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miércoles, 18 de diciembre de 2024

"Belsabé", una escultura de Benjamin Victor


Betsabé



Conocí a este escultor por su obra "Belsabé". Lo que demuestra, una vez más, que en muchos casos la obra precede al artista.


"Belsabé" es una obra que circula mucho en la web y es una de las referentes de la escultura realista contemporánea.
Según el Segundo Libro de Samuel 11, el rey David vio desde la azotea del palacio a una hermosa mujer bañándose. Quiso David informarse sobre la mujer y le dijeron que se trataba de Betsabé, hija de Eriám y mujer de Urías el hitita. David envió gente que la trajese a sus habitaciones, y tuvo relaciones con ella a raíz de las cuales ella quedó embarazada. Betsabé envió a decir a David que ella estaba encinta y desde ahí, en más, empezaron los problemas.




lunes, 9 de diciembre de 2024

Dmitriy Egorov: La idea de belleza femenina y virtual

 


El ruso Dmitriy Egorov es un escultor virtual. Algunos dirán que así no vale, que la escultura debe ser real y poder ser recorrida y tocada...
"Soy un artista de mi tiempo -expresa- y mi idea de la belleza femenina es la de siempre. Y también me gustan los estándares modernos de belleza. Mi obra es una especie de eclecticismo".





El arte ante el arte virtual: un análisis contemporáneo

En la actualidad, el arte enfrenta un desafío sin precedentes con el surgimiento del arte virtual. Dmitriy Egorov, representa esta convergencia entre lo tangible y lo digital, planteando interrogantes sobre la esencia del arte mismo. Muchos críticos sostienen que una escultura debe ser física, haciéndose accesible al recorrido y al tacto, privilegiando el vínculo material entre la obra y el espectador.
Sin embargo, Egorov se define como "un artista de mi tiempo", lo que implica una adaptación a la realidad contemporánea, donde las dimensiones virtuales juegan un papel crucial. Su enfoque en una pluralidad estética que amalgama la belleza clásica con los estándares modernos da pie a un cuestionamiento fundamental: ¿Puede lo virtual ser considerado arte en la misma medida que lo material?
El eclecticismo presente en su obra sugiere que la belleza no es un concepto monolítico, sino un espectro que abarca diversas expresiones. Esta diversidad también se manifiesta en la forma en que la tecnología redefine nuestra percepción y apreciación del arte. Aunque la escultura física ofrezca una experiencia sensorial única, el arte virtual desafía los límites del espacio y la forma, permitiendo nuevas formas de interacción y contemplación.
En conclusión, la dicotomía entre el arte real y el arte virtual no debe ser vista como una oposición, sino como un diálogo enriquecedor que amplía el horizonte de lo que entendemos por arte. La obra de Dmitriy Egorov ejemplifica cómo la cultura contemporánea puede encontrar belleza y significado tanto en lo tangible como en lo intangible, desdibujando así las fronteras entre ambos mundos.







sábado, 7 de diciembre de 2024

El arte de los cementerios



La palabra "cementerio", que se deriva del griego antiguo, significa "lugar para dormir". Así que esas inscripciones en las lápidas de los cementerios que dicen "Descanso eterno" o "Descansa en paz" tienen mucho sentido.

El arte de la muerte, escultura funeraria o arte cementerial no es muy popular por razones obvias. Sin embargo, eso no impide que muchos cementerios del mundo posean grandes obras de arte. En esta oportunidad nos dedicaremos a la escultura.

El arte de la escultura siempre estuvo muy presente en los antiguos cementerios cristianos, representando el dolor y sufrimiento de los que quedaban vivos. Muchos conjuntos escultóricos han sufrido las inclemencias de la intemperie o el olvido de los familiares, aun así son obras verdaderamente bellas. Tanto que ya dan ganas de ir contratando los servicios de un escultor. 



¿El lado oscuro de la belleza?

Obra del trabajo de habilidosos diseñadores, arquitectos, escultores y jardineros, los cementerios pueden resultar descorazonadoramente hermosos.


jueves, 17 de octubre de 2024

Las Tres Gracias en el arte, desde la antigua Grecia hasta el presente

 

Las Cárites, de Afrodisias, del siglo 1 A. de C. al 1 D. de C.

En la mitología griega, las Cárites o Gracias eran las diosas del encanto, la belleza, la naturaleza, la creatividad humana y la fertilidad. Habitualmente se consideran tres, de la menor a la mayor: Aglaya (‘Belleza’), Eufrósine (‘Júbilo’) y Talia (‘Floreciente’).
Las Cárites solían ser consideradas hijas de Zeus y Eurínome, aunque también se decía que eran hijas de Hera, de Dioniso, o de Helios y la náyade Egle. 
Homero escribió que formaban parte del séquito de Afrodita. Las Cárites estaban asociadas asimismo con el inframundo y los misterios eleusinos.

Hay ciertos temas recurrentes en la historia del arte y es posible verlos una y otra vez, de la mano de los artistas más diversos. Uno de esos temas es la imagen de las Tres Gracias.
Según la mitología griega, las Tres Gracias son tres diosas, hijas de Zeus y Hera: Eufrosina (Alegría), Aglaé (Belleza) y Thalía (Fertilidad). Las Gracias presidían los banquetes, las danzas y todas las actividades y celebraciones placenteras, es decir, todo aquello que en el mundo pudiera haber de agradable, interesante, atractivo... 
Las Gracias otorgaban a dioses y mortales la alegría y también la elocuencia, la liberalidad y la sabiduría. Se creía además que tenían la capacidad de dotar a los hombres de la genialidad necesaria para convertirlos en artistas eximios. (F)


Relieve romano 200 a 150 A. de C.


martes, 24 de septiembre de 2024

La Bella Durmiente de Louis Sussmann-Hellborn

 

Escultura en mármol realizada en 1880. Alte Nationalgalerie, Berlín.


