Esta fue una pintura que arruiné un montón de veces. De lo que alcanzan a ver no quedó casi nada. Horas y horas de trabajo perdidas por no saber detenerme en el momento justo o creer que siempre una obra se puede mejorar.
El proceso creativo se desarrolla de un modo muy lento y un artista muchas veces trabaja a ciegas. No sabe dónde dar el próximo paso y eso muchas veces lleva a un callejón sin salida.
NOTA DE LA REDACCIÓN:
Este fue un debate entre artistas dado hace, más o menos,
12 años atrás en Facebook. Época en que las redes sociales
generaban otro entusiasmo y se consideraban un buen vehículo
para compartir ideas. En esta oportunidad, he agregado un comentario
de ChatGTP a cada párrafo. Veamos cómo resumen todo esto la IA.
¿Qué podría faltarle a esta pintura? se preguntarán ustedes. Por el momento no lo tengo muy claro, y ese es un problema delicado para cualquier artista. Pero en esta actividad siempre hay más dudas que certezas. Lo importante es reconocer esa insatisfacción y que instigue a la superación.
Si yo pudiera darle un consejo a los pintores jóvenes sería que nunca se sientan conforme. Siempre un trabajo se puede mejorar y muchas veces no importa fracasar. Lo importante es saber qué se aprende de ese fracaso. Es más o menos como la vida misma ¿vieron?
La consigna fue: "Un consejo para los pintores realistas. Nunca den por terminada una pintura. Siempre se puede mejorar un poco más". Y se armó otra vez el debate vía facebook. Conclusión: siempre se aprende escuchando a los demás.
Leonardo decía: "Una pintura no se termina, se abandona".
Jungle Girl es un personaje de cómic ficticio (posiblemente basado en la historieta Hanna-Barbera Jana de la selva) que aparece en los libros publicados por Dynamite Entertainment.
El verdadero nombre de Jungle Girl es Jana Sky-Born, una joven que ha estado viviendo en una isla selvática durante la mayor parte (si no toda) de su vida. Todavía se desconoce si los padres de Jana le dieron a luz y la dejaron en la isla, o si ella estaba en un barco varado en la isla. La ubicación exacta de la isla no se especifica. La selva está poblada por dinosaurios, bestias prehistóricas y hombres de las cavernas.
La vida tranquila de Jana se interrumpe, cuando un avión que transporta a un grupo de aventureros (algunos de ellos traficantes de drogas) se estrellan en su selva. Después de salvar a los aventureros de una tribu nativa, ella ha decidido mantenerlos a salvo hasta que otro avión venga a rescatarlos.
Habilidades
Aunque Jana no tiene poderes sobrehumanos, tiene varias habilidades que la han ayudado a sobrevivir. Es una luchadora fuerte, un acróbata experta, y una hábil cazadora y rastreadora. Jana está familiarizada con la mayoría de las especies de plantas y animales en la selva y es plenamente consciente de lo que pueden hacer.
Lleva varias armas con ella en todo momento, como su lanza, su cuchillo de caza y una cuerda de vida. También parece ser capaz de comunicarse con varios de los animales en la selva, incluyendo el mamut lanudo, que monta en sus diferentes luchas.
La historia comienza con un guionista de historietas, el propio Oesterheld, que en un ejercicio de metaficción se utiliza a sí mismo como personaje. Su participación en la historia consiste en escuchar la historia que le es relatada por Juan Salvo, el "Eternauta", un hombre que se materializó de pronto en su casa, quien, además de los eventos, habla también de sus propias impresiones y análisis de los sucesos que van teniendo lugar en la historieta.
360 páginas!
Lo que va contando es que unos alienígenas invaden la tierra. Buenos Aires es cubierto por una gran nevada y gran parte de la población muere. A partir de aquí los supervivientes crearan una resistencia para luchar contra la invasión... saber más es arruinarte la historia.
En 1969 Oesterheld creó una nueva versión de la historia junto a Alberto Breccia y luego la secuela El Eternauta II con Solano López, ambas de un tono político más agresivo que la historia original. Oesterheld fue desaparecido por el autodenominado Proceso de Reorganización Nacional, luego de esta última.
Posteriormente a su desaparición otros autores crearían secuelas como la tercera parte de la serie y "Odio cósmico", mientras que Solano López crearía, conjuntamente con Pablo Maiztegui, "El mundo arrepentido", "El regreso" y "La búsqueda de Elena" (wikipedia).
Con guion de José Zamorano y dibujos de Hildegardo Igor, regresa El Intocable, otro cómic de los años ´60 y ´70 que emulaba a Tarzán. Eran historias en capítulos semanales. En esta oportunidad les entregamos la primera parte.
