Sobre amor y sexualidad: Los mejores videos

                                                                                        

Este no es un blog que trate temas de amor (salvo contadas ocasiones) y sexualidad (algo más). Lo que pasa es que los cómics, en especial, predomina temas relacionados con la aventura, la ciencia ficción, el terror y la acción, quedando los temas del corazón relegados a un discreto segundo o tercer plano.

Husmeando en YouTube me encontré con esta conferencia de Marían Rojas Estape (española) que me resultó muy ilustrativa y entretenida. Esto me llevó a Darío Sztajnszrajber (argentino) y a Alejandro Jodorowsky (chileno), todos intentando ilustrarnos sobre esa magia llamada amor.

Y como pasa con todo lo que me gusta, también deseo compartirlo con la esperanza de que tenga una buena recepción. De amoroso nomás que soy.

                                                                                        

Psiquiatra Marian Rojas Estape.

Entrevista a Boris Vallejo (Revista Comix Internacional N°13)

Una de las primeras entrevistas realizadas en español (1981) al gran ilustrador peruano Boris Vallejo, cuando el artísta tenía 40 años. Nos resulta una curiosidad por eso la reproducimos. 42 años después, sigue trabajando.

Boris Vallejo (Lima, 8 de enero de 1941)​ es un dibujante peruano estadounidense.​ Vallejo emigró a Estados Unidos en 1964, donde reside actualmente en Allentown, Pensilvania. Con frecuencia trabaja con Julie Bell, su esposa, pintora y modelo.

Vallejo dibuja casi exclusivamente para los géneros fantásticos y eróticos.​ Sus dibujos han ilustrado la portada de docenas de obras de ciencia ficción y han sido presentados en unas serie de calendarios que se han convertido en best-sellers. Vallejo ha creado póster para películas, como Barbarian Queen and National Lampoon's Vacation. Tiene dos hijos de un matrimonio anterior, uno de los cuales, Dorian Vallejo, también ha trabajado en el género de fantasía.

Los dibujos de Vallejo muestran típicamente a dioses, monstruos y/o musculados bárbaros (hombres o mujeres) en plena batalla. Muchos de las figuras masculinas se basan en el propio Vallejo, mientras que muchas de las femeninas se basan en su esposa. Sus últimas historias se inclinan más hacia el lado erótico, aunque siguen conservando los temas de fantasía.

Famosas son sus portadas para The Savage Sword Conan, entre las que destacan los números 1 y 10. (W)

Web

Boris Vallejo

America’s premier fantasy artist. His works are known and loved around the world. Boris is famous for his illustrations of Tarzan, Conan the Barbarian, Doc Savage and many other fantasy characters, as well as movie poster illustration, advertisement illustration, and artwork for collectibles, trading cards, and sculpture.

Julie Bell

A world renowned, award winning fantasy artist and wildlife painter. Julie has won two Chelsea Awards and was the designer of the popular and award-winning Dragons of Destiny series. She also has won numerous first place awards in the Art Renewal Center’s International Salon and has been named as a Living Master.

Boris Vallejo and Julie Bell are married and the two often collaborate on projects. They have worked on many paintings together for advertising campaigns such as Nike, Inc., Coca-Cola, and Toyota.

¿Qué necesitamos los artistas para ser artistas?

                                                                                        

Muchas veces he pensado por qué escogí un oficio tan difícil. Elegir ser artista plástico es, en términos prácticos, un suicidio profesional. Si es casi imposible poder vivir del arte, entonces, ¿por qué querer dedicarse a él?

                                                                                        

FUENTE

El amor al arte

Al artista no sólo le gusta el arte. El artista se siente enamorado del él. El pintor ama la pintura. La necesita así como cualquier persona corriente necesita el aire, su tasita de café mañanero, el periódico en su sofá, o ver el futbol los domingos. El arte es su necesidad. Pero más allá, también es, quizá, su razón para vivir.

