John Larriva: Pintar con obsesión

 

John Larriva es un pintor de Estados Unidos que lleva trabajando más de 15 años. Crea sus pinturas al óleo y sus temas incluyen a personas, animales y paisajes.

John Larriva nació en la isla jardín de Kauai, Hawái, en 1981. Desde temprana edad, sus padres artistas lo alentaron a explorar el dibujo y la pintura. Quizás más importante aún, el apoyo en su exploración artística continuó más allá de la escuela primaria. John se graduó de la escuela secundaria en el rural Valle de San Luis del sur de Colorado, luego de mudarse allí en 1994. Estudió arte en el College of Santa Fe, donde se especializó en grabado. Aunque no obtuvo un título allí, continuó aprendiendo sobre dibujo y pintura a través de otros recursos, incluyendo libros y foros en internet.

Las pinturas del joven John Larriva exploran la impresión y la expresión. Su enfoque directo en la pintura captura rápidamente la apariencia esencial de sus sujetos, mientras que los rostros expresivos y las pinceladas infunden emoción. Sus influencias incluyen a maestros del trazo audaz y la creación de marcas, como Joaquín Sorolla, Giovanni Boldini, Tamara de Lempicka, Käthe Kollwitz, John Singer Sargent, Frank Duveneck, Rembrandt van Rijn, Helene Schjerfbeck, Lucian Freud y Alice Neel.

Actualmente, Larriva reside en Owego, Nueva York.

Gustav Bauernfeind (Otro que no conocía)

 

Gustav Bauernfeind (1848-1904) fue un pintor alemán, ilustrador y arquitecto de origen judío. Es considerado como uno de los más notables pintores orientalistas de Alemania.

La Ciudad Santa en el siglo XIX

Después de completar sus estudios de arquitectura en el Instituto Politécnico de Stuttgart, aprendió pintura. En sus primeras etapa, Bauernfeind centró su trabajo en el paisaje urbano de Alemania e Italia. Durante su viaje hacia el Levante 1880-82, se interesó en el Oriente. En 1896 se trasladó con su esposa y su hijo a Palestina y posteriormente se estableció en Jerusalén en 1898. También vivió y trabajó en el Líbano y Siria.

Michael Bergt, al temple

 

Michael Bergt es un maestro del temple al huevo, una pintura utilizada desde la antigüedad, desde retratos del antiguo Egipto hasta iconos medievales y obras maestras del Renacimiento italiano de artistas como Miguel Ángel y Botticelli. Bergt, quien cofundó la Sociedad de Pintores al Temple en 1997 y se desempeñó como su presidente durante 12 años, trae el medio al siglo XXI con versiones contemporáneas de temas clásicos favorecidos por los Viejos Maestros.

Sus pinturas figurativas a menudo representan personajes de la mitología griega, como Sísifo, el Minotauro y la diosa Diana .. Diana, sin embargo, es descaradamente moderna: un tatuaje de ciervo corre por su muslo. Bergt también reviste sus fondos con pan de oro, técnica asociada al arte bizantino. En 2006, una retrospectiva de mitad de carrera, "Crossing Lines", apareció en el Museo de Arte Arnot y viajó al Centro de Arte Chapel. El trabajo de Bergt se encuentra en las colecciones del Museo de Arte Americano Crystal Bridges y el Museo de Young, entre otros.

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«He sido muy afortunado. Tuve mi primera muestra en San Francisco cuando tenía 24 años. Se vendió todo, y ya nunca volví a mirar atrás. Y eso es raro. Nací en una pequeña comunidad agrícola, y de dónde salieron esas ideas, no tengo ni idea. Pero siempre dibujaba desde que era pequeño, y la gente me preguntaba: "¿Qué quieres hacer cuando seas grande?". Y yo decía: "Voy a ser un artista". Sabes, eres bastante a menudo demasiado ingenuo para saber que [algo] es imposible, y ese tipo de cosas te mantiene en esa línea. Porque si alguien hubiera dicho: "No, eso es imposible, no puedes hacer esto", entonces habría hecho otra cosa. Pero obviamente no caí en ese patrón.» 