El mundo del automóvil está en constante evolución gracias a la tecnología. En este artículo te traemos 5 novedades que revolucionarán el sector automotriz y que cautivarán a los usuarios. En España, estas nuevas propuestas se orientan hacia el alcance de una mayor seguridad, ecología y sostenibilidad.
Una de las novedades que será un éxito en el mundo del motor es el vehículo eléctrico recargable a turbina, conocido como TREV (Turbine-Recharging Electric Vehicle system), un sistema para automóviles híbridos basado en el funcionamiento aeronáutico.
La empresa china de innovación y desarrollo automotriz Techrules, presentó en el Salón Internacional del Automóvil de Ginebra de 2016 un coche eléctrico combinado con tecnología de turbina aeronáutica.
Ganador del Eisner y nominado al Emmy, es un artista conocido por renovar el estilo del cómic y la ilustración desde 1980, sobre todo con Marvel y DC Comics. En 1984, Sienkiewicz fue elegido por David Lynch para ilustrar la adaptación del cómic de su película Dune.
Boleslav William Felix Robert Sienkiewicz (1958) es un artista estadounidense conocido por su trabajo en cómics e ilustración.
El trabajo de Sienkiewicz en la década de 1980 fue considerado revolucionario en los cómics estadounidenses convencionales debido a su arte altamente estilizado que bordeaba la abstracción y hacía uso de la pintura al óleo, el fotorrealismo , el collage, el mimeógrafo y otras formas generalmente poco comunes en los cómics.
Sienkiewicz nació el 3 de mayo de 1958 en Blakely, Pensilvania . Cuando tenía cinco años, se mudó con su familia a la sección Hainesville de Sandyston Township, Nueva Jersey , donde asistió a la escuela primaria y secundaria. Sienkiewicz comenzó a dibujar "cuando [él] tenía alrededor de cuatro o cinco años", y continuó haciendo y aprendiendo sobre arte durante toda su infancia. Sus primeras influencias en los cómics incluyen los cómics de Superman del artista Curt Swan y Los Cuatro Fantásticos del artista Jack Kirby.
Sienkiewicz recibió su educación en arte clásico en la Escuela de Bellas Artes e Industriales de Newark en Newark, Nueva Jersey. Después de la escuela de arte, mostró un portafolio de su trabajo al director de arte de DC Comics , Vince Colletta , lo que lo llevó a ingresar al campo del cómic a los 19 años. El artista recordó en 1985: "No tenían ningún trabajo para mí, pero eso no me molestó. Simplemente pensé que si los cómics no funcionaban, habría hecho publicidad o ilustración. Vinnie llamó a (el reconocido artista de cómics y publicidad) Neal Adams , quien me puso en contacto con (el editor en jefe de Marvel Comics) Jim Shooter. Poco después de eso, estaba dibujando a Moon Knight , en la revista The Hulk (cómics en blanco y negro)". Su estilo artístico temprano estuvo fuertemente influenciado por Neal Adams.
Serie del oeste creada por Antonio Hernández Palacios, compuesta por 4 álbumes de 45 páginas más una historia corta de 15 páginas.
"El protagonista es el hijo de una española y un irlandés que en la toma del Álamo por el general Santa Anna queda huérfano. Más tarde se convertirá en explorador y guía para las tropas norteamericanas en su guerra contra México. Terminada la contienda, toca volver a casa cargado de amargos recuerdos, con la única esperanza de iniciar una nueva vida en una sencilla granja. Pero este es el comienzo de la historia y no su final..." (Carlos Uriondo, en Antonio Hernández Palacios. Épica y corazón, Ponent Mon, 2016)
Desde la primera frase, los autores advierten que la Blancanieves de Akileos no tiene mucho que ver con los dibujos animados de Walt Disney estrenada en 1937.
Todo el mundo sabe el destino de la niña, piel blanca y labios morados, pero nos encontramos con una versión mucho más oscura que Looky y Maxe abordan este famoso cuento de los hermanos Grimm.
Por supuesto, los elementos esenciales de la historia, el espejo mágico o la manzana envenenada, arraigada en la memoria colectiva, se han conservado. Pero los autores se divirtieron haciendo un mundo bañado por la violencia y la traición.
Al Saralis es un pintor británico y profesor. Se graduó en 1977 con una licenciatura en Bellas Artes. En su web se pueden encontrar obras como las publicadas aquí y retratos más tradicionales. Me gustan estos, particularmente, entre lo pictórico y lo gráfico. Donde el fondo (nunca oscuro) invade la figura, siempre delicada.
