El sorprendente hallazgo en una obra maestra de Vermeer

Muchacha leyendo una carta en la ventana abierta, Johannes Vermeer, 1657-59. Detalle.

En 1742, por la compra de 30 cuadros de la colección privada del Príncipe de Cariñena en París para la colección del elector de Sajonia y rey de Polonia Augusto el Fuerte, le obsequiaron una pintura... ¡y qué pintura: nada menos que un Rembrandt!

FUENTE: Bbc Mundo

Así se la presentaron al secretario sajón encargado de la transacción y así fue identificada a su llegada a Dresde, hoy en Alemania. Era una obra exquisita que mostraba a una joven rubia, bañada por la luz que entraba por una ventana, entregada a uno de los actos más íntimos: la lectura de una carta.

A pesar de haber violado la privacidad de la chica, el pintor la había protegido, interponiendo una mesa y sacando de la habitación a quien se entrometiera, obligándolo a quedarse detrás de una cortina abierta. Desde esa distancia prudente, se aseguró de que todos compartieran el momento que capturó sin que nadie perturbara su encanto. Era evidentemente la obra de un genio, pero quizás no del considerado como el artista más importante de la historia de los Países Bajos. Ya para cuando apareció por primera vez en un inventario, en 1747, fue descrita como una pintura "a la manera de Rembrandt", y más tarde, fue atribuida a otros artistas de la escuela del maestro neerlandés y de la ciudad de Delft. Pasarían siglos antes de que se revelara la verdad.

¿Por qué?

Sencillamente porque, después de su muerte, Johannes Vermeer había, en gran medida, caído en el olvido, particularmente fuera de Holanda.

El arte de la pintura (Alegoría de la pintura) ¿Será él? Los expertos piensan que quizás hizo su autorretrato de espaldas en El arte de la pintura (Alegoría de la pintura).

Lorena Kloosterboer: “Se necesita de una personalidad tenaz para mantenerse en curso”

 

Conocida y valorada en el mundo por su obra pictórica, la artista holandesa-argentina Lorena Kloosterboer ha logrado un trabajo de espléndido realismo, elegante y casi fotográfico: “En el arte, uno tiene que animarse a fallar, una y otra vez”, explica. 

Por Camila Reveco 

creveco@revistaophelia.com

Fuente: Revista Ophelia

Desde hace diez años vive en Amberes, Bélgica. De madre argentina y padre holandés, la artista plástica Lorena Kloosterboer nació en los Países Bajos y fue el español su lengua materna. En el jardín de infantes aprendió a hablar holándes y al escuchar hablar a sus padres entre sí, pudo dominar el inglés. “Me siento increíblemente afortunada de haber sido criada trilingüe, -dice-básicamente recibí tres idiomas de forma gratuita sin esforzarme en aprenderlos”, y agrega: “el contraste entre mis dos culturas—la holandesa y la argentina—me formó de muchísimas maneras. Supongo que en realidad no soy ni típicamente holandesa ni argentina, pero me siento ambas a la misma vez. Por lo tanto, me describo como una latina holandesa porque siento un fuerte vínculo con la mujer latina a quien considero mi hermana”. 

De increíble oficio, Lorena es una verdadera artesana de la pintura realista, y su increíble habilidad ha sido fruto de un esfuerzo sostenido. A ella, le parece absurda ésta moda de explicar obras a través de ingeniosos discursos curatoriales. Cree, que una verdadera obra de arte se defiende por sí sola, que no necesita de la palabra para existir. Cree que el arte no es un discurso teórico: “Creo que el público –sostiene- se está cansando de necesitar un manual de traducción cuando visita una galería de arte o un museo para comprender lo que están viendo. Es ridículo tener que intentar apreciar una “obra de arte” que uno instintivamente sabe que no tomó ni mucho trabajo, ni esfuerzo, ni conocimiento técnico para realizarse, y que solamente por comercialización y publicidad está expuesta en un lugar de cierto nivel”. 

La cruzada de los Niños

 

En 1212, un niño francés afirmó que Jesucristo le había pedido que condujera a cerca de 30.000 menores a la reconquista de Tierra Santa. No obstante, la travesía terminó cuando un grupo de mercaderes engañó a los niños para embarcar hacia Oriente Próximo, pero en realidad los vendieron como esclavos.

