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La obra fue un encargo del abogado del papa para su capilla privada de Santa María della Scala. Una vez concluida fue rechazada por irreverente. Fue adquirida posteriormente por el duque de Mantua y finalmente acaba en el Museo del Louvre.
Iconografía.
El tema procede de los evangelios apócrifos. El pintor recoge el momento de la muerte de la Virgen rodeada de los apóstoles entristecidos y de María Magdalena desgarrada por el dolor.
El lienzo se divide en dos partes: la parte superior está ocupada por un cortinaje rojo como telón de teatro y función de evitar cualquier insinuación de otro espacio que distraiga de la acción representada y el resto del cuadro donde se representa el drama de la muerte de la Virgen.
El conjunto representa el gusto por el naturalismo por la pobreza del ambiente: los apóstoles con ropajes humildes, muy desaliñados, descalzos, Virgen yaciendo en un banco de madera, casi flotando, con el vientre hinchado ( hecho que ha dado lugar a la hipótesis de que el modelo fue una mujer ahogada en el Tiber), pies hinchados y amoratados y piel verdosa.
Esta forma naturalista de representar a la Virgen provocó el rechazo de los monjes de Santa María della Scala .
II. ANÁLISIS FORMAL.
La composición es también barroca con dos diagonales rojas: la cortina y el cuerpo de la Virgen.
La luz cae también en diagonal de lo alto, como símbolo de luz divina, incide en las cabezas de los apóstoles, el cuerpo hinchado de la Virgen y en su cabeza, en la espalda y brazo de María Magdalena, dejando en penumbra los cuerpos
Con la gradación de la luz crea volúmenes con cuerpos muy robustos .
Un ejemplo es el modelado de María Magdalena con un claro clarooscuro con una luz que incide sobre la espalda, la cabeza y destaca los tonos cálidos anaranjados de su vestido , pero que también deja en sombra parte de su cuerpo.
Colores: Predomino de los tonos rojos en el cuadro: la Virgen , cortinas que contrastan con los colores oscuros menos en el de María Magdalena
El ritmo del cuadro viene marcado por las cabezas que centran su mirada en el cuerpo inerte de María.
La obra es de una gran expresividad por el dramatismo en las actitudes en algunos dolor contenido y en otros sollozos y congoja como en María Magdalena y también naturalismo como se observa en el vientre hinchado de María y sobre todo los pies también hinchados.
De nuevo muestra Caravaggio su maestría en la naturaleza muerta y objetos del primer plano.
III. EL AUTOR Y SU OBRA.
Tuvo una vida agitada por su carácter pendenciero, frecuentador de tabernas y lugares populares que le obligó a dejar Roma .
Su obra se caracteriza por naturalismo y tenebrismo. Naturalismo porque en las escenas aparecen personajes de la calle, cotidianos que son ubicados en escenarios e indumentaria y objetos de la época ( tabernas y mesones). Tenebrismo derivado de juego de luz: zona iluminada y zonas en completa penumbra. Sobre todo los fondos.
A pesar de su intento de aproximar lo sagrado al pueblo mediante personajes extraídos de la realidad , los monjes no supieron comprender ni entender las nuevas vías y caminos que estaba abriendo Caravaggio y que luego sí que aceptaría la Iglesia como medio de atraer a los fieles.
El tema de lo que le ocurrió a María presenta un gran debate para unos sufrió una muerte dulce (al ser una persona de naturaleza humana) y para otros no murió sino experimento una dormición. Tanto en un caso como en otro Dios hizo que se produjera su asunción en cuerpo y alma. Esta dogma de la Asunción no fue aprobado por la Iglesia hasta el papado de Pio XII en el siglo XX. (F)
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