En el taller del artista todo puede suceder

 

 Pintura de Adolf Reich

No siempre en un lugar amplio y confortable, pero en el colectivo imaginario el taller del artista es un lugar en el cual la fantasía se hace realidad. Lo cierto que este espacio fue, es y será un lugar diferente, bohemio y propio de creadores. 
Pinturas y fotografías de talleres de artistas plásticos

Una caja de sueños

¿Dónde trabaja el creador de arte, en cuál horno se cuecen las obras artísticas? La respuesta es clara, en el taller.
El taller se asocia con los gremios y tiene su origen en la Edad Media. Hasta hace muy poco el término taller estaba minusvalorado y se utilizaba el afrancesado Atelier, o más eufemístico el de Estudio. Hoy el idioma español tiene cada vez más prestigio y el término taller es el preferido. Es que taller da una idea de trabajo duro, arduo y de obra trabajada minuciosamente, con amor al trabajo como el artesano medieval.

En el taller es dónde está reunida toda la parafernalia del artista, sus pinceles, pinturas, caballetes, libros, fotos, piezas recogidas en la calle, artículos de periódicos y revistas sobre él o sobre otros, y hasta objetos íntimos.

En el taller es donde vemos el comportamiento primario del individuo artista, del ser que tiene que cohabitar con objetos y personas para crear imágenes, ideas y sueños.

¿Por qué es tan famosa la Mona Lisa?

 

"Toda vida bien empleada es una larga vida"

Se ha escrito tanto sobre Leonardo y la Mona Lisa que me ha costado realizar esta entrega, promocionada con el pretencioso título de “Historia de la pintura más famosa del mundo”. Mi intención es no crear demasiadas expectativas, ya que esto no pasará de ser un esfuerzo en solitario por conocer la historia de esta pintura y las razones que la convierten en una obra de arte. 
Tampoco me considero un especialista en la vida de Leonardo, apenas un admirador más de su obra. Admiración que espero no me haga perder objetividad. Se dice que el que admira nunca podrá realizar un análisis certero del objeto que admira. Está obnubilado.

Por Rubén Reveco, editor

Señora Lisa, ¿Quién es realmente usted?                          

Aquí reproducimos tres imágenes de la Gioconda. Obviamente que no podemos acceder al original, pero no crean ustedes que la expuesta en el museo del Louvre se ve mejor que estas. En 500 años ha perdido su color original. Si la miramos en detalles muchos sectores están resquebrajados por exceso de pintura y amarillenta por exceso de aceite. Lo que vemos ahora no es lo que vieron los contemporáneos de Leonardo, pero la esencia sigue siendo la misma: el retrato de una mujer sentada en un sillón con el brazo izquierdo apoyado en el asiento. ¡Primera sorpresa, la Mona Lisa está sentada!
Cuando Leonardo de Vinci empezó a pintarla en 1503, hacía once años de que Europa había descubierto un  Nuevo Mundo y de lo que sería la Argentina (desde donde escribo estas líneas) sólo se conocía parte de la costa Atlántica. Descubrimiento que había realizado el navegante italiano Américo Vespucio. Italiano, florentino y coetáneo de Leonardo. Prácticamente nacieron en el mismo año.
En 500 años ha salido muy poco del Louvre. En 1911 se la robaron y durante dos años estuvo desaparecida. El ladrón la mantuvo oculta en Italia y aduciendo razones nacionalistas, pretendió rescatarla para su país. En la década del 60 viajó a Estados Unidos y en 1974, a Japón. Desde esos años, la Mona Lisa no va al mundo, el mundo va a la Mona Lisa.

Los prerrafaelistas (2) John Everett Millais

Existen ciertas obras que preceden al nombre de los artistas. Desde niño recuerdo a "Ofelia" sin importarme mucho quien era su autor y menos si este tenía un difícil nombre inglés imposible de memorizar y pronunciar.

La pintura -vista en pequeñas láminas- me fascinaba no sólo por el tema de una hermosa joven flotando en el agua (parecía muerta pero estaba con los ojos abiertos) sino, también, por los exquisitos detalles representados a su alrededor.

Por Rubén Reveco - Editor

"Ofelia"

Con los años descubrí que Ofelia en realidad se había suicidado, que era un personaje trágico y que William Shakespeare algo tenía que ver en todo el asunto.

La muerte de esta joven había sido motivo de inspiración de varios artistas del siglo XIX, como Arthur Hugues, Alexandre Cabanel o John Williams Waterhouse entre otros. Pero la mejor imagen que puede verse es la del famoso óleo del pintor John Everett Millais, considerado como el sucesor de Turner.

El suicidio es descrito en la obra de Shakespeare en el cuarto acto, cuando Ofelia ya inmersa en la locura, cantando e intentando ornamentar con flores la rama de un sauce que al romperse la hace caer al río.

En la obra de Millais, Ofelia aparece flotando en las aguas, rodeada de flores silvestres, que en Hamlet se mencionan repetidamente en el monólogo de Gertrude, su madre y única persona que la entendió y apoyó y que fue testigo último de su desgracia.