FUENTE

de España

Entre la realidad y la leyenda, se mueve un episodio insólito de la historia medieval y de las cruzadas que terminó, como suelen hacerlo los grandes éxodos de personas, en una tragedia de dimensiones bíblicas. A principios del siglo XIII, un niño francés procedente de la pequeña ciudad de Cloyes, al que se le había aparecido Jesucristo, según él, para encomendarle la reconquista de Jerusalén, consiguió reunir a cerca de 30.000 niños y algunos adultos para dirigirse a Tierra Santa. Tras pasarse semanas rezando en Niza para que Dios obrara el milagro de trasladarlos por vía marítima a Oriente Próximo, los pocos niños que aún sobrevivían en la expedición, azotada por el hambre y las deserciones, aceptaron la proposición de un grupo de marineros locales que prometían poner a su disposición una maltrecha flotilla. Estando cerca de Alejandría (Egipto), la Cruzada de los niños terminó dramáticamente cuando los marineros vendieron a los niños como esclavos.

LA FUENTE MILAGROSA (Altazor, poesía y canción) Vicente Huidobro

 

A pesar de que no se publicó hasta 1931, el gran poema épico de Vicente Huidobro, Altazor, fue escrito en 1919.

Huidobro mismo decía haberlo empezado al final de la Primera Guerra Mundial. Se gestó entre París y Madrid entre 1919 y 1931, publicado en Madrid en 1931. Son los años más brillantes de las vanguardias.

1. Identificación de la fuente

Autor: Vicente Huidobro (Santiago de Chile, 1893 - 1948), poeta chileno, fundador del Creacionismo.

Obra: Altazor o el viaje en paracaídas

Datación:

A pesar de que no se publicó hasta 1931, el gran poema épico de Vicente Huidobro, Altazor, fue escrito en 1919. Culturaca

Huidobro mismo decía haberlo empezado al final de la Primera Guerra Mundial. Se gestó entre París y Madrid entre 1919 y 1931, publicado en Madrid en 1931. Son los años más brillantes de las vanguardias.

Ubicación exacta de tu fragmento:

Canto IV. No hay tiempo que perder. Enfermera de sombras y distancias... Hay un espacio despoblado, Que es preciso poblar... Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes - texto completo de Altazor

Tu cita va desde:

Hay un espacio despoblado / Que es preciso poblar...

hasta:

...La rosa rompe sus lazos y florece al reverso de la muerte

Todo pertenece al Canto IV, de 339 versos, que empieza con el verso-manifiesto: "No hay tiempo que perder".

Little Nemo in Slumberland: El primer gran clásico del cómic

Un auténtico blog de cómics debe incluir obligatoriamente al clásico de los clásicos, el pionero de los cómics modernos tanto en forma como en concepto, para el disfrute de sus lectores.

Little Nemo in Slumberland es un cómic de Winsor McCay, considerado el primer gran clásico de la historia del cómic. Se publicó, por primera vez en el New York Herald entre el 15 de octubre de 1905 y el 23 de julio de 1911. Aunque no se traduce al castellano, literalmente sería "El pequeño Nemo en el País de los sueños".

El protagonista del cómic era un niño llamado Nemo -"nadie", en latín-, y cada página dominical de la serie correspondía a un sueño suyo. El protagonista despertaba siempre en la última viñeta de la página, a veces entre llantos, cayendo de la cama, o debiendo ser atendido por sus padres. Los sueños de Nemo, sin embargo, tenían continuidad narrativa, lo que daba a la serie una estructura folletinesca muy adecuada para introducir numerosos personajes secundarios y mostrar un mundo de los sueños (Slumberland) de una gran riqueza narrativa.

Al comienzo de esta serie, visita a Nemo en sus sueños un emisario del rey Morfeo, con la orden de llevarle al País de los Sueños, donde deberá convertirse en compañero de juegos de la Princesa (cuyo nombre no se menciona en el cómic). Lo consigue, tras muchas vicisitudes, pero entonces su sueño es interrumpido por la aparición de un extraño personaje, Flip, que lleva un sombrero de copa con la frase "Wake Up" ("Despierta") escrita en él. Desde entonces, Flip se convierte en el principal antagonista de Nemo, pues, sólo con verle, manda al protagonista de vuelta a la prosaica realidad. Flip termina convirtiéndose en un compañero algo gamberro de Nemo, y aparecen otros personajes secundarios, como el Doctor Píldora, el Imp, el Niño Caramelo y Santa Claus, además de los anteriormente citados.

