Las Tres Gracias en el arte, desde la antigua Grecia hasta el presente

 

Las Cárites, de Afrodisias, del siglo 1 A. de C. al 1 D. de C.

En la mitología griega, las Cárites o Gracias eran las diosas del encanto, la belleza, la naturaleza, la creatividad humana y la fertilidad. Habitualmente se consideran tres, de la menor a la mayor: Aglaya (‘Belleza’), Eufrósine (‘Júbilo’) y Talia (‘Floreciente’).

Las Cárites solían ser consideradas hijas de Zeus y Eurínome, aunque también se decía que eran hijas de Hera, de Dioniso, o de Helios y la náyade Egle. 

Homero escribió que formaban parte del séquito de Afrodita. Las Cárites estaban asociadas asimismo con el inframundo y los misterios eleusinos.

Hay ciertos temas recurrentes en la historia del arte y es posible verlos una y otra vez, de la mano de los artistas más diversos. Uno de esos temas es la imagen de las Tres Gracias.

Según la mitología griega, las Tres Gracias son tres diosas, hijas de Zeus y Hera: Eufrosina (Alegría), Aglaé (Belleza) y Thalía (Fertilidad). Las Gracias presidían los banquetes, las danzas y todas las actividades y celebraciones placenteras, es decir, todo aquello que en el mundo pudiera haber de agradable, interesante, atractivo... 

Las Gracias otorgaban a dioses y mortales la alegría y también la elocuencia, la liberalidad y la sabiduría. Se creía además que tenían la capacidad de dotar a los hombres de la genialidad necesaria para convertirlos en artistas eximios. (F)

Relieve romano 200 a 150 A. de C.

La Bella Durmiente de Louis Sussmann-Hellborn

 

Escultura en mármol realizada en 1880. Alte Nationalgalerie, Berlín.

Gracias a Internet he conocido (parcialmente) esta obra que me parece maravillosa y propia de un artista (que tampoco conocía) de gran talento. No he encontrado mucha más información, ni cómo el escultor logró sortear los desafíos de tallar en mármol el rosal que rodea a la Bella Durmiente.

Louis Sussmann-Hellborn (1828-1908), también escrito Ludwig Sussman Hellborn, fue un escultor alemán, pintor, coleccionista de arte y constructor.
Nació en Berlín y recibió su formación como escultor en la Academia de Artes de Berlín. Viajó a estudiar en Francia, Bélgica e Inglaterra. Vivió en Roma de 1852 a 1856. La primera gran exposición de sus obras se organizó en Berlín en 1856. Fue uno de los fundadores del Museo Real de Artes Decorativas y también participó en la construcción de una colección de esculturas en el Museo Real de Berlín.

El detalle que no conocía (2) Agua esculpida en mármol

El arte de representar el agua en el mármol corriendo sobre los dedos del pie de la Ninfa, escultura ejecutada por el artista italiano Giovanni Battista Lombardi (1823-1880).

No sé si el agua tiene ese recorrido ondulante sobre los dedos de un pie, aun así, destaco el esfuerzo del escultor en representar un elemento tan inestable como el agua.

"Giovanni Battista Lombardi, nacido en Brescia, Italia, comenzó su aprendizaje en la cantera de mármol de su padre. Para 1851 se había mudado a Roma para estudiar con el escultor Pietro Tenerani (1789-1869) y luego trabajar en el estudio de Tenerani en monumentos, bustos y relieves de inspiración religiosa y clásica. Pronto estableció un estudio productivo propio, creando estatuas sentimentales, románticas y bustos para la burguesía italiana.

La presencia del mármol se encuentra en toda la historia y cultura del hombre. Figura y reproduce fuerza, belleza y elegancia. El uso de mármol blanco y la manera en que Lombardi lo moldeaba tan delicadamente, logra captar hasta los detalles más sutiles de la figura humana, lo que brinda a sus obras su conocido aspecto angelical.