Michal Lukasiewicz: Cara pintada

 

Magnifica obra de este joven artista polaco radicado en Amberes, Bélgica.

Algo de Vermeer de Delft, algo de Leonardo, en la forma y contenido de la obra de este pintor. Encontramos una fina y elaborada textura en el soporte donde trabajó posteriormente esos rostros que nos miran. Ese es el secreto de su propuesta tan clásica como contemporánea.

Algo, también, de Mona Lisa en esas cejas casi depiladas y esos sfumatos que tan bien armonizan con los colores primario. Un hallazgo.

Más información

Dalí, ¿sólo 20 buenas pinturas?

Salvador Dalí (1904 - 1989)

Salvador Dalí siempre nos gustó. Para cualquier estudiante de arte era un referente casi obligado y fuente de inspiración surreal. Sin embargo, hace poco pude acceder a un catálogo con toda su extensa producción, ¡oh, sorpresa! No conté más de 20 pinturas que puedan considerarse como buenas obras de arte.

Por Rubén Reveco - Editor

Bueno, veinte pinturas no está mal. Pero si las comparamos con la totalidad de su producción (casi 1500), veinte es muy poco. Dalí pintó mucho e hizo mucha mala pintura. Recién a sus 28 años aparece la "Persistencia de la memoria", sus famosos relojes derretidos y su primera pintura que podemos considerar como surrealista. Su mejor producción fue realizada durante la década del 50, más académica y de inspiración religiosa.
Las veinte seleccionadas son las que encontraremos en cualquier libro y revista de arte. Muy poco para una leyenda del arte del siglo XX.

Catálogo de obras

1) La persistencia de la memoria (1931)

Ser o no ser (artista)

¿Para qué ser artista? ¿Sirve de algo el arte? ¿Sería muy diferente en mundo sin el arte? Millones de personas se dedican a alguna actividad artística y otras tantas lo disfrutan.
Me hacía estas preguntas cuando me encontré con este texto que reproduzco. No concuerdo con todo ni me responde todas las preguntas, pero plantea cosas muy interesantes y está bien escrito. Lo comparto.

¿Sirve de algo un titulado de artista?

Por Iram López Cruz

Recuerdo que cuando se hablaba de artistas, sobre todo artistas plásticos la imaginación volaba y veía un mundo muy curioso donde la libertad y el libertinaje estaban presentes en cada acto de la vida de  un pintor. Mucha diversión simple, muchas mujeres, muchas reuniones, noches largas en donde el pintor aún con los vapores de alcohol y sexo trabajaba en lo que le hacía feliz: Pintar, sólo pintar ahí, en soledad, en su buhardilla iluminada por la luna o por un pobre y viejo foco de luz o incluso con velas débiles, muerto de hambre pero saciado de Arte y poesía de la vida, borracho de alcohol y vida y esperanzas, vacío del estómago pero lleno de ideas e ilusiones. Recuerdo que intenté ser esa clase de artista, aún cuando soy un abstemio y que ni un cigarro fumo y aún con la nada afortunada vida amorosa que mantengo aún el día de hoy. Pero recuerdo que intentaba recrear ese mundo bohemio, lleno de pláticas largas, noches de discusión y puntos de vista; sólo que…no estaba en un país, ni en un lugar, ni en una época tan románticos; mi vida era la de  un estudiante de arte en la Escuela Nacional de Pintura. Escultura y Grabado “La Esmeralda”; ahí en esos 19 ó 20 años intentaba recrear la romántica vida de artista que suponía debía ser o que al menos había imaginado, pero que realmente no existía, no era real.

Pocos alumnos de la Esmeralda, muy pocos daban importancia a sacar el documento de Licenciatura porque la idea era que nuestras obras hablarían más que un simple documento, estábamos ahí para aprender técnicas, aprender historia, datos y sobre todo para competir y convivir con otros aspirantes a Artistas, pero ninguno tenía (o muy pocos, diría que menos de la mitad) la idea de tener una Licenciatura y colgar nuestros títulos en un marco para mostrarlo con orgullo a los  visitantes. Existía, sí, esa vanidosa e idealizada idea de que éramos Artistas y que no necesitábamos, como Dalí, como Picasso y otros genios,  el documento que avalara y respaldara nuestro talento; se llegaba a pensar: Cuando salga de aquí ya verán de lo que soy capaz, no necesito la escuela, basta mi talento y mi genialidad para sobresalir en el mundo del Arte.

Lo mejor de Georges de la Tour, el pintor de la velas

Si hay un episodio controversial en el Nuevo Testamento es el de la concepción de Jesús. Para el creyente no existe problema alguno porque es un asunto de fe.

¿Acaso no le pareció raro a San José que María se quedara embarazada cuando nunca había intimado con ella? Pues no, porque había sido visitado en sueños por un ángel que le explicó todo: el Espíritu Santo, en forma de paloma, había engendrado al futuro mesías en el vientre de María, que seguía siendo virgen.

El caso es que José se hizo cargo del futuro bebé Jesús y gracias a este buen señor, Jesús pudo formar parte de la estirpe de David, como prometían las profecías, ya que José era descendiente de David. Además así pudo salvar el pescuezo a su esposa, ya que el adulterio implicaba que la pobre fuese apedreada según lo dispuesto en la Torá.

