Belarmino Miranda (El arte en las redes)

Este resumen no está disponible. Haz clic en este enlace para ver la entrada.

Jorge González Camarena, muralista, pintor y escultor mexicano

Entre los muralistas mexicanos, González Camarena es el que más me gusta. Su obra es muy vigente; sus murales tienen esa impronta de los ilustradores modernos.

Jorge González Camarena (Guadalajara, Jalisco, México, 24 de marzo de 1908 - Ciudad de México, 24 de mayo de 1980) fue un pintor, escultor y muralista mexicano.

El muralista, pintor y escultor Jorge González Camarena (1908-1980) nació en Guadalajara, Jalisco, México. Uno de los 8 hijos del matrimonio originario de Arandas, formado por Arturo González y Sara Camarena; uno de sus hermanos fue Guillermo el inventor de la televisión en color y con quien frecuentemente se confunde al muralista.

Asistió a la Academia de Bellas Artes de San Carlos ("Escuela Nacional de Artes Plásticas") en la Ciudad de México. En 1928 encabezó un movimiento estudiantil para promover a Diego Rivera como decano de la Academia de Bellas Artes de San Carlos.

Jorge formó parte de la segunda generación de la Escuela Mexicana de Pintura. Fue miembro del Seminario de Cultura Mexicana, la Academia de las Artes, miembro de la Comisión para proteger y preservar los Murales de México del INBA ("Instituto Nacional de Bellas Artes"), y presidente de la Asociación Mexicana de Artes Plásticas (AMAPAC).

A lo largo de su carrera González Camarena ganó numerosos y prestigiosos premios, como el "Insignia José Clemente Orozco" del Congreso del Estado de Jalisco en 1956, segundo premio en el "Salón Anual de Pintura del INBA" de 1962, patrocinado por el Instituto Nacional de Bellas Artes, Placa de Oro del Gobierno de Jalisco en 1964, "L'Ordine al Mérito de la República Italiana" por parte del gobierno de Italia por pintar un retrato de Miguel Ángel, ubicado en la casa del artista italiano en 1967, y el Premio Nacional de Artes en Pintura en 1970.

Miguel Angel por González Camarena.

George Clausen: Miren esto, por favor

 

George Clausen (1852-1944), fue un artista inglés que trabajó en óleo y acuarela, grabado, mezzotinta, punta seco y ocasionalmente litografías. Fue nombrado caballero en 1927.

Cuando hablamos de la pintura del último cuarto del siglo XIX, los libros de arte hacen mención casi exclusivamente del impresionismo francés. Muy poco se sabe sobre lo que pasaba en paralelo en otros países, y pasaban cosas maravillosas.

George Clausen es un ejemplo de ello, con una pintura completamente vinculada a lo social, retrató magistralmente a los campesinos pobres de Inglaterra.

George Clausen nació en Londres el 18 de abril de 1852, hijo de un artista decorativo de ascendencia danesa. De 1867 a 1873, asistió a las clases de diseño en las escuelas de South Kensington en Londres. Luego trabajó en el estudio de Edwin Long RA, y posteriormente en París bajo Bouguereau y Tony Robert-Fleury en la Académie Julian. Fue un admirador del naturalismo del pintor Jules Bastien-Lepage sobre quien escribió en 1888 y 1892.

Clausen se convirtió en uno de los principales pintores modernos de paisaje y de la vida campesina, influenciado en cierta medida por los impresionistas, con quienes compartió la visión de que la luz es el verdadero objeto del arte paisajista. 

Clausen fue miembro fundador del New English Art Club en 1886. En 1895, fue elegido miembro de la Royal Academy y académico absoluto en 1906. Como profesor de pintura en la Royal Academy, dio una serie memorable de conferencias a los estudiantes de las escuelas, publicado como Six Lectures on Painting (1904) y Aims and Ideals in Art (1906).

También fue un artista oficial de guerra durante la Primera Guerra Mundial.

Autorretrato

Esther Gomez Urdiales “Tenemos una sensibilidad distinta a la del hombre"

 

Facebook de la artista

El blog de Camila presenta a la artista española Esther Gomez Urdiales, especializada en la técnica del pastel. "Con ella -dice la presentación- dialogamos no sólo de pintura, sino también de la fuerte convicción que necesitan muchas mujeres a la hora de dedicarse de lleno a eso que las hace felices y que las realiza plenamente. La historia de esta mujer artista, es la historia de muchas otras, que por su perseverancia se mantienen dentro del camino de la expresión". 

Por Camila Reveco

Periodista cultural con especialidad en artes plásticas

Directora de la revista de arte Ophelia

Web 

“Mi taller está en Málaga, España. Es un taller no demasiado grande pero cómodo para pintar ya que está en mi propia casa. Allí tengo todo lo que necesito para poder trabajar a gusto. Sí…., tenía facilidad para dibujar desde chica, pero sobre todo para imaginar...No. No había artistas en la familia”, así comienza el diálogo con la artista plástica española Esther Gomez Urdiales, nacida en la ciudad de Málaga en el mes de abril del año 1970.

