Este es un poema que no pertenece a Altazor, pero lo he incluido por su dramática vigencia después de 100 años de haber sido escrito. Pertenece al libro "El ciudadano del olvido", una recopilación de textos escritos entre 1920 y 1930.
Las estrofas que nos interpelan evocan una profunda reflexión sobre la condición humana y nuestra intrínseca relación con el cosmos. Se nos presenta como "elegidos del sol" y de "la más alta estrella", beneficiarios de un privilegio cósmico inmerecido y, lamentablemente, no reconocido. Esta elección primigenia, este "regalo" divino manifestado en la benevolencia del agua, la tierra y las selvas, contrasta con una incapacidad manifiesta para corresponder a tal generosidad.
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La tragedia de esta narrativa reside en la ceguera existencial. La incapacidad de "responder a su regalo" no es una mera omisión, sino el resultado de una profunda desconexión. La interpelación directa, "Porque tú no supiste lo que es la eternidad", señala la raíz de este extravío. La fugacidad de la existencia humana, percibida desde una perspectiva limitada, nos impide aprehender la magnitud del don recibido y la interconexión con todo lo que nos rodea.
La frase "Ni comprendiste el alma de mi alma en su barco de tinieblas, en su trono de águila herida de infinito" introduce una dimensión aún más melancólica. Sugiere una incomprensión no solo del macrocosmos, sino también del microcosmos interno, del "alma" en su complejidad y su anhelo de trascendencia. El "barco de tinieblas" y el "águila herida de infinito" son metáforas potentes de una esencia profunda, quizás dolorosa, que permanece inexplorada y, por ende, incomprendida.
En última instancia, el poema es una elegía a la conciencia perdida, un lamento por la oportunidad desaprovechada de vivir en armonía con la magnificencia del universo. Nos invita a reflexionar sobre nuestra propia percepción de la eternidad y nuestra capacidad para reconocer y honrar los dones que la existencia nos ofrece.
La difusión de las "Micro-Canciones," expresiones artísticas que duran menos de un minuto, representa una evolución fascinante en el arte contemporáneo. Esta brevedad, sin embargo, no equivale a una falta de profundidad o impacto. Por el contrario, la limitación de tiempo exige una forma de comunicación concentrada y potente. Cuando estas micro-canciones incorporan fragmentos de una obra seminal como "Altazor" de Vicente Huidobro, el resultado es una interacción convincente entre la tradición literaria establecida y la expresión artística innovadora.
La rosa de los mares.
Ningún navegante ha encontrado
la rosa de los mares
La rosa que trae el recuerdo de sus abuelos
Del fondo de sí misma
Cansada de soñar
Cansada de vivir en cada pétalo
Viento que estás pensando en la rosa del mar
Yo te espero de pie al final de esta línea
El fragmento de "Altazor" de Vicente Huidobro, aquí presentado, es una exploración poética de la memoria, el anhelo y la introspección. Huidobro, con su característico creacionismo, nos sumerge en un viaje lírico donde la "rosa de los mares" no es una entidad física, sino un símbolo de aquello inalcanzable, de la herencia ancestral y de la propia esencia del ser.
La imagen del "navegante" que no encuentra la rosa sugiere una búsqueda infructuosa en el mundo exterior, una que no puede satisfacer la profunda necesidad de conexión con el pasado y con uno mismo. La rosa, que "trae el recuerdo de sus abuelos" y que emerge "del fondo de sí misma", personifica la memoria colectiva e individual, un legado que reside en el interior y que se nutre de la experiencia vital.
El cansancio de la rosa, "de soñar" y "de vivir en cada pétalo", evoca la carga de la existencia, la fugacidad del tiempo y la intensidad de cada momento. Cada pétalo es una vida, un sueño, una memoria que se desvanece y se renueva. La interpelación al "Viento que estás pensando en la rosa del mar" humaniza la naturaleza, atribuyéndole la capacidad de reflexión y de anhelo por lo mismo que el poeta busca.
Finalmente, la declaración "Yo te espero de pie al final de esta línea" revela una postura de esperanza y determinación. A pesar de la elusividad de la rosa, el hablante lírico se mantiene firme, esperando la revelación, la conexión con ese "fondo de sí misma" que la rosa simboliza. Es un testimonio de la incesante búsqueda de sentido y de la trascendencia en la poesía.
Yo soy el rey.
Yo soy el rey
Los ahogados florecen cuando yo lo mando
Atad el arco-iris al pirata
Atad el viento a los cabellos de la bruja
Yo soy el rey
Y trazaré tu horóscopo como un plan de batalla
Oyendo esto el arco-iris se alejaba
Adónde vas arco-iris
No sabes que hay asesinos en todos los caminos?
En la etérea danza del cosmos, donde los ahogados florecen al compás de mi voluntad inquebrantable, emerjo como soberano. Mi decreto, un eco que resuena en la vastedad del tiempo, une lo imposible: el arcoíris, espectro de promesas celestiales, se ata al pirata, encarnación de la libertad salvaje. El viento, espíritu indomable de la naturaleza, se entrelaza con los cabellos de la bruja, símbolo de sabiduría ancestral y poder oculto.