En mi opinión los verdaderos artistas (y digo "verdaderos" pues hoy día abundan los espurios), tienen presente cuatro cualidades esenciales:

"Hace un millón de años" y el bikini de piel de Raquel Welch

                                                                                        

"Hace un millón de años", película rodada en 1966, es una de las cumbres del arte pop, del kitsch y de la cultura trash. Y no precisamente por su virtudes cinematográficas, que tiene unas cuantas, empezando por unas divertidas batallas entre saurios, fruto de la imaginación y el talento de ese gran genio que era Ray Harryhausen y de sus maravillosas maquetas artesanales.

                                                                                        

Si por algo "Hace un millón de años" se ha hecho con un lugar en la historia del cine, es por su rompedor, imaginativo y perverso diseño de vestuario, que se plasma en los escotados y ceñidos biquinis que llevan las miembros de la imaginaria tribu de las Conchas, con una impresionante Raquel Welch, en su mejor momento físico y profesional, a la cabeza. La rotunda y exuberante imagen de la actriz estadounidense embutida en sus diminutas pieles queda como un icono imborrable de la cultura popular y como uno de los más grandes símbolos sexuales de todos los tiempos.

La mezcla de dinosaurios y bellas, jóvenes y rubias mujeres ligeras de ropa funcionó como un tiro en la época y la película se convirtió en el mayor éxito comercial de la productora británica Hammer, especializada en cine de terror pero que aquí dio, y cómo, en el blanco, cambiando de registro. Nada es ni mínimamente creíble y no se puede decir que el paso de los años le haya sentado excesivamente bien pero, aun así, se mantiene, y se seguirá manteniendo, como un título de culto. Y con la virtud añadida de que nada, pero nada, de lo que sale en ella está retocado digitalmente…

El la Prehistoria las preferían rubias.

Historia del Arte (1 y 2) Revista Machete

 

La revista Machete es una histórica publicación educativa y cultural originaria de Neuquén, Argentina, editada por Pangea Editora.

Nacida a finales de la década de 1990 (circa 1997/1998) bajo el lema de ser la "Revista Educativa de la Patagonia", su propósito principal ha sido servir como recurso pedagógico y de divulgación para docentes y estudiantes de la región.

Eje Educativo y la Historia del Arte en la Revista

Dentro de su propuesta pedagógica, el área de Historia y Arte ha ocupado un rol central en sus entregas:

• Abordaje de la Historia Nacional y Regional a través del Arte: La revista incluye láminas, ilustraciones y textos didácticos que utilizan el arte plástico y visual para enseñar historia. Ha destacado obras de artistas plásticos argentinos (como el muralista Rodolfo Campodónico) para ilustrar hechos históricos significativos (efemérides como el 9 de Julio, el Día de la Bandera, etc.).

• Contenido Didáctico Adaptable: Ofrece análisis de movimientos artísticos, biografías de artistas locales e internacionales, y guías de trabajo para el aula adaptadas a los diseños curriculares de las escuelas primarias y secundarias de Neuquén y Río Negro.

• Identidad e impronta Patagónica: A diferencia de las publicaciones educativas centralizadas en Buenos Aires, Machete rescata las expresiones artísticas y culturales de la Patagonia, visibilizando a creadores locales y la historia de las comunidades originarias y pioneras de la región.

Impacto y Reconocimiento Institucional

• Declaraciones de Interés: Ha sido declarada de Interés Municipal por el Concejo Deliberante de la ciudad de Neuquén y de Interés del Poder Legislativo por la Legislatura de la Provincia del Neuquén (Declaración 2179 en 2017), por su labor continua en el fortalecimiento de la cultura regional y la educación pública.

• Formato y Evolución: Publicada regularmente de forma impresa durante más de dos décadas, también ha migrado a formatos digitales para continuar estando al alcance de la comunidad educativa neuquina y patagónica.

La escultura de Yves Pires

 

Yves Pires es un escultor nacido en París, Francia. Su pasión por el arte comenzó en los bancos de la escuela primaria en Choisy-le-Roi, una pequeña ciudad en el suburbio parisino donde vivía con los padres. 

El dibujo era su refugio, una fuente de interminables viajes al mundo interior. Sin embargo, este regalo que ejerce de manera obsesiva sobre el, no siempre fue entendida por los profesores.