“Me gusta la paz del campo y adoro mi tierra... esta es una ciudad muy completa. El lugar donde vivo no es que me inspire especialmente, pero la paz e introspección que me proporciona me ayuda a ahondar en mi evolución artística”, agrega después.

La pastelista Esther Gomez Urdiales divide su tiempo entre la familia y el arte. Tiene tres hijos de quince, veintiún y veintinco años, pero además se encarga de sus animales, cuatro perros y tres gallinas. Su casa-taller está ubicada en el campo, pero no muy alejada de la ciudad porque todos los días de la semana lleva a su hijo más chico hasta el instituto.

Cuenta además que hace retratos por encargo, y que en el tiempo que puede, retrata a familiares por el placer simple de hacerlo: “Demoro más o menos dos o tres días por dibujo. Pero depende de los detalles que tenga que hacer”, explica y agrega: “Soy autodidacta aunque he realizado un par de cursos intensivos, y he expuesto en muestras colectivas... de manera individual aún no”.

Las Tres Gracias en el arte, desde la antigua Grecia hasta el presente

 

Las Cárites, de Afrodisias, del siglo 1 A. de C. al 1 D. de C.

En la mitología griega, las Cárites o Gracias eran las diosas del encanto, la belleza, la naturaleza, la creatividad humana y la fertilidad. Habitualmente se consideran tres, de la menor a la mayor: Aglaya (‘Belleza’), Eufrósine (‘Júbilo’) y Talia (‘Floreciente’).

Las Cárites solían ser consideradas hijas de Zeus y Eurínome, aunque también se decía que eran hijas de Hera, de Dioniso, o de Helios y la náyade Egle. 

Homero escribió que formaban parte del séquito de Afrodita. Las Cárites estaban asociadas asimismo con el inframundo y los misterios eleusinos.

Hay ciertos temas recurrentes en la historia del arte y es posible verlos una y otra vez, de la mano de los artistas más diversos. Uno de esos temas es la imagen de las Tres Gracias.

Según la mitología griega, las Tres Gracias son tres diosas, hijas de Zeus y Hera: Eufrosina (Alegría), Aglaé (Belleza) y Thalía (Fertilidad). Las Gracias presidían los banquetes, las danzas y todas las actividades y celebraciones placenteras, es decir, todo aquello que en el mundo pudiera haber de agradable, interesante, atractivo... 

Las Gracias otorgaban a dioses y mortales la alegría y también la elocuencia, la liberalidad y la sabiduría. Se creía además que tenían la capacidad de dotar a los hombres de la genialidad necesaria para convertirlos en artistas eximios. (F)

Relieve romano 200 a 150 A. de C.

Oscar Correa: Arte por amor por la naturaleza

 

El arte animalista siempre me ha maravillado. Me recuerda a los primeros artistas de Altamira y Lascaux y la fascinación y temor que sentían por los animales que los rodeaban. Hoy la fascinación sigue siendo la misma, pero el temor se ha transformado en amor; amor por la naturaleza.

Facebook

Oscar Correa es un artista plástico nacido en 1941 en Rosario, Provincia. de Santa Fe, Argentina. Entre otros estudios cuenta con los realizados en la Escuela Nacional de Artes Visuales Manuel Belgrano.
Como muchos, Correa inició su vocación artística a muy temprana edad. Sus primeros trabajos como Ilustrador fueron publicados cuando apenas contaba con 17 años, en el suplemento dominical del desaparecido pero no menos importante diario "El Mundo".
Su actividad se desarrolló principalmente como dibujante y Jefe de Arte en la mayoría de los más importantes medios gráficos de su país.
La pintura de la naturaleza siempre había ocupado cada uno de sus momentos libres, hasta que en el año 1973 tomó la decisión de elegir ésta variante del arte como medio de expresión. Europa fue su primer destino. Apenas llegado a España comenzó a pintar los exponentes más conocidos de la fauna ibérica. Para algunos trabajos recibió asesoramiento de Félix Rodríguez de la Fuente, uno de los mayores conocedores de la fauna del viejo continente.

Ivana Besevic: La belleza puede ser algo muy triste

 

Retratos conmovedores e intensamente emotivos de Ivana Besevic, una artista residente en Belgrado y París, cuyo estilo rico, multifacético y versátil desdibuja las fronteras entre el naturalismo y el inmaterialismo, la vida y la muerte , el bien y el mal, el erotismo y la decadencia, el orden y el caos ... en una mezcla compleja de matices imposibles que se infligen hábilmente a la conciencia del espectador.

