Hermafrodita en el arte

No existen muchas obras de arte con el tema que nos convoca hoy. La más famosa (sin duda la más bella) es la copia de una escultura griega, llamada "Hermafrodita durmiente" que se encuentra en el Louvre. Escultura en mármol de estilo griego, copia romana del siglo II a.c, de un original helenístico del siglo II a.c, restaurada en el 1619 por David Larique. Bajo la escultura: un colchón en mármol de Carrara realizado por Gianlorenzo Bernini en el 1619 a petición del Cardenal Borghese.

El vocablo griego hermaphróditos, cuya terminación está influida por Afrodita (nombre de la diosa griega del amor), llegó al latín como hermaphrodītus. El concepto arribó a nuestro idioma como hermafrodita, un adjetivo que alude a quien tiene los dos sexos (femenino y masculino).

En la zoología y la biología, un organismo hermafrodita es aquel cuyo aparato reproductivo es mixto y, por lo tanto, puede generar gametos femeninos y masculinos. La autofecundación, de todos modos, es muy inusual.

Las lombrices de tierra son ejemplos de animales hermafroditas. Disponen de órganos reproductores femeninos y masculinos y se reproducen a través del apareamiento. Lo mismo ocurre con los caracoles, que producen óvulos y espermatozoides y se acoplan para lograr la fecundación. (Fuente)

Una de las representaciones de Hermafrodita más conocidas en la historia del arte es "El hermafrodita dormido" de la colección Borghese que se encuentra en el Louvre. La estatua original fue descubierta cerca de las termas de Diocleciano alrededor de 1608, cuando se la mostraron al cardenal Borghese quedó tan impresionado por la belleza de la escultura que encargó a Bernini que le realizara un almohadón a la altura de la pieza, desde ese momento se convirtió en una de las piezas más admiradas de su colección. 

Vieron a Tom Jobim paseando en la playa de Ipanema

 

                                                                                        

La estatua en Río de Janeiro homenajea al fundador de la bossa nova es una obra de arcilla y bronce colocada en su lugar favorito de la playa que él hizo famosa.

                                                                                        

FUENTE: Diario El País

Después de casi 30 años de su muerte (8 de diciembre de 1994) a Tom Jobim lo pueden ver en Ipanema, la playa que inmortalizó con la canción sobre “esa cosa tan linda, tan llena de gracia”, un símbolo de las mujeres cariocas bronceadas que perseguía con la vista en compañía de su compañero de faenas, el poeta Vinicius de Moraes.

El Ayuntamiento de Río de Janeiro inauguró en 2014 una estatua de tamaño real, realizada en arcilla y bronce, que muestra al músico en su plenitud física, caminando y cargando una guitarra sobre el hombro derecho. Tom Jobim, como era conocido, fue emplazado en el malecón que recorre Arpoador, uno de los extremos de la playa de Ipanema, lugar favorito de surferos, pescadores y transeúntes que se sientan a ver el espectáculo diario de la caída del sol por detrás de la favela de Vidigal.

La escultora responsable de la obra, Christina Motta, eligió representar a Tom Jobim “en la cima de su éxito”, poco antes de que lanzara La chica de Ipanema, una de las canciones más grabadas de la historia de la música.

El viento de Luo Li Rong

La artista crea esculturas del tamaño natural de mujeres inspiradas en el arte clásico. Una revelación más de la belleza femenina.

La artista china Luo Li Rong crea esculturas en bronce de mujeres inspiradas en las técnicas del arte clásico. Sus figuras suelen ser capturadas en movimiento, a menudo con sus vestidos o prendas aparentemente revoloteando en la brisa a su alrededor.
Rong ha estado esculpiendo durante gran parte de su vida, habiendo estudiado en la Academia de Bellas Artes de Beijing bajo la dirección del escultor Wang Du. Más tarde, volvió su atención a las técnicas de escultura utilizadas por los artistas europeos en los períodos renacentista y barroco, algo que parece definir gran parte de su obra contemporánea. 

"La pietá", de Ippolito Scalza: Otro que no conocía

Ippolito Scalza (1532-1617) fue un escultor y arquitecto italiano.