En sus temas bíblicos, Lombardi combina sutilmente el clasicismo con el naturalismo y la reserva con el encanto."

Giovanni Battista Lombardi, “Nymph”. (1864).

"Andrómeda abandonada" y "Después de la orgía"

 

"Andrómeda abandonada" (1898) es una escultura en mármol localizada en el Museo Nacional de Arte de la Cd. de México.

Fidencio Lucano Nava es un gran exponente de la escultura mexicana del siglo XIX y XX. Presentamos sus dos obras más famosas: "Andrómeda abandonada" y "Después de la orgía".

Texto de 

Alberto Espinosa Orozco

FUENTE: 

Terranova

"Andrómeda abandonada"

Esta obra da cuenta de la maestría del escultor en el opulento tratamiento de la forma humana femenina, está realizado en un bloque de mármol de Carrara. La estatua nos habla en esta ocasión de otro abandono, no a los instintos y pasiones del cuerpo, sino de la belleza misma por su amante, pues capta el momento en que Andrómeda es abandonada en la isla Día por Teseo en su camino a Atenas, luego de que el héroe diera muerte al temible Minotauro. 

El "Caupolicán" de Nicanor Plaza y "El último de los mohicanos"

 

Caupolicán, obra de Nicanor Plaza.

La escultura que el artista chileno estrenara en yeso en 1868 fue fundida en bronce al año siguiente y replicada en Europa y los Estados Unidos como la típica imagen del nativo norteamericano descrita por el novelista James Fenimore Cooper en su célebre obra de ficción.

Por Rodrigo Barra Villalón

PUBLICADO POR: CINE Y LITERATURA

En mayo de 1910, al celebrarse el Centenario de la Independencia de Chile, un consejo del Museo Nacional de Bellas Artes redactó un acuerdo en el que accedía a donar a la ciudad de Santiago: “la estatua en bronce del héroe más característico de la raza araucana… Caupolicán”. La pieza quedó instalada ese mismo año donde sigue hasta hoy en día, a unos cien metros de altura, sobre un peñón que se eleva a un costado de la terraza del mismo nombre del Santa Lucía.

L’emancipació de l’esclavitud, per Giacomo Ginotti

 

Giacomo Ginotti: La transformación del mármol en carne viva.

Giacomo Ginotti, escultor nacido en 1845 en la zona piamontesa de Cravagliana, representa una figura clave en la historia del arte italiano del siglo XIX. Su trayectoria se caracteriza por un profundo compromiso con el estudio y la perfección de su técnica, lo cual lo llevó a convertirse en un maestro del mármol, logrando dar vida a este material inerte como pocos artistas han conseguido. A través de su formación y de sus obras, Ginotti logró no solo capturar la esencia del ser humano, sino también desafiar los límites del propio material de su elección.

Formación artística y desarrollo del estilo

Ginotti inició su educación artística en la Escola de Disseny de Varallo, un primer acercamiento al mundo del arte que le permitió desarrollar una base sólida. Sin embargo, su carrera tomó un giro decisivo cuando se matriculó en la Accademia Albertina de Turín, donde tuvo la oportunidad de ser alumno de Odoardo Tabacchi, un maestro que seguramente influyó en su estilo distintivo. La Accademia Albertina se ha erigido como un centro de formación destacado en Italia, y el ambiente artístico que allí se respira fue clave para que Ginotti cultivara su talento natural.

"Alouette", lo último de Benjamin Victor

Alouette

Creo que este es el único artista que tiene tres publicaciones en este blog. Benjamín Matthew Victor es un escultor y artista estadounidense, nacido en 1979, en Bakersfield, California; ejerce como profesor en la Universidad Estatal de Boise. También es el único artista vivo que tiene dos obras en el National Statuary Hall en el Capitolio de los Estados Unidos. 

Dicen que la piedra nunca cobrará vida, pero los grandes maestros de su arte han demostrado lo contrario en numerosas oportunidades: En sus hábiles manos nacen obras maestras que a primera vista parecen estar vivas y en cualquier momento empezarán a parpadear. 

