El caballo en el cómic (1) Desde la Prehistoria hasta Roma

PREHISTORIA

Tunga: El potro negro

El caballo desempeñó un papel fundamental en la Prehistoria, Sirviendo como un importante recurso para las comunidades humanas. Su domesticación, que se estima ocurrió alrededor del cuarto milenio a.C. en las estepas euroasiáticas, permitió a los grupos nómadas mejorar sus posibilidades de caza y aumentar su movilidad. Además, el equino se convirtió en un símbolo de estatus y poder, influyendo en la organización social y en el desarrollo de las primeras civilizaciones. La relación entre el ser humano y el caballo marcó un hito en la evolución cultural y económica de las sociedades prehistóricas.

A lo largo de la historia de la humanidad, el caballo ha desempeñado un papel fundamental en nuestro desarrollo y progreso. Este noble animal ha sido un compañero constante, colaborando en las conquistas y avances culturales y tecnológicos del ser humano. Desde las imponentes razas de tiro hasta las diminutas razas miniatura, como la Falabella, el caballo ha demostrado su versatilidad y valor en diversas facetas de la vida. Su presencia ha trascendido épocas y civilizaciones, consolidándose como un símbolo de lealtad y compañerismo en la historia compartida entre estas dos especies.

La figura del caballo en la representación artística y en el cómic

El caballo, un animal que ha acompañado al ser humano a lo largo de su historia, no solo ha sido un compañero en la vida diaria y un símbolo de fuerza y nobleza, sino que también ha dejado una huella indeleble en el ámbito del arte y, más recientemente, en el cómic. A lo largo de los siglos, su representación ha evolucionado, reflejando perspectivas culturales, filosóficas y estéticas diversas. En este ensayo, se examinará la figura del caballo en la representación artística, desde su presencia en las pinturas clásicas hasta su manifestación en el cómic contemporáneo, analizando cómo su simbolismo ha cambiado y se ha adaptado en diferentes contextos.

Tomás y las estrellas

Con este breve relato -no más de 400 palabras- gané una mención en un concurso de literatura. Lo comparto.

Por Rubén Reveco - Editor

Habíamos ido al consultorio; ya era de noche. El aire estaba impregnado del leve murmullo de unas diez personas que esperaban ser atendidas. Sentados cerca de nosotros, dos hermanos, uno de nueve años y otro de seis (aproximadamente) aguardaban su turno acompañados por sus padres.

A través de las páginas de un libro escolar, el hermano mayor leía en voz alta un mito precolombino sobre la creación del sol y las estrellas. En un momento, detuvo la lectura y, mirando a su hermano, le preguntó:

-¿Sabías que el Sol es una estrella?

-No -contestó.

-Las estrellas están muy lejos. Por eso se ven tan pequeñas. ¿Has visto alguna estrella?

-No -respondió, moviendo la cabeza.

Fue entonces cuando se escuchó en toda la sala de espera: "¡Mamá, Tomás no conoce las estrellas!"

Algunos nos miraron sonrientes. Era una escena que, a pesar de su apariencia trivial, reflejaba el asombro ante lo desconocido y la curiosidad innata que caracteriza a los niños.

La madre de Tomás se levantó de su asiento y, de la mano, lo llevó a la calle. Estábamos convirtiéndonos en testigos de un pequeño ritual de iniciación hacia la comprensión del cosmos. ¡Por fin Tomás conocería las estrellas!

Recordé mi infancia y esas noches estrelladas en los campos del sur. ¡Qué espectáculo era ese manto de miles de luces titilando en la bóveda del cielo! Nos pasábamos de mano en mano unos prismáticos y entonces, el espectáculo se multiplicaba por cien. 

Ese era un sentimiento de conexión con algo mucho más grande que nosotros mismos, un recordatorio de la infinitud del espacio y del misterio que lo rodea. 

¿Cómo será la experiencia de Tomás en esta ciudad? Seguramente no será la de un observador extasiado, sino más bien la de un niño que, con suerte, puede vislumbrar la existencia de una o dos estrellas entre el deslumbrante manto de luces que envuelve su entorno. 

Al cabo de un minuto, Tomás y su madre regresaron. Todos mirábamos expectantes, pero la expresión en el rostro del niño era de frustración. Entonces, ella explicó a propios y extraños: “Está nublado”.

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Ivana Kroll, la croata que desafió los límites culturales en Qatar

Un aficionado local le pide una foto a Ivana en pleno encuentro ante Japón (AP Photo/Thanassis Stavrakis)

Ya casi nadie se acuerda de la Copa del Mundo de Fútbol de Qatar (o Catar), salvo los argentinos quienes salieron campeones. Eso sí, nadie de olvida de Ivana Kroll, la reina del mundial. Sus apariciones en los estadios generaron controversias por vestir prendas que no se condecían a las recomendaciones de las autoridades qataríes.

