Tres años de guerra entre Ucrania y Rusia (Todo lo publicado en el blog)

La guerra entre Ucrania y Rusia, que se inició en 2022, ha marcado un hito trágico en la historia europea contemporánea, prolongándose ya por tres años. Este conflicto, originado en un contexto de tensiones geopolíticas y la búsqueda de influencias regionales, ha tenido repercusiones significativas tanto en el ámbito local como internacional.

Desde el inicio de las hostilidades, la invasión rusa ha sido condenada enérgicamente por la comunidad internacional. Países y organizaciones han implementado sanciones económicas contra Rusia, buscando desactivar su capacidad militar y restringir su economía, mientras que Ucrania ha recibido apoyo militar y humanitario de diversas naciones. Este empoderamiento ha permitido al ejército ucraniano resistir y, en algunos casos, recuperar territorios ocupados, desafiando las expectativas iniciales de una rápida victoria rusa.

Los costes humanitarios de este conflicto son incalculables. Miles de civiles han perdido la vida y millones han sido desplazados, generando una crisis de refugiados que ha afectado no solo a Ucrania, sino a toda Europa. Las infraestructuras del país han sufrido daños devastadores, lo que plantea desafíos adicionales para la reconstrucción futura y el desarrollo socioeconómico del Estado ucraniano.

A pesar de varios intentos de negociación, la paz sigue siendo esquiva. Las diferencias en las posiciones de ambos países y la falta de un compromiso genuino han dificultado cualquier avance significativo en el diálogo. La prolongación de este conflicto no solo reitera la fragilidad de la seguridad europea, sino que también subraya la necesidad de establecer un orden internacional basado en el respeto a la soberanía y la integridad territorial de las naciones.

En conclusión, tres años de guerra entre Ucrania y Rusia han revelado las complejidades de las relaciones internacionales en el siglo XXI. El sufrimiento humano y la inestabilidad regional continúan intensificándose, lo que resalta la urgencia de soluciones diplomáticas efectivas y el compromiso de la comunidad global para restaurar la paz en Europa del Este. La lección más significativa que se extrae de este conflicto es la imperiosa necesidad de prevenir futuros brotes de violencia mediante la cooperación y el respeto mutuo entre naciones.

Así fue el primer día de guerra-

Los cómics rusos sobre la guerra contra Ucrania

Yevgeniy Golovchenko, experto en comunicación política rusa, ha conversado con EUvsDisinfo sobre su investigación, los cómics rusos, la serie Odnazhdy del canal Rybar y la glorificación de la guerra de Rusia como elemento de un esfuerzo propagandístico más amplio que abarca todos los ámbitos. También nos habló de cómo la desinformación y la manipulación se contraatacan con éxito fuera de Rusia.

FUENTE

Tres páginas del cómic de propaganda militar rusa sobre el asesinato del piloto desertor Kuzminov en España. (F)

¿Sobre qué tema específico versa tu investigación?

Soy profesor adjunto en el Departamento de Ciencias Políticas de la Universidad de Copenhague y del Centro de Ciencia de Datos Sociales de Copenhague, donde llevo a cabo una investigación sobre comunicación política y relaciones internacionales. En 2020 escribí mi tesis doctoral sobre la desinformación pro-Kremlin en las redes sociales, y en ella estudié temas como la difusión de desinformación rusa en las redes sociales, lo extendida que está y cómo se la rebate en las redes.

¿Cómo se han convertido los cómics en un vehículo para la desinformación?

Creo que queda cada vez más claro que Rusia no solo produce propaganda y desinformación en la televisión estatal o en los canales de redes sociales más tradicionales, sino que hace incursiones en distintos espacios y productos culturales. Uno de ellos son los cómics y los tebeos. En los últimos años, han surgido muchas series de cómics que, básicamente, sirven como propaganda del Estado ruso y su esfuerzo bélico.

¿Cómo hacer un prompt perfecto para IA?

 

Aprender a crear contenido con inteligencia artificial.

¿Qué son los prompt? Los prompt son las solicitudes que el usuario hace a la inteligencia artificial. O sea, la forma en la que el ser humano se comunica con la IA.

