo esta mítica realidad interna. El proceso me tranquiliza y me hace poner los pies sobre la tierra, conectándome a una psique colectiva que está más allá del tiempo y el espacio". Chie define su trabajo como una combinación de simbolismo, surrealismo y esteticismo. Dice que encontró la explicación a por qué pinta lo que pinta en la obra de Carl Jung "El hombre y sus símbolos."

"Me encanta escuchar cualquier comentario de cualquiera. Adoro saber cómo mis pinturas evocan cosas diferentes en gente diversa".

El melancólico realismo de Alex Venezia

Alex Venezia nació en 1993 en Virginia Beach. Actualmente vive en Raleigh, Carolina del Norte.

Para ser un gran artista no es necesario ir a una facultad de arte y gastar mucho dinero para costearse los estudios. Al menos que tengas vocación pedagógica y quieras estudiar para enseñar artes plásticas en las escuelas, no pierdas tiempo en un título universitario.

He conocido a grandes pintores y dibujantes y nunca han pasado por una facultad. Uno de ellos es Alex Venezia.

Alex Venezia, pintor principalmente autodidacta, se dio cuenta por primera vez del poder trascendente del arte durante una lección de arte en la escuela secundaria sobre claroscuro mientras examinaba las obras de Caravaggio. Esta clase marcó un punto de inflexión único para el joven estudiante cuando comenzó a considerar una vocación en las artes. En busca de nuevas experiencias artísticas, frecuentó el Museo de Arte Chrysler en Norfolk, Virginia, donde pudo llenar sus ojos con las obras de los maestros y hacer copias. Venezia ha buscado y estudiado la técnica clásica con muchos de los mejores pintores representativos de la actualidad, incluidos: Colleen Barry, Daniel Sprick, Michael Klein y Jeff Hein. "En sus palabras, la inspiración se presenta de muchas formas, y por lo general lejos del caballete, pero no hay nada como ver el trabajo de un artista al que se tiene en alta estima en persona.

Alex Venezia ha recibido numerosos premios y ha participado en numerosos espectáculos colectivos en todo Estados Unidos. Actualmente vive y mantiene un estudio con los pintores Michael Klein y Louis Carr en Raleigh, Carolina del Norte.

Web del artista

Lee Bogle: Muy fino

 

Dibujar, pintar y plasmar la vida son algunos de los recuerdos más tempranos de Lee Bogle. Nacido en el Noroeste de Estados Unidos, su arte siempre ha sido más que un pasatiempo; durante muchos años, ha descrito su labor artística como una pasión. Bogle continúa residiendo en el Noroeste, donde se encuentra rodeado por la belleza de la naturaleza.

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Tras obtener su título en Arte en la Universidad Central de Washington y realizar estudios de posgrado en la Universidad de Washington, Bogle optó por una carrera en la educación. Durante sus años de enseñanza, continuó dedicando tiempo a su propia obra artística. A medida que la demanda de su trabajo creció, Bogle se vio obligado a elegir entre dos carreras. Decidió abandonar la enseñanza para perseguir su sueño de ser artista a tiempo completo.

Las habilidades técnicas de Bogle como dibujante son especialmente evidentes en sus representaciones de la figura humana. Combina un detallado realismo vívido con las cualidades expresivas de la abstracción. Uno de los sellos distintivos de Bogle es la serenidad que infunde en cada una de sus imágenes. Otro es la complejidad que logra dentro de su medio, ya sea acuarela, óleo o pastel.

Revista Ophelia N° 20

 

Ophelia es una revista de entrevistas a artistas plásticos editada actualmente desde Francia. Con los años se ha convertido en un medio de expresión indispensable para muchos creadores que necesitan difundir su arte. Este trabajo virtual está complementado con entrevistas en Internet a través de diferentes plataformas.

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Evgeniy Monahov: La belleza al desnudo

 

Evgeniy Monahov nació en 1974 en Moscú. Estudió en la Escuela de Arte y en el Instituto Surikov Arte de Moscú. El predominio de la tonalidad fría y el punto de vista elegido (desde arriba), hacen de este desnudo una pintura muy bella.

Estudió en la Escuela de Arte de Moscú y el Instituto Surikov Arte de Moscú (facultad de la pintura de caballete, estudio, bajo la guía de los profesores M. Abakumov y V. Sidorov). Desde 2002, un miembro de la Federación Internacional de la Unión de Rusia de Artistas Nacionales.

Las pinturas de Monakhov excitan las mismas emociones de la sensibilidad artística del ser humano, como lo hacen la música y la poesía. Metáforas de tiempo, la historia y la experiencia emocional personal pasan ante los espectadores que contemplan sus obras. Colores delicados y refinados contornos crean una hermosa armonía musical.

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