La ventaja de la escultura -si la comparamos con la pintura- es que nos permite hacer un recorrido y desde cada punto de vista encontrar una "nueva obra".

WEB

La escultura, como disciplina artística, tiene una capacidad singular de trascender las limitaciones del material y la técnica. A menudo se dice que la piedra nunca cobrará vida, sin embargo, los grandes maestros de la escultura han demostrado en numerosas ocasiones que, a través de su maestría y visión creativa, es posible insuflar vida en un bloque inerte de material. Esta creencia se manifiesta en la forma en que algunas obras parecen cobrar dinamismo y expresar emociones, como si fuesen capaces de parpadear o moverse. Este efecto es particularmente evidente en el trabajo de escultores hábiles, quienes, mediante el uso de formas, texturas y juegos de luz, logran que sus creaciones eviten la rigidez del material y adquieran un carácter casi animado.

Doc Senith: "La princesa y el felino" y otras obras

 

Esta obra maestra revela inconfundiblemente el dominio del artista sobre la anatomía femenina. La posición de la doncella, el sutil doblez de los dedos del pie derecho y el meticuloso trabajo del cabello, con sus hebras delicadamente delineadas, evidencian una maestría excepcional. Asimismo, la anatomía del felino, que muestra un gesto de defensa con la cabeza inclinada y las orejas hacia atrás, junto con el reposo primoroso en el asiento, contribuye a una composición que evoca una belleza sin igual, cautivando al espectador.

En el fascinante mundo del arte 3D, pocos artistas han logrado capturar la imaginación del público como el brillante creador británico Doc Zenith. Su obra maestra, "La princesa y el felino", es una pieza de una belleza y complejidad sin precedentes, que nos sumerge en un universo fantástico y cautivador.

NOTA DE LA REDACCIÓN:

Existe muy poca información en la Red del o la artista. Algunos sitios hablan de que se trataría de una mujer. 

Web

Desde el momento en que se contempla esta obra, el espectador queda cautivado por la mezcla armoniosa de elementos dispares que la conforman. La figura central, una princesa desnuda sentada sobre un banco bellamente decorado. Ambos, princesa y felino, miran hacia un costado...

Pero la verdadera estrella de esta composición es, sin duda, el imponente felino que se yergue a su lado. Esculpido con una maestría inigualable, este depredador felino parece cobrar vida ante nuestros ojos, emanando una fuerza y una potencia abrumadoras. Sus músculos en tensión, su mirada penetrante y su porte majestuoso crean una sensación de peligro y poder que contrasta de manera magistral con la delicadeza y la vulnerabilidad de la princesa.

La mujer foca - Islas Feroe

Kópakonan, la mujer foca, está ubicada Mikladalur, en la isla de Kalsoy, una de las más septentrionales y aisladas de las Feroe. En ese lugar inhóspito y azotado por los fríos creció el mito de que todos los hombres de Mikladalur están condenados a morir en el mar.

Siempre he soñado con conocer lugares remotos (Dicho desde mi punto de vista), casi inexplorados, pero uno siempre termina yendo (cuando puede) a los centros culturales más importantes y conocidos. Es por eso que hoy doy comienzo a una serie dedicada a esos rincones del mundo y a la obra de arte más representativa del lugar.

Por Rubén Reveco - Editor

Desde tiempos inmemoriales, la exploración de destinos remotos y poco conocidos ha cautivado la imaginación de los viajeros más aventureros. Sin embargo, en nuestro afán por conocer los principales centros culturales y artísticos del mundo, a menudo dejamos de lado esos rincones que, si bien tal vez no sean tan famosos, albergan tesoros ocultos que merecen ser descubiertos y apreciados.