Otra vez y gracias a las redes sociales he conocido esta impresionante escultura en mármol. Tampoco conocía al artista lo que demuestra que por ser muchos los creadores a lo largo de la historia nunca alcanzaría a saber de su existencia, o, simplemente, porque no debería ignorar tanta belleza creada por el talento humano. Esta Piedad es inevitable compararla con la de Miguel Ángel.

Ippolito Scalza creció en una familia de artistas, en la que sus hermanos también fueron mosaiquistas, escultores y arquitectos. Aunque no hay excesiva información, sabemos que en 1554 colaboraba en diferentes obras para la catedral de Orvieto. Como arquitecto se encargó de las obras y diseño de la Catedral de Montepulciano, la Iglesia del Crucifijo de Todi y la Iglesia Parroquial de Ficulle. En 1564 realizó el sepulcro Farratini en Amelia, pero su trabajo se centró sobre todo en las capillas laterales de la catedral de Orvierto.

La "Pietá"

De esas obras, destaca especialmente su espectacular "Pietá" realizada entre 1575-79. Con un lenguaje diferente al de Miguel Ángel, es mucho más dramática pero muy interesante por la escenografía, más teatral. Contemplamos justo el  momento en el que Cristo ha sido descendido de la cruz, podemos ver la escala y el tamaño de los clavos y las tenazas con las que éstos se han extraído. La Virgen María mira a su hijo mientras alza la mano y María Magdalena inclina su cabeza para apoyar su rostro en la mano de Cristo. Una emotiva obra llena de fuerza y teatralidad que nos habla de la espectacular calidad técnica de Ippolito Scalza.

El descendimiento de Cristo, de Virginio Arias

 

"El descendimiento de Cristo" es obra del escultor chileno Virginio Arias y fue realizada en 1887, hace 131 años.

Ahora que los escultores amontonan escombros y pretenden que eso sea una obra de arte -y lo que es peor- son premiados, yo recuerdo con nostalgia este conjunto escultórico que formó parte de mi vida estudiantil y que dibujé in situ una y otra vez.

Por Rubén Reveco - Editor

El arte de la escultura es otra víctima del arte contemporáneo. A mediados de los años ´80 del siglo XX se empezó a premiar un rejunte de objetos realizados con desechos: latas oxidadas, hierros retorcidos, maderas podridas, neumáticos y cualquier otra materia prima que sea lo contrario a un material noble. El más odiado por los nuevos artistas fue el mármol, quizá por ser una piedra que exige grandes desafíos y que sólo unos pocos la pueden dominar.

"El descendimiento de Cristo", de Virginio Arias, en el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile es el mejor ejemplo de una obra de calidad inalcanzable para el 99% de los artistas. Es la escultura del siglo XIX realizada en mármol quizá más importante de Latioamérica.

Yo solía pedir permiso ante las autoridades del museo para dibujarla y en ferias artesanales vendía las reproducciones. Cuando me quedaba sin láminas, otra vez volvía al museo... De esa forma -día a día- fui admirándola y sobre todo reconociendo la genialidad de su creador. 

  

Personas que saben cómo posar con esculturas.

 

Cosas que encuentro en las Redes y seguramente ya conocían.

No es solo conseguir un monumento o estatua con una pose sugerente, sino -también- el que interviene tiene que tener dotes de actor. Lo que le da credibilidad y espontaneidad. La risa es algo muy serio.

"La cabellera de Berenice", de Ambrogio Borghi

Ambrogio Borghi (1849–1887) murió a la temprana edad de 38 años.

"Chioma di Berenice" (La cabellera de Berenice) fue expuesta en la Exposición Universal, París 1878, es una de las esculturas más famosas del siglo XIX y un recuerdo de la cumbre de la escultura neoclásica del siglo XIX.

Con el advenimiento de las exposiciones universales, la fama y la popularidad de la escultura italiana fue muy grande en la segunda mitad del siglo XIX. Un gran número de personas vieron las maravillas del arte y de la industria. Fue una oportunidad para los artistas y los escultores italianos. Los críticos llamaron a la Cabellera de Berenice un "prodigio artístico". 

Transparencia esculpida en el mármol

La Virgen con velo es una escultura realizada en mármol de Carrara y fue tallada en Roma en el siglo XIX por el escultor italiano Giovanni Strazza. Representa el busto de una Santísima Virgen María cubriendo su rostro con un delicado velo. La fecha exacta de su creación se desconoce.