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Bryan Larsen

El trabajo de Larsen se ha demostrado en numerosas exposiciones en galerías alrededor de la costa oeste de Estados Unidos.

Bryan Larsen nació en 1975, es un pintor realista nacido en Utah. Su obra se encuentra en colecciones privadas de arte de todo el mundo. Está representado exclusivamente por Quent Cordair Bellas Artes en Napa, California.

Cree que la técnica y el tema son componentes indispensables de cualquier obra de arte. Estudia habilidades de pintura y se basa en los modelos de vida. Su filosofía del arte "se basa en la razón, y la vida en la tierra.

Su objetivo es retratar la naturaleza humana y los logros humanos en un estilo realista y un entorno moderno.

Bryan Larsen es un artista nacido el 12 de febrero de 1975. Estudió ilustración de la Universidad Estatal de Utah. El lugar debe tener un especial hincapié en la composición, la técnica, el detalle realista, la mano de obra adecuada y la coherencia de estilo.

Bryan ha sido un apasionado del dibujo y la pintura desde su infancia, también estaba fascinado con las matemáticas y la ciencia, y siempre encontró formas creativas de mezclar ambos mundos.

Después de adquirir una base sólida en el arte, en el estudio de ilustración y un mayor aprecio por las ciencias en los estudios de ingeniería mecánica, decidió dar el paso y volver a su primer amor: el arte. En concreto, el tipo de arte que presenta, es un desafío técnico y de representación que evoca en el espectador un reconocimiento por el logro de la ciencia, la ingeniería, las matemáticas y la arquitectura contemporánea. La mayor parte de su trabajo también tiene un componente figurativo y celebra la belleza de la forma humana.

Dragan Ilic Di Vogo

Hace rato que no me encontraba con un pintor con tal cantidad de obra. Di Vogo no para de pintar, tiene muy buena factura, un dibujo académico sin fisuras y en cada pintura hay una exuberancia ilimitada de recursos, colores, formas y belleza.

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Dragan Ilic Di Vogo es un pintor nacido en 1962 en Belgrado, Serbia, donde vive y trabaja actualmente. Las pinturas de Di Vogo están llenas de sensibilidad poética con una fuerte presencia de efectos impactantes que son característicos del surrealismo.

Se dedica a la pintura profesional desde 1990 y desde 1991 ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Viena, Belgrado, Herceg Novi, Pristina, Sarajevo, Gornji Milanovac, Banja Luka, Atenas, Paris, Los Angeles, Graz, Castroreale, Madrid, Roma. En su web podemos encontrar una extensa muestra de su trabajo, a menudo cargado de referencias mitológicas y guiños a la escultura, mezclados con pájaros y gatos que se asoman aquí y allá en contraste con la frialdad de las figuras escultóricas, mientras que la imagen femenina domina el centro de toda su obra.

“El Arte es siempre uno y el mismo, aunque puede ser más o menos actual en un particular momento y en un sitio determinado. El Arte no es progreso o retroceso, simplemente pasa por transformaciones. La consciencia sobre el Arte no avanza bien, aunque nos gustaría. La necesidad por el Arte no crece o disminuye. Gracias a Dios el Arte es constante, mientras que nosotros somos los que cambiamos, aparecemos y desaparecemos.” (Di Vogo).

Simonetta Vespucci, la más bella del Renacimiento

La acaudalada familia florentina Vespucio dio, al menos, dos personas que han pasado, por muy distintas razones, a la historia. Una, la más famosa, fue Américo (1454-1512) que, tras viajar repetidamente por la recién descubierta América y describir de modo muy pintoresco las tribus, la fauna y los paisajes que allí vio, dio nombre inapropiadamente al Nuevo Mundo. Otra Vespucio, mucho menos conocida, fue una bellísima prima del anterior, llamada Simonetta, que sirvió como modelo para los cuadros La Primavera y El nacimiento de Venus del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli.

Reina de la belleza

Simonetta Vespucci fue la musa del pintor florentino Sandro Botticelli y también su amor imposible.