En cualquier caso este santo despertó las simpatías de toda clase de gente, desde padres de familia (putativo o no) a obreros, que lo consideraron su patrono.

Georges de la Tour también sintió alguna conexión con el santo y lo representa recibiendo las noticias exactamente que como se cuenta en la Biblia: mientras dormía. El ángel lo visita en sueños y le cuenta la extraña noticia. Un ángel, por cierto, bastante no-ángel, sin alitas murillescas, ricitos querubínicos, ni florituras empalagosas.

Por supuesto, en toda obra de este barroco francés no puede faltar una fuente de luz, en la mayoría de los casos una vela, que aquí el maestro tiene la audacia de tapar completamente, para que paradójicamente reciba todavía más protagonismo.

Duffy Sheridan: ¡Muy fino!

 

Duffy Sheridan es un artista norteamericano de gran prestigio. Sus pinturas pueden ser encontradas en centros de colección de todo el mundo.

Su obra expresa un excelente dominio del color con una gama cromática basado en los marrones, amarillos, rosas... Además, es un gran dibujante.

Duffy Sheridan ha estado pintando desde niño. Su padre, también artista, lo animó a aprender a hacerlo. Ha viajado por el mundo y dedicado su vida artística a descubrir cualquier expresión de belleza en lo que ve.

Aunque su familia y él han pasado muchos años en un retiro relativo en lugares remotos del mundo, el trabajo de Sheridan ha atraído la atención de los coleccionistas en los cinco continentes.

Desde su regreso a los Estados Unidos en 1991, su trabajo ha recibido la aclamación internacional.

Durante casi 35 años, las enseñanzas de la fe Baha'i ha sido su influencia primaria tanto en su vida como en su trabajo, y ha dominado su búsqueda continua de ese balance entre el trabajo manual y la expresión artística que permite elevar, de alguna manera, la condición humana.

"Entonces la Virgen del Cielo se asomó desde su Exaltado Aposento - Óleo sobre lino".

Los robots no tienen derecho de autor en USA

La Justicia de EEUU dictaminó que el arte creado por IA no tiene derechos de autor El dictamen de la jueza federal Beryl Howell subraya que “la autoría humana es un requisito fundamental” para el copyright.

 

 FUENTE

En una sentencia que podría tener implicaciones significativas para la industria del entretenimiento y el floreciente campo de la inteligencia artificial (IA), la jueza federal Beryl Howell del Distrito de Columbia ha confirmado la postura de la Oficina de Derechos de Autor de EEUU de que las obras creadas con IA no pueden acogerse a la protección de los derechos de autor.

Thaler, director ejecutivo de la empresa de redes neuronales Imagination Engines, solicitó registrar un sistema de IA -la Máquina de Creatividad- como único creador de una obra de arte titulada “Una entrada reciente al paraíso”. Luego de que la Oficina de Derechos de Autor de EEUU denegara la solicitud, afirmando que la conexión entre la mente humana y la expresión creativa es un elemento vital de protección, Thaler interpuso una demanda, impugnando la denegación y el requisito de autoría humana de la oficina. Argumentó que la IA debería ser reconocida “como autora cuando cumpla los criterios de autoría”, y que la propiedad debería recaer en el dueño de la máquina.

La demanda de Thaler sostenía que la denegación de la oficina era arbitraria e infringía la Ley de Procedimiento Administrativo.

Natalie Portman: Sexualización infantil en Hollywood

Natalie Portam habló sobre la sexualización infantil el hollywood (Foto: AFP)

La actriz contó lo duro que fue para ella el ser representada como una “Lolita” y lo que le provocó ser hostigada por su apariencia. A los once años, Natalie Portman fue elegida para representar a Mathilda Lando en la película “León: The Professional”, lo que la volvió una sensación en Hollywood. Sin embargo, también hizo entrar en el delicado mundo de la sexualización infantil.

Una tras otra “Heat”, “Beautiful Girls”, “Every Say I Love you”, entre otras cintas en las que participó representaron su asenso al estrellato y la representación de su personas como un figura “Lolita”, contó Portman en el podcast Armchair Expert al hablar de la sexualización de las actrices infantiles en las cintas hollywoodenses.

Ser sexualizada cuando era niña, creo que me quitó mi propia sexualidad porque me dio miedo, y me hizo [sentir] que la forma en que podría estar segura era decir, ‘Soy conservadora’ y ‘Yo hablo en serio y deberías respetarme ‘,’ soy inteligente ‘y ’no me mires de esa manera’

A poco más de una década de haber nacido, Natalie Portman tuvo que levantar muros para protegerse a corta edad de este fenómeno. Sobre todo, “Star Wars: Episode I – The Phantom Menace” puso mucha presión durante la adolescencia porque la volvió un ícono ante el público.

Contó que las personas a su alrededor en aquel entonces se quedaron con una impresión de que era “seria y conservadores”. Pero, esta actitud no fue para la actriz más que una forma de mantenerse segura conscientemente.