Durante sus años de escuela secundaria, aún recuerda el momento en que después de haber pasado más de 2 horas trabajando duro en la ampliación de un mapa de Europa, su maestra de escuela al día siguiente lo acuso de haber "calcado" el mapa y exigiéndole cuatro horas de trabajo, como castigo. Esta experiencia no hizo mucho para inspirar su deseo de integrar el sistema escolar y lo llevó a pasar gran parte del tiempo a dibujar. Cuando tenía 16 años y terminando la escuela secundaria, su profesor de arte le animó a asistir a una Escuela de Arte para continuar sus estudios. Era la primera vez que pintaba con óleos, transformando un lienzo hecho por su padre, en una copia de la hermosa joven con un turbante de Vermeer.

Esta experiencia convenció a sus padres, a pesar de sus deseos y mejores planes, que el chico deberia desarrollar sus tendencias artísticas. Yves se inscribio en el Liceo Elisa Lemonnier, donde estaba preparándose en Artes Visuales y Publicidad. A pesar de las buenas calificaciones, abandono sus estudios después de unos meses y un episodio de "pre crisis adolescente". A los 19 años, termino el servicio militar y trabajaba en la restauración de apartamentos junto a su padre. Esto me permitió adquirir las diferentes técnicas de la restauración. (Fuente)

Yves Pirès, nacido en 1958 en París, Francia, es un escultor francés reconocido por sus esculturas en bronce expresivas y dinámicas. Sus obras capturan la esencia de la emoción humana y el movimiento, lo que lo convierte en una figura esencial de la escultura contemporánea. Su trayectoria artística comenzó desde la infancia, cuando exploró la pintura y la escultura como medios de expresión personal.

Frank Kafka y la muñeca perdida (por viajera)

 

Ilustración de José Manuel Fernández Oli

Un año antes de su muerte, Franz Kafka paseaba por el parque Steglitz, en Berlín, y encontró a una niña llorando porque había perdido su muñeca. Para consolar a la pequeña, el autor de La metamorfosis se inventó una peculiar historia: la muñeca no se había perdido, se había ido de viaje, y él tenía una carta que le llevaría al día siguiente al parque. Aquella noche Kafka escribió la primera de muchas cartas que, durante tres semanas, entregó a la niña puntualmente, narrando las peripecias de la extraordinaria muñeca desde todos los rincones del mundo.

Kafka sostuvo esta ilusión durante tres semanas, entregando en su rol de “cartero de muñecas”, una carta distinta cada día, “enviada” desde Londres, París, desde los lugares más alejados de Berlín. Kafka las leía en voz alta. Hasta que llegó el final, inevitable. Pero la niña –y su tristeza por la pérdida– ya eran otras. Entonces Kafka decidió que la muñeca se casaría. “Tu misma comprenderás que en el futuro tendremos que renunciar a volver a vernos”, le escribe la muñeca –Kafka– a la niña.

- “Por favor no me llores, he salido de viaje para ver el mundo. Te voy a escribir sobre mis aventuras ...“

Cuando él y la niña se reunían, él le leía estas cartas cuidadosamente compuestas de aventuras imaginarias sobre la querida muñeca . La niña fue consolada. Cuando las reuniones llegaron a su fin, Kafka le regaló una muñeca. Ella obviamente se veía diferente de la muñeca original. Una carta adjunta explicó:

-"Mis viajes me han cambiado …"

Muchos años más tarde, la chica ahora crecida, encontró una carta metida en una grieta desapercibida dentro de la muñeca . En resumen, decía:

"Cada cosa que amas, es muy probable que la pierdas, pero al final, el amor volverá de una forma diferente".

Franz Kafka

Jorge Pérez del Castillo: Por arte de magia (Almansor)

Reconozco que la primera vez que vi las ilustraciones de Jorge Pérez del Castillo en la revista Mampato (1971) no me gustaron mucho. Eran tan laxas, simples y sintéticas que a mí -acostumbrado al detalle realista- me daba la impresión de estar más ante un boceto que ante un dibujo debidamente acabado. Pues bien, estaba muy equivocado, este artista fue el más grande y original de los ilustradores del siglo XX en Latinoamérica.