Por Rubén Reveco - Editor

"Los prompts son instrucciones o estímulos lingüísticos diseñados para guiar la generación de contenido, ya sea textual o visual, por parte de sistemas de inteligencia artificial. Estos enunciados sirven como punto de partida, facilitando la interacción entre el usuario y la tecnología, y permiten obtener respuestas coherentes y relevantes en función del contexto proporcionado. En el ámbito de la IA, los prompts son fundamentales para optimizar la calidad y precisión de las respuestas generadas".

Cuanto más claro tengas cómo usar un prompt y más precisión muestres a la hora de hacer tu solicitud, mejor será el resultado que te proporcione la IA. Es decir, tienes que ayudar a la herramienta a entender tu solicitud para que el resultado sea lo mejor posible.

¿Cuáles son los puntos fuertes de un buen prompt para crear contenido con inteligencia artificial?

Claridad: el punto clave, ser claro en la petición que mandas para evitar que el contenido generado por IA se vaya por las ramas. 

Contexto: ofrecerle un contexto a la inteligencia artificial es clave para conseguir el mejor resultado y sea coherente con tu petición.

Específico: para evitar cualquier confusión por parte de la IA, es importante que especifiques todo lo que puedas en tu mensaje. Por ejemplo: no es lo mismo solicitar “un texto sobre la importancia de los seguidores”, que “un texto sobre la importancia de los seguidores en TikTok”.

También es importante tener en cuenta el tipo de inteligencia artificial con la que trabajas: por ejemplo, en Metricool puedes ahorrarte la longitud y el tono, porque lo seleccionas en otro apartado.

De esta forma no gastas caracteres y puedes mandar un prompt aún más concreto.

Lo que yo pretendo es más o menos esto: Pintura de Cesare Maccari que representa a Leonardo pintando a Lisa Gherardini.

Jodorowsky cumple 96 años: «Hay que mantener vivos la mente, el corazón, el cuerpo y el sexo»

Creador del Movimiento Pánico con Arrabal, icono en el mundo del cómic y amante del tarot, rezuma entusiasmo. Y desmiente haber violado a una actriz. Dos películas le esperan.

FUENTE

(Entrevista realizada cuando Jodorowsky cumplió 90 años)

Estamos solos. Su mujer ha salido, la gata gris sólo aparece cuando, al final, me lee el tarot. Fuera, nieva. ¿Solos? Rodeados de libros. Paredes llenas de arriba a abajo. Hay cómics y ediciones en chino y ruso. Alejandro Jodorowsky ofrece un cojín y chocolatinas suizas. Un cuadro inquietante nos contempla. Al final de la conversación sabré que es de su esposa, Pascale Montandon. Jodorowsky cumple 90 años este domingo lleno de libros, teatro pánico, películas… Inventor de la psicomagia. Cinco millones de seguidores en redes sociales. De un pueblo del norte de Chile a París con escala en México. Cuatro hijos, tres esposas. Una vida que contó en La danza de la realidad. Con cuerda para rato: dos películas, cuatro cómics en marcha.

¿Cuál es el secreto para llegar a los 90 en plenitud?

No es ningún secreto. Hay cuatro elementos en un ser humano: intelectual, emocional, sexual/creativo y corporal. Hay que mantener vivos la mente, el corazón, el cuerpo y el sexo.

¿Hay sexo a los 90?

A cualquier edad se funciona en formas distintas. Tengo una mujer que tiene 43 años menos que yo.

14 de febrero: Amor y desamor

El emperador romano Marco Aurelio Flavio (213-270), elevado al trono como Claudio II y conocido con el sobrenombre de El Gótico, prohibió a sus soldados el matrimonio en el año 270, al considerar que los hombres casados son malos guerreros y, por tanto, habrían de servir mal a las necesidades del Imperio. San Valentín, por entonces obispo de Interamna, se opuso, invitando a las parejas de jóvenes enamorados a acudir a él para unirlos en secreto en el sacramento del matrimonio.

Enterado el emperador de estas prácticas contrarias a su decreto, le hizo llamar y trató de convencerle de sus tesis, exigiéndole el cumplimiento de su mandato, so pena de ser ejecutado. Valentín se negó a abjurar de sus convicciones e, incluso, trató de convertirle a él al cristianismo. El 14 de febrero de 270, Valentín fue apaleado, lapidado y finalmente decapitado. Cuenta también la leyenda que mientras el obispo esperaba el cumplimiento de su sentencia, se enamoró en la cárcel de la hija ciega de su carcelero, Asterius, y que gracias a su fe le devolvió milagrosamente la vista. 

