ELIGE cinco: 51 hermosas fotos de desnudos del siglo XXI (Día Internacional de la Fotografía)

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Entre la fotografía y la pintura realista se establece una competencia enriquecedora, particularmente en la representación del desnudo, tanto femenino como masculino. Esta temática suscita un continuo intercambio estético, donde numerosas obras pictóricas adoptan la apariencia de fotografías y viceversa.

Por Rubén Reveco, editor

Nota de la Redacción

En la presente selección, se ha procurado diligentemente excluir cualquier representación visual que contenga contenido de índole sexual, absteniéndose, asimismo, de exhibir órganos reproductivos. Esta decisión responde a consideraciones de carácter manifiesto y evidente.

(En número correspondiente está al pie de la foto)

Hermoso-hermosa: Un concepto subjetivo

El lenguaje, a menudo, es un reflejo de la complejidad de la experiencia humana. Palabras y números pueden transmitir significados precisos y universales, como "51", que representa un número cerrado y definible. Similarmente, términos como "fotos" o "desnudos" son fácilmente comprensibles y no generan grandes ambigüedades. Sin embargo, cuando se introduce el adjetivo "hermosas" en la ecuación, la situación se complica, revelando la delicada naturaleza del concepto de belleza.

La belleza, en su esencia, es una construcción subjetiva. Lo que una persona puede considerar hermoso, otra puede percibirlo de manera completamente diferente. Esta variabilidad se convierte en un desafío al abordar el tema de las "51 fotos de desnudos hermosos", ya que esta afirmación insinúa que existe un estándar universal de belleza que puede ser medido y clasificado. No obstante, la realidad es que la percepción de la belleza se encuentra inextricablemente ligada a la cultura, el contexto y la experiencia individual.

Al afirmar que existen "51 fotos de desnudos  hermosas para el que las selecciona", se introduce un criterio que sugiere jerarquía y exclusión. No se trata únicamente de un ejercicio estético; es un enunciado que puede perpetuar la idea de que algunas formas de belleza son superiores a otras. 

El reconocimiento de que estas son “las 50 hermosas fotos de desnudos para este editor” es esencial. Esta especificación no solo establece el marco de referencia desde donde se hace la selección, sino que también abre la puerta a futuras reevaluaciones basadas en el descubrimiento y la evolución del gusto personal. 

A medida que surgen nuevas imágenes y diferentes interpretaciones del cuerpo humano, la lista original se verá enriquecida y tal vez sustituida por otras versiones que reflejen una diversidad más amplia y, por ende, más inclusiva de lo que podemos considerar hermoso.

El actual siglo XXI está marcado por un amplio cuestionamiento de estándares y valores, un periodo en el que se busca más que nunca la representación diversa. La discusión sobre la belleza es una de las aristas que requiere una atención especial. Con el tiempo, la idea de lo que constituye una imagen "bella" puede transformarse, adaptarse y expandirse. Por lo tanto, es justo que al final de este siglo, se disponga de una colección que no solo hable de belleza, sino que también celebre la diversidad de experiencias humanas y la pluralidad de miradas sobre el desnudo como una forma artística.

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Máximo Chambónez: El fotógrafo (Día internacional de la fotografía)

El nombre ya lo dice todo. Es el máximo, el más grande de los chambones. Chambón, según el diccionario significa: "persona de escasa habilidad o poco hábil en cualquier arte o facultad" y esta definición retrata de cuerpo entero a este personaje ingenuo, aunque de buenas intenciones, al cual nada le sale bien.

Máximo Chambónez fue creado por el genial Themistocles Lobos, (Themo Lobos, el padre de Mampato, Ogú, Alaraco y otros personajes inolvidables del cómic chileno). Las aventuras de Máximo han sido publicadas en diversos medios de comunicación tales como la revista Mampato durante la década del 70, el suplemento de historietas del diario La Tercera en el año 1980 y la revista Cucalón del propio Themo Lobos a comienzos de la década del 90.