Jorge Pérez del Castillo nació en 1923 en la localidad chilena de Chillán, aunque posteriormente se trasladó junto a su familia a la capital, Santiago. Influenciado por el ambiente familiar (sus padres eran artistas trashumantes de origen andaluz) abrazó con dedicación el dibujo, disciplina en la que no realizó ningún estudio regular. Luego de desempeñar distintos oficios, en 1943 comienza a colaborar en la revista infantil El Cabrito.

Las escasas perspectivas que le ofrecía su país natal lo decidieron a trasladarse a la Argentina donde su compatriota Raúl Manteola (retratista de gran fama que por entonces realizaba las portadas de la revista Para Ti) lo recomendó a Ramón Columba, gestión que le permite a partir de 1944 comenzar a colaborar en El Tony y un año después en Intervalo, revista a la cual estuvo dedicada la mayor parte de su producción a lo largo de un cuarto de siglo. Paradójicamente, la serie que lo hace conocido en Argentina, y que constituye un punto de referencia de su carrera, no la realizó en Columba sino durante su fugaz paso por Patoruzito, donde sobre guiones de Leonardo Wadel (que lo recuerda como alguien “flaco, bajo, pálido, simpático” y lo llama “el chilenito de la mágica pluma”) dibujó “Conspiración en Venecia”, logrando con su dibujo captar fielmente el espíritu del argumento.

En 1948, animó a su hermano menor Arturo (nacido en 1925) a trasladarse a Argentina, comenzando así una carrera que haría a este conocido y reconocido internacionalmente, sobre todo por sus dibujos de temas del Oeste.

La Final (Un poquito de odio nunca viene mal)

Tute

El artículo que reproduzco me ha motivado a escribir estas líneas de alguien que vivió muchos años en Argentina, que también le gusta el fútbol, que de vez en cuando se toma unos mates, pero que no es fanático de ningún equipo y que solo por circunstancia geográfica siempre quiere que gane uno y que por costumbre siempre pierde.

Pero el asunto es otro: ¿Por qué el resto del mundo quiere que Argentina pierda hoy con España?

Se impone con fuerza la interrogante acerca de la razón subyacente que impulsa a una porción considerable del orbe a desear la derrota de Argentina en su próximo encuentro contra España. Este fenómeno, lejos de ser un mero capricho colectivo, sugiere una complejidad de factores socio-culturales, históricos o incluso deportivos que merecen un análisis más profundo, y que no me siento capacitado de realizar.

Pero nadie niega que este sea el mejor equipo que ha tenido Argentina por muchos años. (y ha tenido muy buenos). Eso nadie lo puede negar.

Indagar por qué se desea la derrota de un equipo por sobre el triunfo de otro,  no solo ilumina la dinámica de las rivalidades deportivas, sino que también ofrece una ventana a la intrincada psicología colectiva que se manifiesta en el ámbito del deporte internacional. 

El artículo que reproduzco fue escrito por un uruguayo (Uruguay es "la provincia rebelde" bromean los argentinos). Por lo tanto, es casi argentino, aunque viva en Estados Unidos.

Y para desdramatizar también un poco de humor gráfico y memes varios.

Realismo romanticón

 

No se trata de una denominación totalmente peyorativa ya que todos tenemos algo de "dulzón", pero lo importante es no ser empalagoso. El caso es que existe mucha obra pictórica circulando en la Red que está realizada con una factura impecable pero cuando de concepto se trata reitera hasta el hartazgo una temática "bonitilla". Donde, además de bellas mujeres, abundan niños, flores, aves y hermosos paisajes, vestidos, ensoñación y mucho, pero mucho amor. He aquí algunos  ejemplos.

Por Rubén Reveco - Editor

En el vasto y dinámico mundo del arte contemporáneo, una tendencia que ha captado la atención de críticos y amantes de la pintura es el "Realismo Romanticón". Si bien el término puede sugerir una connotación peyorativa, la realidad es que todos, en cierta medida, poseemos una veta "dulzona" dentro de nosotros. La clave radica en evitar caer en la trampa de la empalagosidad, manteniendo un equilibrio sutil entre la belleza y la profundidad.