FUENTE

Ivana fue a todos los partidos que disputó Croacia en el Mundial. Asistió al estadio Al Bayt para el 0 a 0 contra Marruecos, fue al estadio internacional Jalifa para la victoria 4 a 1 sobre Canadá, visitó el estadio Ahmad bin Ali para otro empate en cero contra Bélgica y no faltó en el estadio Al Janoub en la clasificación a cuartos de final luego del triunfo por penales ante Japón después de igualar 1 a 1 en el tiempo regular. En el partido de Croacia y Argentina fue "invitada" ha abandonar el estadio. Ivana Kroll fue la mujer más fotografiada del Mundial de Qatar 2022.

A medida que pasaban los encuentros, fue incrementando el tono de su exposición: lucía cada vez más piel descubierta. Sus outfits coincidieron en los cuadrados rojos y blancos insignia de la bandera croata y en el grado de sugestión: siempre apeló a un atuendo apretado y llamativo.

En su cuenta de Instagram tenía 1,3 millones de seguidores y 24 publicaciones desde su arribo a Qatar. Entre ellas, el extracto de un video de una cadena de televisión local que la enfoca en la tribuna subiendo las escaleras y dos fotos en las que hinchas locales recurren a sus teléfonos celulares para documentar su paso entre el público. Ella lucía agradecida con la difusión. Precisamente la viralización de este retrato disparó la fama de la hincha croata. Y con la popularidad, también la controversia.

Sus controversiales apariciones en los estadios, caracterizadas por el uso de vestimentas que desafiaron las pautas establecidas por las autoridades qataríes. Suscitaron un intenso debate en torno a la intersección entre cultura, vestimenta y normativas locales.

"La Virgen y el Niño", de Bartolomé Esteban Murillo

 "La Virgen y el Niño", de Bartolomé Esteban Murillo. Museo Nacional de Bellas Artes Santiago de Chile.

Una de las iconografías más abundantes en la historia de la pintura occidental corresponde a la imagen de la Virgen con el Niño popularizada durante la Edad Media. No obstante, el predominio de María dentro del culto se precipitó con la contrarreforma, pues las jerarquías eclesiales apostaron por enfatizar sus roles de madre y defensora de la fe.

Esta idea de la madre dulce y amorosa cuidando de su santa progenie es, por antonomasia, la escenificación del ideal de la maternidad predominante hasta hoy. En tierras americanas, tempranamente consagradas a la Virgen, las madonas renacentistas y barrocas fueron la principal fuente iconográfica de la imaginería colonial.

Esta obra ha sido atribuida a Juan Esteban Murillo, pintor sevillano considerado uno de los maestros de la pintura barroca. Murillo exploró principalmente la pintura religiosa y de género, realizando varias copias de sus propias obras. Este aspecto resulta de gran relevancia, pues en el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba existe una versión tardía de esta misma composición.

La reapertura de la catedral de Notre Dame de París

 

El emblemático templo reabrió sus puertas tras el incendio de 2019 y un intenso trabajo de reconstrucción de cinco años. Miles de personas participaron de la ceremonia, que el presidente Emmanuel Macron describió como una muestra de “lo que es una nación y de lo que debería ser el mundo”.

La catedral de Notre Dame de París reabrió este sábado sus puertas en medio de una gran ceremonia que contó con la presencia de 1.500 invitados y decenas de jefes de Estado de todo el mundo.

El presidente Emmanuel Macron agradeció a todos los que trabajaron por reconstruir el emblemático templo y aseguró que “Notre Dame de París se salvó por la valentía de esta gente”.

“Esta catedral es la feliz metáfora de lo que es una nación y de lo que debería ser el mundo: fraternidad de un pueblo determinado a hacer grandes cosas, fraternidad universal y ayuda mutua”, insistió.

Emmanuel Macron, y su esposa, Brigitte Macron, recibieron al ex presidente francés, Nicolas Sarkozy, y a su esposa, Carla Bruni, durante una ceremonia para conmemorar la reapertura de la histórica catedral (REUTERS)

La catedral de Notre-Dame es uno de los monumentos más importantes de París, una sublime obra maestra de la arquitectura gótica que se alza majestuosa sobre la Isla de la Cité. 

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El arte de los cementerios

La palabra "cementerio", que se deriva del griego antiguo, significa "lugar para dormir". Así que esas inscripciones en las lápidas de los cementerios que dicen "Descanso eterno" o "Descansa en paz" tienen mucho sentido.

El arte de la muerte, escultura funeraria o arte cementerial no es muy popular por razones obvias. Sin embargo, eso no impide que muchos cementerios del mundo posean grandes obras de arte. En esta oportunidad nos dedicaremos a la escultura.

El arte de la escultura siempre estuvo muy presente en los antiguos cementerios cristianos, representando el dolor y sufrimiento de los que quedaban vivos. Muchos conjuntos escultóricos han sufrido las inclemencias de la intemperie o el olvido de los familiares, aun así son obras verdaderamente bellas. Tanto que ya dan ganas de ir contratando los servicios de un escultor. 

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¿El lado oscuro de la belleza?