En nuestro recorrido diario por los temas más destacados de la blogosfera, hoy nos hacemos eco de una entrada publicada en la bitácora “Sentado frente al mundo”, que desvela la verdadera historia escondida tras la protagonista del famoso cuadro “El nacimiento de Venus”.

Pintado por Sandro Botticelli entre los años 1482 y 1484, este cuadro constituye su más famosa obra y también una secreta declaración de amor hacia la bella modelo que interpreta a la diosa Venus llegando a la costa: Simonetta Vespucci.

La joven era hija de un noble genovés apellidado Cattaneo. Con tan solo 16 años se casó con el florentino Marco Vespucci, vecino y amigo de Botticelli. Cuando el pintor conoció a la joven, se enamoró instantáneamente de ella y la convirtió en su musa y modelo de multitud de sus cuadros.

La belleza de Simonetta pronto se extendió por toda Florencia e incluso los hermanos Giuliano y Lorenzo de Médici, mecenas de Botticelli, intentaron conquistarla en numerosas ocasiones. En 1475, durante la celebración de un torneo de justas, fue proclamada “Reina de la belleza”, lo que hizo que su fama como la mujer más hermosa de Florencia se extendiera por toda Europa.

Los suaves desnudos de Alexey Chernigin

Los bellos desnudos de Alexey Chernigin, joven pintor ruso, siempre están bañados por un luz muy sugerente.Chernigin nació en 1975 en la familia del célebre artista ruso Alexander Chernikin. De 1990 a 1994 estudió pintura y diseño gráfico en el Instituto de Bellas Artes de Novgorod.

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Los suaves desnudos de Alexey Chernigin son una expresión artística que despierta la sensibilidad y la contemplación en el espectador. A través de su obra, Chernigin logra capturar la belleza y la vulnerabilidad del cuerpo humano de una manera única y delicada.

Sus desnudos transmiten una sensación de intimidad y fragilidad, invitando al espectador a reflexionar sobre la naturaleza humana y la conexión entre el cuerpo y el alma. La suavidad de las líneas y la armonía de las formas en sus obras crean una atmósfera de serenidad y contemplación.

Chernigin logra capturar la esencia de la desnudez de una manera que va más allá de lo físico, explorando la profundidad y la complejidad de la experiencia humana. Sus obras invitan a la reflexión sobre la belleza, la vulnerabilidad y la autenticidad de la condición humana.

En resumen, los suaves desnudos de Alexey Chernigin son una expresión artística que nos invita a contemplar la belleza y la fragilidad del cuerpo humano de una manera única y conmovedora. Su obra nos invita a reflexionar sobre la naturaleza humana y la conexión entre el cuerpo y el alma, despertando emociones y sensaciones que nos invitan a explorar nuestra propia humanidad.

La Mona Lisa chilena

Les comparto esta crónica-ficción. Un poco de verdad y un poco de mentira. Esa combinación que hace a nuestras vidas.

Por Rubén Reveco - Editor

"Cuando viajes a Santiago tienes que conocer a la Mona Lisa chilena", me sugirió mi amiga Liz mientras se acomodaba su pañuelo de cuadrados rojos y rectángulos verdes sobre su cuello. Y agregó con algo de sorna: "Tu que te crees un hombre que sabe de arte quiero que vayas al MNBA y me cuentes de qué pintura te estoy hablando", y no me dio más información.

Me entusiasmó la idea. Además de la pintura, siempre me ha gustado la novela policial y esto significaba investigar -no un crimen- sino un parecido o, tal vez, una obra que represente el mismo espíritu de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci.

Viajé a Chile a fines de octubre. Al primer domingo me fui al museo con el objeto de cumplir con el desafío. ¿Mona Lisa chilena? Nunca había escuchado algo semejante. ¿Quién será el  autor?