10 formas en que el celular afecta el cuerpo y la mente

Cada mes recibo un resumen por correo de los contenidos de Selecciones el Readers Digest. En la edición de febrero, encontré este artículo que debería ser de gran interés. Actualmente son 4 mil millones de personas las que tienen celular. La mitad de la población mundial.

1. Primero, Emergency Medicine que analizó diligencias de emergencia a lo largo de 11 años, reveló que se salvaron 137 vidas más por cada 100.000 pacientes cuando se llamó al 911 desde un teléfono móvil en vez de una línea fija. 

Apeles: Zapatero a tus zapatos

Un zapatero le indica a Apeles un error de diseño de una sandalia pintada por el artista. Apeles fue uno de los más queridos y afamados pintores de la Edad Antigua. Nació en Colofón, en el año 352 a. C.; y falleció en Cos el 308 a. C.

 Se cuenta de Apeles que era bastante receptivo y abierto a la crítica constructiva. Según recoge Plinio el Viejo,​ en una ocasión un zapatero se dio cuenta de un error cometido por el pintor en los zapatos de una figura de un cuadro y lo criticó. Apeles corrigió el error de inmediato. Envanecido el zapatero, hizo otra observación sobre las piernas, a lo que el artista contestó: «Ne supra crepidam sutor judicaret», es decir «El zapatero no debe juzgar más arriba de las sandalias», frase que ha quedado reducida al dicho español: «Zapatero, a tus zapatos».

Pintura mural de Pompeya donde se cree que se representa la Venus Anadiomena del pintor Apeles.

Se pensó, basándose en los escritos de Ovidio y de Plinio el Viejo,​ que habría nacido en Cos el año 352 a. C., aunque según Estrabón era de Éfeso​ y, según la Suda, habría nacido en Colofón. Fue discípulo del artista Pánfilo de Anfípolis, en Sición. Apeles fue el pintor elegido por Alejandro Magno para perpetuar su imagen. Alejandro era consciente del poder de propaganda que puede tener el arte y supo muy bien controlar la reproducción de su efigie, cuya realización sólo autorizó a tres artistas: un escultor, un orfebre y un pintor. Los biógrafos de Alejandro cuentan que este tenía en gran aprecio al pintor, y que visitaba con frecuencia su taller y se sometía a sus exigencias.

Alejandro el Grande visita a Apeles mientras está pintando a Campaspe. Cuadro de Giambattista Tiepolo.

La dama del tren

Cada mes recibo un resumen por correo de los contenidos de Selecciones el Readers Digest. En la edición de febrero, encontré este relato completo escrito por la autora holandesa Rima Datta.

En un viaje a lo largo de la campiña austríaca, hicimos una conexión extraordinaria. Ella se sube al tren en Salzburgo. Al tiempo que este sale de la estación, la veo parada en el pasillo afuera de mi compartimiento. Una mujer de cuarenta y tantos años, elegantemente vestida con un saco de gamuza color durazno y una falda larga de seda negra. La miro con el rabillo del ojo, deseando que halle asiento en otro sitio.

Pero se detiene, mira de un lado a otro del corredor, sin decidirse. Después, asoma la cabeza por la puerta y pregunta con vacilación, si los otros cinco asientos están ocupados. Están desocupados. Excepto en el que tengo subidos mis pies. Empiezo a bajarlos, pensando que en este país ¡uy! tan formal, no es muy propio poner mis pies descalzos en un asiento vacío.

Cuatro obras (mías) sobre Santiago de Chile

 

"La niña que sonríe". Dibujo sobre cartulina. 

Representar a la ciudad que se habita es un atractivo muy importante para cualquier artista plástico.

Representar la ciudad que se habita es un atractivo muy importante para cualquier artista plástico. Este acto no solo implica la plasmación de elementos visuales, sino que se convierte en un diálogo profundo entre el creador y su entorno. La ciudad, con su pulso, sus texturas, sus luces y sus sombras, ofrece un lienzo inagotable de inspiración.