Otro que no conocía: Blas Olleros y Quintana

"El Baño Persa" de Blas Olleros Quintana. 

¿Qué morboso encanto producía en el siglo XIX el tema del harén y por qué mostraba a cautivas blancas posando felices como esclavas sexuales?

Blas Olleros y Quintana fue un artista prolífico, experto en varios estilos, desde la pintura de género hasta el paisaje y el arte marino. Sus pinturas aparecen regularmente en subastas, pero poco se sabe de él, aparte del hecho de que se mudó a Florencia, Italia, al principio de su carrera y pasó el resto de su vida allí.

Nació en Piedrahita, en la provincia de Ávila en el centro-oeste de España en 1851. En 1874, el Ayuntamiento de Ávila concedió una beca a Olleros para que pudiera continuar su formación artística en Roma. En su primer año en Roma, completó la obra Nerón En un Jardin Recitando Rodeado de su Corte. Después de completar sus estudios, se mudó a París durante tres años. Durante este período, conoció al retratista y pintor de género español, Palmaroli, quien influyó en la obra de Olleros.

En 1881 regresa a Roma donde conoce al pintor español Agustín Salinas y ambos se hacen grandes amigos. Durante gran parte de la década de 1880, Olleros residió en Nápoles, donde fue conocido como “Il Improvvisatore” (El improvisador). Adoptó Italia como su nueva patria, permaneciendo allí durante la mayor parte de su vida adulta.

En 1883 vendió dos obras, Una Pompeyana ("Una mujer de Pompeya") y Una Marina ("Paisaje marino"), a través de Hernández en Madrid, una galería comercial especializada en la venta de acuarelas. Después de eso, su obra se vendió principalmente a través de Hernández, aunque algunas obras también se vendieron a través de comerciantes extranjeros, en particular agentes alemanes y franceses.

Su temática fue variada e incluyó paisajes, marinas, figuras, género y escenas históricas. Gran parte de su trabajo se centró en el paisaje napolitano, especialmente en las escenas del puerto. Trabajó en óleo y acuarela y típicamente firmaba sus obras "Blas Olleros". Su pintura más conocida es Harem Scene y ha sido reproducida en muchos textos.

En sus últimos años, residió en Florencia y murió allí en 1919.

La tumultuosa vida de Mesalina: La emperatriz ninfómana

Mesalina, esposa del emperador Claudio, ha sido retratada a lo largo de la historia como una figura controvertida y compleja. Se la describe con una belleza innegable: piel blanca, cuerpo perfecto, ojos negros de mirada intensa, cabellera voluptuosa y una boca sensual con dientes pequeños y perfectos. Sin embargo, esta imagen de perfección física contrasta con la reputación que la acompaña: la de una mujer ambiciosa y ninfómana.

Desde temprana edad, Mesalina pareció comprender el poder que su atractivo ejercía sobre los hombres, utilizando el sexo como una herramienta para la supervivencia y, posteriormente, para la conquista del poder. Se dice que disfrutaba de sus encuentros sexuales, lo que sugiere una dimensión vocacional en su comportamiento. Este enfoque en el placer y el control a través de su sexualidad la posiciona como una figura transgresora para su época, desafiando las normas sociales y de género

Su historia, aunque teñida de escándalo y dramatismo, invita a reflexionar sobre la dinámica del poder en la antigua Roma y el papel que las mujeres, incluso en posiciones privilegiadas, podían desempeñar. Mesalina, más allá de la moralidad de sus acciones, representa un caso extremo de cómo la astucia, la ambición y la explotación de los propios atributos pueden ser utilizadas para navegar y manipular las estructuras de poder. Su legado perdura como un testimonio de la intrincada relación entre la belleza, el deseo y la autoridad en la historia.

Malcolm McDowell, que había alcanzado una gran fama por la película «La naranja mecánica», interpretó al emperador Calígula, en el filme estrenado en 1979; la imagen corresponde a esa cinta.