Obra del trabajo de habilidosos diseñadores, arquitectos, escultores y jardineros, los cementerios pueden resultar descorazonadoramente hermosos.

El Príncipe de las tinieblas

El Príncipe de las Tinieblas es una de esas obras que te sorprenden, especialmente a quienes no conozcan el trabajo de Igor Kordey y Jean Pierre Pecau.

Por José Ramón Alvarez García

Estamos ante una obra atractiva, primero por los autores, de los cuales ya hemos reseñado obras como Imperio o Marshall Bass y en segundo lugar, por lo atractivo de la temática, y es que estamos hablando de un punto de inflexión en la historia contemporánea, como fue el atentado de las Torres Gemelas.

El contexto

Siempre es aconsejable contextualizar lo que leemos, en este caso, es relativamente sencillo, pero conviene advertir que El Príncipe de las Tinieblas está originalmente publicado dentro de la colección francesa Le Jour.

Estamos ante una serie de álbumes creados por Jean Pierre Pécau, Fred Duval y Fred Blanchar en donde se nos plantean situaciones alternativas a la realidad histórica que conocemos.

Dentro de esta serie tenemos situaciones del tipo de si Colon hubiera descubierto América para el mundo árabe, Kennedy no hubiese ganado las elecciones, o situaciones alternativas a los hechos acontecidos en la II Guerra Mundial.

Podríamos imaginar una Francia liberada por los rusos, o unos acontecimientos enmarcados en la Guerra Fría como que los rusos hubiesen llegado antes a la luna.

Todo esto da un sinfín de posibilidades a los guionistas. Resumiendo, estamos ante un What if .. ? a la europea pero en mi humilde opinión mejor logrado, ya que la documentación es impresionante y las tramas están muy bien hiladas.

Canciones que me gustan: "The Dark Side Of The Moon"

Medio siglo del histórico disco de Pink Floyd con 50 millones de copias vendidas. Con esos números, se trata de uno de los álbumes más vendidos del mundo.

Ya son 52 años los que han pasado desde que el famoso disco de rock "The Dark Side Of The Moon" fue lanzado. La banda británica Pink Floyd estrenó su histórico disco el 1 de marzo en Estados Unidos, mientras que en Reino Unido lo estrenó el 24 del mismo mes de 1973. Su dimensión en la historia de la música viene avalada ya por parámetros tan evidentes como los comerciales: Se trata de uno de los discos más vendidos del mundo, con 50 millones de copias despachadas. 

Entonces formado por Roger Waters (bajo, voz), David Gilmour (voz, guitarras), Nick Mason (batería, percusión) y Richard Wright (órgano, piano, sintetizadores), Pink Floyd llenó sus arcas gracias a aquel álbum, que además les proporcionó su mayor salto de fama internacional tras siete discos previos. La banda británica había sufrido en 1968 la salida forzosa de su hasta entonces líder, Syd Barrett, aquejado por un deterioro mental que el uso frecuente de alucinógenos hizo más severo y que aún hoy sigue sin diagnóstico firme. Aquello marcó la deriva de Pink Floyd, que contrató a Gilmour como miembro de pleno derecho para sustituirle a la guitarra y que vio cómo Roger Waters asumía progresivamente la batuta del grupo. De este último fue la idea de dedicar su octavo álbum a los estragos que la vida moderna suponían para el hombre, muy influidos por la experiencia personal de Barrett. 

Las canciones del famoso álbum fueron previamente tocadas en vivo, antes de ser grabadas, por lo que fueron creciendo en directo hasta ser inmortalizadas en los estudios de Abbey Road en Londres. El productor fue quien había sido ingeniero en los discos de los Beatles "Abbey Road" y "Let It Be" y que terminaría convirtiéndose él mismo en una estrella de la música cuando tres años después emprendió su propio proyecto: Alan Parsons. 

Al exquisito resultado sin duda contribuyeron las posibilidades técnicas del lugar, donde contaron con una mesa de mezclas de 16 pistas que les permitió tratar con mimo no solo cada uno de los instrumentos, sino también los numerosos recursos extramusicales que añadieron, desde el latido del corazón con el que acaba y empieza el álbum hasta las emblemáticas monedas de "Money". Aquella denuncia de la ambición fue el corte de mayor éxito del disco y de la carrera entera de Pink Floyd, en un disco de diez temas entrelazados hasta sumar apenas 42 minutos que convierten su escucha en una experiencia muy disfrutable, en contraste con la densidad que a menudo se atribuye al rock progresivo. 

Quedaba solo por modelar el último de los elementos que han hecho de "Dark Side Of The Moon" algo icónico en la cultura popular: Su portada. Diseñada por Storm Thorgerson, del colectivo Hipgnosis, y dibujada por George Hardie, la premisa era buscar claridad y concisión al reflejar la luz de los espectáculos de Pink Floyd y su amplio espectro temático. Así se llegó a la idea de la portada en negro y el haz que, al filtrarse por un prisma que ocupa la posición central, sale refractado en forma de arcoíris.

FUENTE

Pink Floyd

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