Por Rubén Reveco - Editor

Para el artista, la urbe se transforma en una extensión de su propia identidad, un reflejo de vivencias y percepciones. Cada calle, cada edificio, cada rincón, puede ser interpretado y reinterpretado a través de la subjetividad del pincel, el lápiz o la cámara. Esta representación va más allá de la mera mímesis; busca capturar la esencia, el alma del lugar, revelando aspectos que a menudo pasan desapercibidos en la rutina diaria.

Asimismo, al representar su ciudad, el artista se erige como un cronista visual, un intérprete de la memoria colectiva. Su obra puede documentar cambios, preservar la historia o proyectar visiones de futuro. Se convierte en un puente entre el pasado y el presente, entre lo tangible y lo intangible. En este sentido, la representación artística de la ciudad no es solo un acto estético, sino también un compromiso social y cultural que enriquece tanto al creador como a la comunidad que lo observa."

Torres de San Borja

Realicé este dibujo en 1984 cuando intentaba ser un artista hiperrealista. Cometí un gran error al pensar que solo era cuestión de tiempo lograrlo.

En ese momento, descubrí la admiración por el trabajo de estos artistas, que va más allá de la habilidad técnica. Requiere una gran fuerza espiritual y dedicación. Además, es fundamental encontrar un tema que te inspire o darle tu propio estilo al tema. Es importante no dejarse llevar por los elogios del tipo "¡parece una foto!", ya que no siempre son positivos para un hiperrealista, ni tampoco críticas. Por último, es necesario enfrentarse a quienes cuestionan si tu obra refleja el espíritu de la época, si es válido invertir meses en un dibujo, si es anacrónico, entre otros aspectos. Ser un artista hiperrealista no está al alcance de cualquiera, por eso son tan escasos.

Nick Alm: Sociales de gente linda

"Escena de café / Cafe Scene", óleo sobre lienzo.

Nick Alm es un reconocido pintor sueco nacido en 1985, que vive y trabaja en Estocolmo.

Cuenta que dibuja desde que tiene memoria, y que una visita al Museo de Goteburgo tuvo un gran impacto sobre él, lo que le animó a comenzar a pintar al óleo.

Nick entró en la Academia de Arte de Florencia en 2007, donde también ocupó un puesto como asistente de enseñanza. Después de graduarse en 2010, recibió una beca para unirse a la Hermandad del Río Hudson. Al año siguiente estudió con Odd Nerdrum en Noruega y Francia antes de regresar a Suecia.

FUENTE

Después de su instrucción formal pintando estrictamente del natural, empezó a utilizar otras fuentes para crear sus composiciones (fotografías de referencia, su imaginación, experimentos en photoshop). Nick comenta este proceso: "Fue gradual. Era problemático depender siempre de modelos del natural. No sentía que era necesario trabajar siempre a partir del natural, ya que a menudo me desviaba bastante de la naturaleza. Trabajar con fotos y la imaginación reduce mucho el estrés, pero tiene sus pros y sus contras, ya que el estrés tiene el beneficio de hacerte más eficiente".

«El proceso creativo varía, pero principalmente involucra pequeños bosquejos en miniatura con lápiz y papel, y experimentos en photoshop.

La primera visión es una gran inyección de dopamina, y ver la imagen cobrar vida tiene algo de magia. Sin embargo, rara vez es un paseo por el parque. A menudo me quedo atascado con la composición, sin saber cómo resolver el problema. Sin embargo, es peor descubrir un problema una vez que el cuadro ya está pintado."

«La inspiración puede venir de libros, películas y otros artistas, o los motivos aparecen en el entorno inmediato: la luz, un incidente, un gesto expresivo. Sin embargo, la inspiración es a menudo un proceso subconsciente que es difícil señalar. Todos llevamos un banco de memoria que trabaja constantemente bajo el radar y nos proporciona ideas extrañas. No hay ideas que simplemente ande esperando, pero la mejor manera es tomar el bolígrafo y empezar a bocetar. El carácter indefinido y abstracto del bosquejo de la idea deja un gran margen para las asociaciones, y por lo tanto, las nuevas ideas suelen surgir en esta etapa.»

Nick con su obra "Escena de café"