La obra de Al Saralis ha sido moldeada por diversas influencias a lo largo de su carrera, pero uno de los momentos más significativos fue su viaje a Florencia, donde se encontró con las esculturas inacabadas de Michelangelo, conocidas como "Prigioni". Este encuentro no solo le permitió apreciar la belleza clásica del cuerpo humano, sino que también le inspiró a explorar la complejidad de la forma humana a través de la pintura. Las obras de Saralis reflejan un uso dramático de la luz y una inmediatez en las poses que generan imágenes poderosas y, en ocasiones, confrontacionales. Estas obras no solo celebran la belleza clásica, sino que también evocan la fragilidad y vulnerabilidad del hombre contemporáneo.
"Como artista uno está tomando siempre decisiones, re-considerando direcciones y reflexionando sobre su trabajo, como parte del proceso creativo. Siempre he estado interesado en la belleza clásica de la pintura renacentista, junto a mi fascinación por el ser humano", expresa el artista.
Creada en 1864, la pintura ❞𝗘𝗹 𝗲𝗻𝗰𝘂𝗲𝗻𝘁𝗿𝗼 𝗲𝗻 𝗹𝗮𝘀 𝗲𝘀𝗰𝗮𝗹𝗲𝗿𝗮𝘀 𝗱𝗲 𝗹𝗮 𝘁𝗼𝗿𝗿𝗲❞ de Frederic William Burton es una obra conmovedora y romántica que captura un momento fugaz de pasión y tragedia.
La pintura "Hellelil y Hildebrand" de Frederic William Burton se inspira en una antigua balada danesa medieval, cuya traducción fue realizada por el amigo de Burton, Whitley Stokes. Esta obra captura un momento crítico en la narrativa de amor entre Hellelil, una noble dama, y Hildebrand, su guardia personal y príncipe de Engelland. La historia, que se centra en el amor prohibido de estos dos personajes, se adentra en temas de sacrificio, duelo y la eterna lucha entre el deber y el corazón.
Un encuentro de amor prohibido y emoción
La balada relata cómo el amor entre Hellelil y Hildebrand se enfrenta a la desaprobación del padre de la joven, quien ordena a sus siete hermanos ejecutar al príncipe por su deslealtad a la familia. Este trágico trasfondo otorga a la escena un aura de inminente desesperanza, que es esencial para comprender el tono emocional que emana de la obra de Leighton. A través de la representación visual, el artista sumerge al espectador en el instante en que los amantes se encuentran en una escarpada escalera de la torre, compartiendo un abrazo que es tanto tierno como lleno de pesar.
La técnica empleada por Leighton, utilizando acuarela y gouache, confiere a la pintura una luminosidad singular que intensifica la carga emocional de la escena. La sutileza del color y la textura invitan a los espectadores a contemplar el nivel de conexión que existe entre Hellelil y Hildebrand, a pesar de la adversidad que enfrentan. El momento se vuelve casi palpable, logrando que el espectador sienta esa chispa de amor, pero también la tragedia que se avecina.
El estilo de la obra de Leighton refleja la influencia del movimiento prerrafaelita; es evidente en los ricos colores y los intrincados detalles que caracterizan sus composiciones. Esta corriente artística buscaba un retorno a la belleza y la autenticidad en el arte, así como una celebración del romanticismo. En "Hellelil y Hildebrand", los delicados elementos simbólicos, como las rosas blancas que se encuentran a los pies de Hellelil, fortalecen la narrativa visual, simbolizando el amor verdadero y la lealtad eterna que se han visto desafiados.
La pintura se ha consolidado no solo como un símbolo de la historia de amor entre Hellelil y Hildebrand, sino también como un tesoro nacional, al ser votada como la pintura favorita de Irlanda en 2012. Actualmente reside en la Galería Nacional de Irlanda, donde su evocadora representación del amor y la pérdida continúa cautivando a los espectadores. La habilidad de Leighton para plasmar emociones complejas en un instante fugaz resuena con todos aquellos que se ven confrontados con las realidades del amor y el sacrificio.
"Hellelil y Hildebrand" trasciende el tiempo y el contexto cultural, ofreciendo una reflexión sobre el amor en su forma más pura, aunque trágica. La maestría de Frederic William Burton no solo en la técnica, sino en la capacidad de contar una historia conmovedora a través de la pintura, hace de esta obra un excepcional ejemplo de cómo el arte puede capturar la esencia de la experiencia humana en todas sus dimensiones.
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