Los cómics de Máximo Chambónez están ambientados en el ficticio pueblo de Piduquén, un pueblito del sur de Chile, tal vez inspirado en el río Piduco de la séptima región. Acompañan al personaje principal dos personajes secundarios de gran importancia: El abuelo de Máximo, un viejito pelado bueno para meter en líos a su nieto y el alcalde de Piduquén, un gordito chico, calvo y de bigotes, quien a menudo termina sufriendo las consecuencias de los accidentes provocados por Máximo.

Lantern City (3)

 

Sander Jorve solo quiere mantener a su mujer y su hijo a salvo. Formar parte de la clase baja en Lantern City significa vivir en una oscuridad constante, a la sombra de los enormes muros de la ciudad. Mientras, la clase alta vive en una serie de enormes torres interconectadas mediante naves voladoras. Cuando el cuñado de Sander, el activista Kendal, le convence para infiltrarse en la brutal Guardia, se abre ante él un peligroso camino que pondrá a prueba sus habilidades y creencias. Todo con el fin de darles un futuro a su familia y a su gente.

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Sirenas: Uno de vez en cuando

George Pérez, uno de los máximos y mejores creadores de cómics de todos los tiempos, se despidió de la industria a lo grande escribiendo y dibujando Sirenas, una novela gráfica que presenta a un nuevo súperequipo de heroínas que tendrán que defender la galaxia de una amenaza inesperada y reescribir su propia historia.

Sirenas nos cuenta las hazañas de un equipo legendario de heroínas que deberán volver a reunirse para salvar a todos los habitantes del universo de una fuerza intergaláctica que está esclavizando y destruyendo planetas sin piedad. Sin embargo, un extraño suceso durante la batalla hará que las Sirenas pierdan la memoria y no recuerden quiénes son ni por qué están allí. Pero eso no es todo, a partir de entonces el resto del universo comenzará a recordarlas como… ¡villanas!

Los Prerrafaelistas (4) William Holman Hunt

Jesús en el templo.

William Holman Hunt (1827-1910) fue un pintor inglés, uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelista. Aunque estudió en la Royal Academy of Arts, rechazó el estilo impuesto por su fundador, Sir Joshua Reynolds. Fundó en 1848, junto con Dante Gabriel Rossetti y John Everett Millais, la Hermandad Prerrafaelista, asociación que propugnaba un retorno a lo espiritual y sincero en el arte, despreciando la pintura académica, que consideraban una mera repetición de clichés. Para ello, proponían inspirarse en los primitivos italianos y flamencos del siglo XV, anteriores a Rafael.

En 1865 se casó con Fanny Waugh, quien moriría a las pocas semanas de dar a luz al primogénito del matrimonio. Esta mala experiencia se unió a que Hunt jamás fue propuesto, a pesar de su fama, como miembro de la Royal Academy, lo que le llevó a desistir de participar en más muestras anuales y a tomar la decisión de mostrar su obra en galerías independientes. En 1875 contrajo matrimonio con Edith, hermana de su difunta esposa, lo cual le ocasionó numerosos problemas con la familia de ésta, que se oponía a la unión, y con las leyes británicas, que por entonces no permitían tal tipo de matrimonio. En 1879 nació su segundo hijo, Hilary. Los años siguientes fueron muy fructíferos para Hunt: en 1886 tuvo lugar una retrospectiva de su obra en la Fine Art Society de Londres y escribió en algunas revistas, como la Contemporary Review.

Autorretrato

Las obras de Hunt no tuvieron al principio demasiado éxito, siendo calificadas por la crítica de feas y torpemente ejecutadas. En los comienzos de su carrera su interés por el realismo le llevó a pintar varios cuadros que reflejaban escenas de la vida cotidiana tanto en el campo como en la ciudad, tales como Pastor veleidoso (The Hireling Shepherd, 1851) o El despertar de la conciencia (The Awakening Conscience,1853). Esta última escandalizó al público por mostrar sin ambages una relación extramatrimonial. Fue también un notable paisajista. Sin embargo, la fama le llegó con sus obras de temática religiosa, como La luz del mundo (The Light of the World). Viajó a Palestina con el objeto de documentarse sobre el terreno para realizar obras religiosas como El chivo expiatorio (The Scapegoat, 1854), Cristo hallado en el templo (The Finding of the Saviour in the Temple, 1860) y La sombra de la muerte (The Shadow of Death, 1873), así como para pintar varios paisajes de la región.