La escultura de Bruno Walpoth

 

Bruno Walpoth es un escultor nacido en Bressanone, Italia, en 1959. Entre 1973 y 1978 fue aprendiz de escultor con Vincezo Mussner, y hasta 1984 estudió en la academia "Der Bildende Künste" en Múnich con el profesor Hans Ladner.

Entre 1985 y 2008 fue profesor en la escuela vocacional para escultores en Selva Val Gardena. En 1996 fundó, junto con Willy Verginer y Walter Moroder el grupo "Trisma". Desde 2000 es miembro del "Südtiroler Künstlerbund".

La serena belleza de las obras de Bruno Walpoth casi hace que no sean percibidas como esculturas hasta que uno las mira con cierta atención.

Las poses, los músculos, la expresión introspectiva en la mayoría de los personajes, denotan una profunda observación del ser. En la obra de Walpoth, la madera cobra una segunda vida, esta vez encarnada en la más pura humanidad. (Fuente)

Rabbi Akiva says: “Silence is a fence to wisdom”. What more astonishing definition is able to grasp the meaning of Bruno Walpoth’s sculptures, if not this very one? There’s peace in his silence; it’s precisely this rarefied and surreal dimension that is inhabited by the creatures to whom he gives shape, and whom he models peremptorily and with perfection, after having carefully observed and studied reality.

He uses candid and resistant lime wood or lead leaf foils which he lays out on the wood and hammers as in an embossed work, like in “Walking alone”. Here it’s as if for a very brief moment flesh has turned into metal, a deaf and bleak metal that devours all thoughts and releases the weight of solitude and introspection; the skinny and bony face is moulded on the hollow spaces where the sculptor reveals himself. And when the eyes send deep desolate gleams or when they express astonishment and amazement, or, furthermore, when they are closed, it’s always the silent torment of doubt that we grasp from the artist’s soul. (Fuente)

Nikolai Endegor: Desnudos esculturales

 After "The Poet and the Muse", by Auguste Rodin, 1905. Hermitage, Saint Petersburg

Model: Darina

The image of the muse in this sculpture group is one of Rodin’s favorite motifs, best known as the “Toilet of Venus”. But the figure of the poet next to Venus-Muse exists only in the Hermitage sculpture, making it unique among Rodin's works. Probably it was added to the composition at the request of the Russian financier and philanthropist Sergey Eliseev,  who commissioned this work for his collection.

FUENTE

Este serie se ha inspirado en hermosas estatuas de mármol. Está latente la piedra fría y el cuerpo vivo que dan un nuevo sentido a la belleza. Cada obra de esta serie se generó a partir de dos fotografías: una realizada en el museo y la otra en el estudio.

Nikolai Endegor es un fotógrafo ruso radicado en París. Como fotógrafo es capaz de disparar foto-retrato muy inspiradores y tiene una gran habilidad para la fotografía de arquitectura, entre otros temas como se puede apreciar en esta entrega.

El glamur (del francés glamour) es el encanto natural que fascina. Originalmente se refería a un hechizo mágico u oculto que afectaba la percepción visual de una persona, mostrando los objetos percibidos de una manera diferente de la real y presentándolos de una manera atractiva, magnífica o glorificada. En el siglo XIX, glamur se redujo simplemente como un término que describía la belleza y la elegancia que conformaban las características de un objeto, de una manera ilusiva o romántica. La palabra "glamur" se utiliza frecuentemente en la moda para designar las características atractivas de la forma de vestir de determinada época y mercado, el estilo y la belleza intrínseca; marcando la estética, el exceso, la vanidad, la atracción sexual y diversos aspectos de la cultura popular.

After "Sleeping Hermaphrodite", Roman statue, 2d century AD. Louvre, Paris. 

Model: Ivin

Hermaphroditos, son of Hermes and Aphrodite, had rejected the advances of the nymph Salmacis. Unable to resign herself to this rejection, Salmacis persuaded Zeus to merge their two bodies forever, hence the strange union producing one bisexual being with male organs and the voluptuous curves of a woman.