Gracias a Internet he conocido (parcialmente) esta obra que me parece maravillosa y propia de un artista (que tampoco conocía) de gran talento. No he encontrado mucha más información, ni cómo el escultor logró sortear los desafíos de tallar en mármol el rosal que rodea a la Bella Durmiente.

Louis Sussmann-Hellborn (1828-1908), también escrito Ludwig Sussman Hellborn, fue un escultor alemán, pintor, coleccionista de arte y constructor.
Nació en Berlín y recibió su formación como escultor en la Academia de Artes de Berlín. Viajó a estudiar en Francia, Bélgica e Inglaterra. Vivió en Roma de 1852 a 1856. La primera gran exposición de sus obras se organizó en Berlín en 1856. Fue uno de los fundadores del Museo Real de Artes Decorativas y también participó en la construcción de una colección de esculturas en el Museo Real de Berlín.


sábado, 7 de septiembre de 2024

El detalle que no conocía (2) Agua esculpida en mármol

El arte de representar el agua en el mármol corriendo sobre los dedos del pie de la Ninfa, escultura ejecutada por el artista italiano Giovanni Battista Lombardi (1823-1880).

No sé si el agua tiene ese recorrido ondulante sobre los dedos de un pie, aun así, destaco el esfuerzo del escultor en representar un elemento tan inestable como el agua.



"Giovanni Battista Lombardi, nacido en Brescia, Italia, comenzó su aprendizaje en la cantera de mármol de su padre. Para 1851 se había mudado a Roma para estudiar con el escultor Pietro Tenerani (1789-1869) y luego trabajar en el estudio de Tenerani en monumentos, bustos y relieves de inspiración religiosa y clásica. Pronto estableció un estudio productivo propio, creando estatuas sentimentales, románticas y bustos para la burguesía italiana.
La presencia del mármol se encuentra en toda la historia y cultura del hombre. Figura y reproduce fuerza, belleza y elegancia. El uso de mármol blanco y la manera en que Lombardi lo moldeaba tan delicadamente, logra captar hasta los detalles más sutiles de la figura humana, lo que brinda a sus obras su conocido aspecto angelical.
En sus temas bíblicos, Lombardi combina sutilmente el clasicismo con el naturalismo y la reserva con el encanto."

Giovanni Battista Lombardi, “Nymph”. (1864).

sábado, 31 de agosto de 2024

"Andrómeda abandonada" y "Después de la orgía"

 

"Andrómeda abandonada" (1898) es una escultura en mármol localizada en el Museo Nacional de Arte de la Cd. de México.

Fidencio Lucano Nava es un gran exponente de la escultura mexicana del siglo XIX y XX. Presentamos sus dos obras más famosas: "Andrómeda abandonada" y "Después de la orgía".


Texto de 
Alberto Espinosa Orozco

FUENTE: 



"Andrómeda abandonada"

Esta obra da cuenta de la maestría del escultor en el opulento tratamiento de la forma humana femenina, está realizado en un bloque de mármol de Carrara. La estatua nos habla en esta ocasión de otro abandono, no a los instintos y pasiones del cuerpo, sino de la belleza misma por su amante, pues capta el momento en que Andrómeda es abandonada en la isla Día por Teseo en su camino a Atenas, luego de que el héroe diera muerte al temible Minotauro.
 

lunes, 19 de agosto de 2024

El "Caupolicán" de Nicanor Plaza y "El último de los mohicanos"

 

Caupolicán, obra de Nicanor Plaza.

La escultura que el artista chileno estrenara en yeso en 1868 fue fundida en bronce al año siguiente y replicada en Europa y los Estados Unidos como la típica imagen del nativo norteamericano descrita por el novelista James Fenimore Cooper en su célebre obra de ficción.


Por Rodrigo Barra Villalón
PUBLICADO POR: CINE Y LITERATURA

En mayo de 1910, al celebrarse el Centenario de la Independencia de Chile, un consejo del Museo Nacional de Bellas Artes redactó un acuerdo en el que accedía a donar a la ciudad de Santiago: “la estatua en bronce del héroe más característico de la raza araucana… Caupolicán”. La pieza quedó instalada ese mismo año donde sigue hasta hoy en día, a unos cien metros de altura, sobre un peñón que se eleva a un costado de la terraza del mismo nombre del Santa Lucía.

sábado, 10 de agosto de 2024

L’emancipació de l’esclavitud, per Giacomo Ginotti

 


Giacomo Ginotti: La transformación del mármol en carne viva.

Giacomo Ginotti, escultor nacido en 1845 en la zona piamontesa de Cravagliana, representa una figura clave en la historia del arte italiano del siglo XIX. Su trayectoria se caracteriza por un profundo compromiso con el estudio y la perfección de su técnica, lo cual lo llevó a convertirse en un maestro del mármol, logrando dar vida a este material inerte como pocos artistas han conseguido. A través de su formación y de sus obras, Ginotti logró no solo capturar la esencia del ser humano, sino también desafiar los límites del propio material de su elección.


Formación artística y desarrollo del estilo
Ginotti inició su educación artística en la Escola de Disseny de Varallo, un primer acercamiento al mundo del arte que le permitió desarrollar una base sólida. Sin embargo, su carrera tomó un giro decisivo cuando se matriculó en la Accademia Albertina de Turín, donde tuvo la oportunidad de ser alumno de Odoardo Tabacchi, un maestro que seguramente influyó en su estilo distintivo. La Accademia Albertina se ha erigido como un centro de formación destacado en Italia, y el ambiente artístico que allí se respira fue clave para que Ginotti cultivara su talento natural.