Hunt pintó también obras basadas en poemas, como Isabella o La dama de Shalott, y en la tradición literaria inglesa, de Shakespeare a Keats.

Todas sus pinturas concedían una gran atención al detalle, y mostraban un vívido colorido y un elaborado simbolismo religioso, a menudo inspirado en los textos bíblicos.

De todos los componentes de la Hermandad Prerrafaelita, fue Hunt el que mostró más fidelidad a sus planteamientos a lo largo de toda su vida.

Al final de su carrera se vio obligado a abandonar la pintura, por problemas de visión. Su última obra de importancia, The Lady of Shalott (1892), tuvo que ser completada por uno de sus ayudantes.

La autobiografía de Hunt, Prerrafaelismo y la Hermandad Prerrafaelita (Pre-Raphaelitism and the Pre-Raphaelite Brotherhood) fue escrita para corregir a otros libros aparecidos sobre el movimiento, en los que no se reconocía debidamente su contribución al mismo.

La Sombra de la Muerte

Pigmalión y Galatea: La belleza y el amor lo pueden todo

El mito de Pigmalión y Galatea, con origen en las Metamorfosis de Ovidio, cuenta la historia de un escultor chipriota que se enamora de una estatua de marfil que ha creado. El intenso deseo de Pigmalión le lleva a rezar a Venus, quien, movida por su pasión, da vida a la estatua. El cuento explora temas de creación artística, amor y el poder de la imaginación humana para transformar la realidad.

Burne-Jones realizó varias versiones sobre el mito de Pigmalión y Galatea.

Pigmalión y Galatea de Burne-Jones

Aquí se recrea la bella leyenda a través de una serie de cuatro cuadros que nos muestran cómo Pigmalión persigue el sueño de la perfección en el amor y lo encuentra en una creación suya; una escultura esculpida por él y a la que Venus otorga la vida… La bella Galatea.

Burne-Jones elaboró entre 1865-67 una serie de dibujos para ilustrar el poema de Morris “Pigmalión y la estatua”. Quedó tan satisfecho de su trabajo que fueron utilizados años más tarde para una nueva serie pintada al óleo destinada a la madre de su enamorada, María Zambaco, llamada Euphrosyne Cassavetti.

Los especialistas consideran que en esta serie encontramos referencias autobiográficas del artista, aludiendo al descubrimiento por parte de Burne-Jones que la mujer que había “creado” estaba lleno de exigencias que él no podía satisfacer, reflejando su dolorosa situación personal.

La serie consta de cuatro lienzos titulados "El corazón desea", "La mano se contiene", "La divinidad inflama" y "El alma consigue", en los que podemos advertir la admiración del pintor por el clasicismo y los maestros italianos del Quattrocento, como bien podemos observar en la aparición de figuras desnudas a modo de estatuas y las referencias arquitectónicas respectivamente.

Stars

 

En los ´80 estuvo de moda entremezclar géneros: Realismo podía convivir perfectamente con ciencia ficción. 

Lantern City (2)

 

Sander Jorve solo quiere mantener a su mujer y su hijo a salvo. Formar parte de la clase baja en Lantern City significa vivir en una oscuridad constante, a la sombra de los enormes muros de la ciudad. Mientras, la clase alta vive en una serie de enormes torres interconectadas mediante naves voladoras. Cuando el cuñado de Sander, el activista Kendal, le convence para infiltrarse en la brutal Guardia, se abre ante él un peligroso camino que pondrá a prueba sus habilidades y creencias. Todo con el fin de darles un futuro a su familia y a su gente.

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