Esta obra de arte es, simplemente, una belleza y una demostración de virtuosismo y delicadeza. Junto a la difusión del trabajo silencioso de muchos pintores realistas contemporáneos, es muy bueno que vayamos descubriendo estas pequeñas y olvidadas obras de arte.

"La Virgen con velo" es de lo más impresionante que se puede ver en la vida, observe el efecto de la transparencia.

Las esculturas de Berit Hildre

Berit Hildre es una artista noruega nacida en 1964 en Alesund, Noruega. Vive en el sur de Francia con el pintor y fotógrafo Louis Treserras, desde hace unos treinta años. Como escultora, es conocida por sus obras figurativas que a menudo representan a niñas. 

Berit Hildre es reconocida por su capacidad única para transformar la materia en arte. Autodidacta, explora a través de su obra la esencia misma de la humanidad, en un enfoque profundamente espiritual. Su obra evoca cuerpos de niños, mujeres pensativas y una búsqueda de eternidad que se refleja en cada una de sus creaciones. Estas figuras, a la vez vulnerables y atemporales, encarnan temas recurrentes en su universo artístico.

Berit Hildre está fascinada por la fragilidad y la belleza del mundo, ilustrada por la imagen de las niñas, a quienes describe como flores maravillosamente frescas y hermosas, a merced de cualquier cosa que pueda romper este pequeño milagro. En su arte, las niñas creen en ángeles, hadas, príncipes y magos, creando así un universo mágico y poético.

Capta la inocencia y la pureza de la infancia al representar objetos cotidianos impregnados de magia, como piedras extrañas, plumas de ángeles, avellanas caídas de los árboles y secretos cuidadosamente escondidos en la palma de la mano. A través de su arte, Berit Hildre invita a los espectadores a reflexionar sobre la frágil y efímera belleza de la vida, mientras captura el espíritu de la infancia y la imaginación.

Su obra se enmarca en un enfoque artístico contemporáneo, donde las emociones humanas se transmutan a través de técnicas artísticas únicas. El artista, a través de su mirada poética y su profunda conexión con el alma humana, explora temas universales de vulnerabilidad, pureza y magia.

Expresa una visión poética de la infancia, donde se considera que las niñas creen en ángeles, hadas, trolls, príncipes y magos. Se los retrata como en sintonía con la naturaleza, conversando con animales, especialmente gatos, y coleccionando diversos objetos preciosos como piedras extrañas, plumas de ángel y secretos que guardan en la palma de sus manos. 

John Morris: The Art of Sculpture

 

John Morris es un artista británico afincado en Australia desde los 8 años, que comenzó como ilustrador con aerógrafo para la industria del diseño gráfico y la publicidad antes de dedicarse a su pasión por la creación de fantásticas esculturas a tiempo completo. Sus trabajos surgen de dibujos e ilustraciones exhaustivos basados en intensivas investigaciones. 

FUENTE

El Hurgador

Sus temas van de esqueléticos personajes a estructuras musculares e imágenes de fotografías de moda. A menudo, las extremidades protésicas y las proporciones super acentuadas de diferentes elementos, unen las diferentes partes del cuerpo, trayendo a la mente la imaginería surrealista del anime y las representaciones cómicas de superhéroes y heroínas. Utiliza hábilmente el cuero, el latón y el acero inoxidable para proporcionar un marcado contraste con la cálida textura de la madera.

John Morris ya realizaba de niño modelos y objetos en 3D que se les podría denominar esculturas en un futuro. Sin embargo fueron la ilustración y el diseño sus primeros pasos en el mundo del arte, hasta que una larga estancia en el hospital a los 20 años le convenció de que no había tiempo como el presente, con lo que comenzó a experimentar con la escultura hecha de bronce. A pesar de los horribles resultados en sus comienzos, su perseverancia y lectura de libros ayudaron a que poco a poco se desarrollase su talento, al principio de forma muy clásica y tradicional. Más tarde la combinación de varios factores en su vida le llevaron a trabajar con madera. De nuevo había una curva de aprendizaje para ascender y nuevas herramientas para adquirir, leer y experimentar.