El único dato certero era que la pintura estaba en el segundo piso del museo. Le juré a Liz que nada había investigado en Internet. Además, creo que la experiencia de conocer y estar frente a una obra de arte es incomparable cuando no tienes referencia alguna. Me refiero que de joven vi muchas reproducciones de pinturas en libros y revistas y cada vez que estaba por primera vez ante el original sentía que algo ya sabía de esa obra. Algo me habían contado esas innumerables fotos de todos los tamaños y calidades.

Los retratos pictóricos por lo general son de tamaño original al modelo -cosa que no ocurre con un retrato fotográfico- y ese era otro antecedente que debía tener en cuenta. Descartaría todas las pinturas grandes o muy pequeñas. Es curioso pero la pintura más famosa del mundo es pequeña. Dice la leyenda que el señor Giocondo no le gustó como había quedado su señora Lisa y no aceptó la pintura. ¡Graso error! Leonardo siempre la llevó consigo y el rey de Francia la terminó comprando. También es curioso que el retrato no es el de una mujer muy bella. Le faltan las cejas, entre otros detalles. Cuando fui al museo Louvre la vi unos segundos como a 10 metros de distancia. Había un mar de gente; no puedo decir que la conozco.

En el museo de El Prado existe una hermosa copia de la Mona Lisa, no creo que esta sea una más. Es una mujer y es un retrato, de eso estoy seguro. ¿Un retrato que también mira al espectador y sonríe? Sobre la sonrisa de la pintura de Leonardo han corrido ríos de tinta y quizás sea ese uno de los aspectos que deba tener en cuenta. Seguro que la Mona Lisa chilena también sonríe.

En Cristo en la cruz de León-Joseph Bonnat

 

Su "Cristo en la Cruz" y "El martirio de San Dionisio" le proporcionaron gran fama, lo mismo que sus expresivos retratos de celebridades contemporáneas. En el Cristo en la Cruz se nota una clara influencia del "Cristo de San Plácido", de Diego Velázquez.

"El Cristo en la Cruz" es un homenaje por Semana Santa. Este es un excelente pintor francés del siglo XIX, 100 años de maravillosa pintura realista.

Léon-Joseph Bonnat (1833-1922) fue un pintor francés de la corriente del realismo pictórico. Nacido en Bayona, residió unos años en Madrid, debido a negocios de su familia. Allí estudió en el taller de los Madrazo.

Su estilo juvenil causó escándalo, al alejarse del Academicismo derivado de Ingres a favor de un estilo más naturalista o verosímil, inspirado en Caravaggio y José de Ribera. Su manera de tratar los temas bíblicos causó rechazo, pues (de forma similar a los tenebristas) representaba a los personajes sacros como gente de la calle, de aspecto rústico y en ocasiones desagradable.

Posteriormente, en coincidencia con la hispanofilia y la admiración por Goya impulsada por Manet y otros maestros, Bonnat cobró estimación como retratista. Representó a la élite política y empresarial bajo estética velazqueña, ante fondos oscuros sin ornamentación pero dentro de una corrección formal. Sus retratos se hicieron populares en Estados Unidos y el éxito comercial le llevó a una producción final repetitiva, que no evolucionó ante el impacto de Toulouse-Lautrec y el Modernismo.

Taras Loboda, el desnudo del día y otras pinturas

 

Taras Loboda es un pintor ucraniano, nació en 1961, en la familia de un destacado artista de Ucrania. En 1985, se graduó en la Academia de Arte de Kiev. Taras ha estado viviendo en Praga desde 1993 con su familia. Trabajando en su estudio con sede en Praga, exposiciones Taras y vende su arte en todo el mundo.

Las modelos del pintor ucraniano Taras Loboda posan envueltas en extensas telas de distintas colores. El rojo se destaca en la gran mayoría de sus retratos; y está presente justamente en estos lienzos a modo de vestidos, que incluso envuelven los brazos de las mujeres y en algunos casos el cabello, destacándose los exóticos rasgos de sus rostros y las pieles blancas. En menor medida, el artista elige telas azules y negras que integra a la composición de forma notable. Los claroscuros le otorgan a su obra una estética muy moderna, sensual e incluso cinematográfica. 

Más obras

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