Yo soy el rey, y mi mirada penetra los velos del destino. Trazo tu horóscopo no como un mero augurio, sino como un plan de batalla, un mapa estelar para conquistar lo ignoto. Cada constelación, cada planeta, se convierte en una pieza estratégica en mi tablero cósmico, orquestando los movimientos de tu existencia.
Pero en este reino de maravillas y designios, la inocencia a veces se desvanece. Oyendo mi proclama, el arcoíris, con su promesa de un nuevo comienzo, se aleja, quizás temeroso de la magnificencia de mi poder o de la crudeza de la realidad que revelo. "¿Adónde vas, arcoíris?", pregunto, mi voz un susurro en el vendaval. "¿No sabes que hay asesinos en todos los caminos? La vida, incluso bajo mi reinado, está plagada de sombras, de peligros acechantes en cada sendero. La belleza y la oscuridad danzan en un abrazo eterno, y ni siquiera un rey puede erradicar la dualidad inherente a la existencia."
"Altazor" de Huidobro, una piedra angular de la poesía de vanguardia, se caracteriza por su lenguaje experimental, su estructura fragmentada y su exploración de temas existenciales. Al extraer pasajes selectos de este complejo poema y musicalizarlos, las "Micro-Canciones" ofrecen una experiencia condensada y reinterpretada de la obra original. La brevedad del formato fomenta la escucha repetida, permitiendo que los matices del texto y el arreglo musical resuenen más profundamente.
Esta fusión de poesía y música dentro del formato de micro-canción crea un producto artístico único. Proporciona una lente contemporánea a través de la cual apreciar la perdurable relevancia de "Altazor," al tiempo que impulsa los límites de la expresión artística en la era digital. Las "Micro-Canciones" sirven no solo como interpretaciones, sino también como invitaciones a interactuar con el cuerpo de trabajo más extenso de Huidobro, demostrando el poder de la concisión y la adaptación creativa en el arte.
La cantante y pianista Diana Krall decidió dulcificar las canciones y además añadir su belleza para atraernos a los que pedíamos a gritos una excusa para quedarnos cautivados por ella y su música.
Diana Krall nació en Canadá en 1964 dentro de una familia jazzística, desde la abuela a su hermana pasando por sus padres que la enseñan a tocar el piano desde los cuatro años. Obviamente sus modelos fueron Nina Simone y Roberta Flack y desde los quince actuará como cantante y concertista en los bares de Vancouver.
La letra de esta canción nos habla de un enamoramiento que ha llegado con el flechazo de una mirada pero que ha tardado en hacerse realidad. Y desea que esta noche sea la primera de muchas más tras jurarlo como los amantes que son con un beso. Sólo pide que nunca la abandone porque le ama tanto.
La música es una mezcla de jazz y bossa nova interpretada de forma magistral por la pianista y la Orquesta Sinfónica de Londres donde el piano, la guitara y la voz susurrante y elegante de la cantante nos dejan soñando con ese amor tan puro. (F)
La mirada del amor Está en tus ojos La mirada que tu sonrisa no puede disfrazar La mirada del amor Es decir mucho más Que sólo palabras podrían decir Y lo que mi corazón ha oído Bueno, me quita el aliento
No puedo esperar a abrazarte Siente mis brazos a tu alrededor Cuánto tiempo he esperado Esperé sólo para amarte Ahora que te he encontrado
Tienes la mirada de amor Está en tu cara Una mirada que el tiempo no puede borrar Sé mía esta noche Que esto sea sólo el comienzo De tantas noches como esta Hagamos un voto de amante Y luego sellarlo con un beso
No puedo esperar a abrazarte Siente mis brazos a tu alrededor Cuánto tiempo he esperado Esperé sólo para amarte Ahora que te he encontrado No te vayas nunca Te amo tanto No te vayas nunca
Nos vemos el próximo domingo con otra canción que me gusta
La poesía, un faro en la oscuridad del alma, encuentra su máxima expresión en la devoción y el amor maternal. En el poema que nos convoca, "Adoro tu poesía", se entrelazan la ternura divina y la súplica de un amor puro, revelando la profunda conexión entre la madre celestial y su hijo. La Virgen, figura de misericordia y consuelo, anhela el afecto de su vástago, no por necesidad egoísta, sino como un reflejo de su amor incondicional.
Las palabras de la Virgen resuenan con una dulzura inigualable: "Ámame, hijo mío, pues adoro tu poesía y te enseñaré proezas aéreas." Aquí, la poesía se convierte en un puente entre lo terrenal y lo divino, un lenguaje que la Madre comprende y valora. A cambio de este amor filial, ella ofrece "proezas aéreas", metáfora de la libertad espiritual y la elevación del alma que solo la fe puede otorgar. La imagen de los cabellos lavados en las "nubes del alba" evoca pureza y renovación, mientras que el deseo de "dormirse sobre el colchón de la neblina intermitente" sugiere un anhelo de paz y sosiego en la inmensidad divina.