Al despedirse, dejó un mensaje para la muchacha, que firmó “De tu Valentín”. Doscientos años después, el Papa Gelasio instituyó la festividad de San Valentín, considerándole santo patrón de los enamorados, lo que, andando el tiempo, daría lugar a la costumbre del Día de los Enamorados o Día de San Valentín. Por cierto, los restos mortales de este santo se conservan en la madrileña iglesia de San Antón (sita en la castiza calle de Hortaleza), donde llegaron como presente papal a la corona española.

Leonardo o cómo hacer un círculo perfecto

 

A Leonardo da Vinci le fascinaba la geometría aplicada al arte. Había que medir, calcular y buscar las proporciones exactas en los cuerpos. Hábito heredado de la antigua cultura clásica y común a todos los hombres del Renacimiento.

Por Rubén Reveco - Editor

A lo largo de la historia del arte, pocos artistas han logrado amalgamar de manera tan efectiva la ciencia y la estética como Leonardo da Vinci. Este polímata del Renacimiento gestionó su fascinación por la geometría no solo como un ejercicio teórico, sino como un principio fundamental aplicable a la creación artística. En su obra, el equilibrio y la proporción surgen como pautas esenciales, heredadas de la cultura clásica que tanto influyó en su época.

Leonardo entendía que las proporciones exactas en los cuerpos eran vitales para representar la belleza, un concepto que él consideraba el objetivo primordial del arte. La belleza, en este contexto, se define como un orden intrínseco, donde cada elemento de una composición se relaciona armónicamente con los demás. Esta búsqueda de un equilibrio ideal refleja la influencia de las ciencias exactas, que proporcionan las herramientas necesarias para descomponer y estudiar la naturaleza que rodeaba al artista.

En su búsqueda de idealidad, el maestro renacentista halló en las formas geométricas –en particular, la circunferencia– un símbolo de perfección y unidad. Esta forma, al igual que muchos elementos naturales, posee propiedades matemáticas que le confieren un aspecto de belleza intrínseca. De este modo, Leonardo no solo captura la realidad en sus obras, sino que también la transforma, aportando un orden que trasciende lo meramente visual.

La relación entre la geometría y el arte que favoreció Da Vinci sigue siendo relevante hoy en día, pues establece un vínculo indisoluble entre la ciencia y la creación estética. En la obra de Leonardo, la matemática no es solo un conjunto de reglas, sino el lenguaje a través del cual el artista se comunica con la esencia misma de la belleza. Así, su legado desafía a las futuras generaciones a explorar la intersección entre estas disciplinas, reafirmando que en la búsqueda de la perfección artística siempre habrá un lugar para el rigor y el método.

En las formas de la naturaleza están presentes la matemática y la geometría. Y si los números están en las creaciones de la naturaleza, también deberían estar presentes en las creaciones del hombre. La belleza es el objetivo del arte en el Renacimiento. La belleza es el orden, la justa proporción que otorgan las ciencias exactas. Entre las formas geométricas, Leonardo prefería la circunferencia.

La circunferencia es una línea curva cerrada y plana cuyos puntos están a igual distancia de otro fijo, llamado centro. Para dibujar circunferencias utilizamos el compás. Ejemplos de circunferencia: anillo, aro.
El círculo, en cambio, es una figura plana limitada por una circunferencia. Está formado por la circunferencia y la parte de plano que hay dentro de ella. Ejemplos de círculo: moneda, disco

La pintura de Costantino di Renzo

Nacido en Chieti, el pintor italiano Costantino Di Renzo se inspiró principalmente en la década de 1960.

El arte se convirtió en un vehículo para ideologías y otras agendas, con el pop y el minimalismo apareciendo simultáneamente como los movimientos artísticos más definitorios de la década.

El arte pop en la ciudad de Nueva York abrazó la cultura de los medios de comunicación y el consumismo masivo, con artistas como Andy Warhol, Roy Lichtenstein y Tom Wesselmann estimulados por la televisión, las tiras cómicas, las vallas publicitarias y otros productos del auge del capitalismo para sus obras de arte.