Ivana Besevic es una artista de origen serbio dedicada a la pintura tradicional y a la ilustración digital.

Con más de diez años de carrera artística, el trabajo de Ivana se ha caracterizado por utiliza y experimentar con distintos medios. Ella explica: “Mi lucha está en buscar la mejor manera de expresarme, en particular, en relación con el medio”.

Los temas más recurrentes de sus pinturas van desde los retratos y paisajes, hasta situaciones cotidianas. Besevic confiesa que, aunque no se encasilla en algún tópico en particular, busca darle un significado personal o emocional a cada una de sus obras.

“Me encanta pintar una cara bonita o un paisaje, pero si sólo es estéticamente hermosa (la pintura), la experiencia no es lo suficientemente buena”.

MÉXICO: 10 pintores realistas

El periodismo cultural también puede ser periodismo de investigación e investigar es un trabajo arduo. Hoy comenzamos en México con una serie que nos llevará a conocer cuáles son los 10 pintores de la "gran familia realista" más importantes nacidos en ese suelo patrio. (No es necesario que estén radicados en su país de origen, pero sí que aun conserven su nacionalidad y estén vivos). 
Después de un tiempo, he logrado seleccionar a estos diez, lo que de ninguna manera son los únicos y definitivos mejores pintores figurativos, realistas, surrealistas o hiperrealistas de México.

Por Rubén Reveco. Editor

1) Alfredo Rodríguez

Alfredo Rodríguez, es un pintor mexicano radicado en California, Estados Unidos. Un artista que representa la vida de los pueblos originarios de América del Norte con un nivel de maestría excepcional.

El dominio de la técnica, la capacidad compositiva y el nivel de expresión en los detalles son evidentes en la pintura de Alfredo Rodríguez (1951).

El artista mexicano, radicado en California desde 1979, apostó desde el inicio de su carrera por temáticas costumbristas y así reivindica la historia y la cultura de los pueblos de América del Norte, producto de un trabajo casi antropológico.

Rodríguez se inserta en las reservas indígenas para poder luego representar, con una gran carga emotiva, la cotidianidad, la forma de vida de los tramperos, jefes indios, mujeres y niños en su lugar natural, entre montañas y desiertos.

Recrea un escenario y entorno aún vigente y, a su vez, su pintura tiene una fuerte impronta de testimonio histórico.

Forma parte, junto a otros artistas de notable capacidad como Howard Terpning, Tim Gilleom o Karen Nolan, de una gran escuela de pintura étnica norteamericana.

El prestigio y posicionamiento que ha logrado Rodríguez reivindica el trabajo de todos aquellos que, a través del oficio, siguen apostando por el realismo, una forma de hacer arte que sirve como testimonio y da cuenta de su tiempo. En un estilo que, lejos de desaparecer, ha sabido mantenerse y revitalizarse. (FUENTE)

El poético realismo de Iman Maleki

Este es un pintor muy popular en las redes sociales y que injustamente yo venía postergando. Sus cuadros muestran la sencillez del pueblo iraní y la crudeza de la realidad en que se mueven, con ocasionales toques poéticos y surrealistas.

Iman Maleki (Teherán,1976) es un pintor iraní. Desde muy niño sintió la vocación por la pintura; se graduó en la Universidad de Arte de Teherán como diseñador y estudió con el mejor pintor hiperrealista de Irán, Morteza Katouzian, perfeccionando una minuciosa técnica de realismo casi fotográfico. Fue galardonado con el premio William Bouguereau y el “Chairman’s Choice” en la II Competición Internacional de Art Renewal Center. Algunos le consideran el mejor pintor de arte realista del mundo. 

Adam Styka, con buen humor

 

Este fue un pintor que le gustaba representa la alegría. Fue un excelente dibujante y colorista, y se interesó por captar ese lado amable de los pueblos del norte de Africa. Además de las amplias sonrisas siempre estuvo presente en sus obras un toque de despreocupado erotismo.

El artista polaco Adam Styka (1890-1959), hijo del también pintor Jan Styka, estudió en la Academia Francesa de Bellas Artes y en la Academia Militar en Fontainebleau. Sirvió en la artillería durante la Primera Guerra Mundial, fue condecorado y obtuvo la ciudadanía francesa. Con la ayuda del gobierno de ese país, visitó las colonias francesas en el norte de África, donde se interesó en la temática oriental, característica de su obra.
Destaca su serie ‘Idilio oriental’ en la que representa parejas (a veces tríos) de árabes en actitud romántica. Su habilidad de transmitir a sus cuadros los colores vibrantes y los fuertes contrastes del desierto del Sahara le valió la denominación de “maestro de la luz del sol”.

También representó escenas del salvaje oeste americano y, al final de su vida, realizó cuadros de carácter religioso católico. Sus obras han sido expuestas en países de Europa y América.