La Virgen, con sus "miradas" que son "un alambre en el horizonte para el descanso de las golondrinas", se presenta como un refugio, un lugar de reposo para las almas errantes. Su amor se manifiesta como una guía constante, un puerto seguro en el viaje de la vida. La repetición de la súplica "Ámame" al final del poema no es un ruego desesperado, sino una invitación a la reciprocidad del amor, a la entrega total y a la comunión espiritual. En este poema, la Virgen no solo habla, sino que invita a amar, a sentir y a trascender a través de la poesía y la fe.
Mi homenaje al Indio Solari, un personaje muy especial del rock argentino. Junto a los Redonditos de Ricota supo mantenerse al margen de la industria discográfica y, sin embargo, convocar multitudes en cada recitar en un fenómeno muy argentino.
En el panorama del rock argentino, pocas figuras resuenan con la singularidad y el misticismo de Carlos Alberto "Indio" Solari. Como líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, Solari forjó una trayectoria que desafió las convenciones de la industria discográfica, erigiéndose como un verdadero fenómeno cultural.
La esencia de Los Redonditos de Ricota radicó en su negativa a transigir con las presiones comerciales. Lejos de las grandes discográficas y los medios masivos, construyeron una base de seguidores leales y apasionados, que se contaban por multitudes en cada "recital". Este fenómeno, profundamente arraigado en la idiosincrasia argentina, trascendió la mera música para convertirse en un ritual colectivo, una experiencia casi mística donde la conexión entre la banda y su público alcanzaba niveles de comunión inigualables.
La lírica de Solari, críptica y poética, se convirtió en un pilar fundamental de este universo. Sus letras, cargadas de metáforas y reflexiones existenciales, invitaban a la interpretación personal, generando un vínculo intelectual y emocional con sus oyentes. Esta complejidad, lejos de ser una barrera, se transformó en un imán que atrajo a generaciones de seguidores, quienes encontraban en sus canciones una voz que resonaba con sus propias inquietudes y experiencias.
El "Indio" Solari, con su enigmática presencia y su inquebrantable postura artística, se erigió como un ícono de resistencia cultural. Su legado no solo reside en la vasta discografía de Los Redondos y su posterior carrera solista, sino en la demostración palpable de que la autenticidad y la conexión genuina con el público pueden forjar un camino alternativo, incluso grandioso, al margen de las reglas impuestas por la industria. Su figura, sin duda, permanecerá como un referente ineludible en la historia del rock argentino.
La difusión de las "Micro-Canciones," expresiones artísticas que duran menos de un minuto, representa una evolución fascinante en el arte contemporáneo. Esta brevedad, sin embargo, no equivale a una falta de profundidad o impacto. Por el contrario, la limitación de tiempo exige una forma de comunicación concentrada y potente. Cuando estas micro-canciones incorporan fragmentos de una obra seminal como "Altazor" de Vicente Huidobro, el resultado es una interacción convincente entre la tradición literaria establecida y la expresión artística innovadora.
El primer hombre.
Los versos "Cadenas de miradas nos atan a la tierra / Romped, romped tantas cadenas" evocan una profunda reflexión sobre las limitaciones impuestas, tanto las visibles como las intangibles. Estas cadenas no solo representan las ataduras físicas, sino también las barreras mentales y sociales que coartan el espíritu humano. El imperativo de romperlas es un llamado a la liberación, a trascender los confines de lo conocido y lo establecido.
Eres más hermosa.
El fragmento del poema de Vicente Huidobro, "Altazor", nos sumerge en una profunda apreciación de la belleza a través de una serie de metáforas inusuales y evocadoras. Huidobro, figura central del creacionismo, desafía las nociones convencionales de la lírica, construyendo imágenes que, si bien pueden parecer dispares a primera vista, convergen en una expresión sublime.
"Eres más hermosa que el relincho de un potro en la montaña
Que la sirena de un barco que deja escapar toda su alma
Que un faro en la neblina buscando a quien salvar
Eres más hermosa que la golondrina atravesada por el viento
Eres el ruido del mar en verano
Eres el ruido de una calle populosa llena de admiración".
"Altazor" de Huidobro, una piedra angular de la poesía de vanguardia, se caracteriza por su lenguaje experimental, su estructura fragmentada y su exploración de temas existenciales. Al extraer pasajes selectos de este complejo poema y musicalizarlos, las "Micro-Canciones" ofrecen una experiencia condensada y reinterpretada de la obra original. La brevedad del formato fomenta la escucha repetida, permitiendo que los matices del texto y el arreglo musical resuenen más profundamente.
Esta fusión de poesía y música dentro del formato de micro-canción crea un producto artístico único. Proporciona una lente contemporánea a través de la cual apreciar la perdurable relevancia de "Altazor," al tiempo que impulsa los límites de la expresión artística en la era digital. Las "Micro-Canciones" sirven no solo como interpretaciones, sino también como invitaciones a interactuar con el cuerpo de trabajo más extenso de Huidobro, demostrando el poder de la concisión y la adaptación creativa en el arte.