El pintor italiano Costantino Di Renzo nació en Chieti. Inició su actividad en 1965 asistiendo a la Academia de Bellas Artes de Roma. Ya desde los primeros años de su profesión como pintor, elaboró ​​una cuidadosa investigación sobre el arte del pasado; en particular sobre la pintura del holandés Vermeer, elaborando sus imágenes en un análisis conceptual.

En 1974 se suma al movimiento hiperrealista, exponiendo sus obras en la galería Margutta de Pescara (1976), la galería Il Modulo de Salerno (1977) y la galería Borghi de Nueva York (1979).

Desde 1980 se dedica a la escultura, exponiendo sus obras en 1982 en la galería Cesare Manzo de Pescara y en la galería Centro Sei de Bari.

En el período 1980-1984, el artista también se involucró en la escenografía teatral. En 1984 vuelve a la pintura y tras una larga estancia en Australia, donde realiza una serie de obras sobre las cuatro estaciones, que expone en la galería Maori de Sydney, regresa a Italia y comienza a pintar siete grandes lienzos dedicados a la luna, que expone en la Galería Fraticelli de Roma en 1989.

En el mismo año, participa en la Feria Internacional de Roma. En 1992 se inauguró una importante exposición en Osaka, Japón en la galería Sakamoto.

Desde 1993 se dedica al estudio en profundidad del Ulises homérico, realizando una serie de obras, en una suerte de simbiosis entre pintura y literatura.

De este período data la apuesta del artista por realizar grandes obras y ciclos pictóricos para colecciones públicas y privadas. Las obras de esta década fueron expuestas en 2002, en una exposición personal en la "Rolnick House" de Miami.

En 2003 su pintura, aunque todavía ligada a la temática del antiguo mito mediterráneo, se fragmenta en geometrías irregulares, enriqueciéndose con elementos plásticos que continúan la historia, más allá de la superficie del propio cuadro.

Además

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Eurípides: Un vida más que trágica

 

Según la tradición (que tergiversó sus datos biográficos para ofrecer una imagen sesgada de él), la vida del gran escritor trágico griego Eurípides (480-406 a. de C.) estuvo marcada por el signo de las desgracias.

Nació el mismo día en que sus compatriotas vencían a los persas en la batalla de Salamina, desarrollada en la embocadura del estrecho de Euripo, circunstancia de la que precisamente proviene su nombre. Era hijo del tabernero Mnesarchos y de la verdulera Clito, con quienes, además de privaciones, pasó una infancia llena de disputas familiares. Tras ser atleta, pintor, retórico y filósofo, comenzó a escribir tragedias, que en muy raras ocasiones gozaron del favor del público. Para colmo, padecía de halitosis y murió al ser atacado por los perros de un pastor. Incluso, para completar el cuadro, y de hacer caso a la leyenda, su desgracia llegó más allá de la muerte, pues junto a su tumba brotó un manantial de aguas ponzoñosas.

10 monumentos al despecho en forma de canción, según el diario El País

La venganza musical de Shakira contra Piqué, perpetrada con toda alevosía, puede ser ingeniosa, divertida, malévola, polémica o desdichada, pero no innovadora.

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Los ídolos de la música popular llevan muchos años sirviendo envenenados platos fríos contra sus antiguos amores. Lo resumía mejor que nadie un viejo éxito soul de los Persuaders, Thin Line Between Love and Hate (1971), que 12 años más tarde sonaba aún más doliente en los labios de Chryssie Hynde, la líder de The Pretenders.

La venganza musical de la colombiana contra Piqué se suma a una larga lista de exitosos temas de desamor

Lo que sigue es una selección de 10 paradigmas del despecho transformado en éxito musical tarareable. El empeño tiene vocación representativa, no exhaustiva; y el orden es solo cronológico: el desamor escuece mucho, pero difícilmente se puede cuantificar. Entre los infinitos descartes de última hora en el listado figura –perdón por destripar una parte del misterio– el ubicuo Despechá. Más que nada, porque no nos salía muy clara la traducción de versos como “Bajé con un flow nuevo de caja, baby, hackeá” en el diccionario Rosalía/Español.

Los Amaya: Vete (1978)