"Los centinelas" de Michael Whelan
El surrealismo cumplió 100 años. Ya no están sus originales y grandes exponentes, quienes dieron vida a uno de los movimientos artístico más populares del siglo XX, pero su estilo -tan atrayente para el público en general- ha perdurado y encontrado nuevas formas de expresión.
Por Rubén Reveco - Editor
El surrealismo es un movimiento artístico y literario que surgió en Francia después de la Primera Guerra Mundial y que se inspira en las teorías psicoanalíticas para intentar reflejar el funcionamiento del subconsciente, dejando de lado cualquier tipo de control racional.
El término surrealismo fue acuñado por Guillaume Apollinaire en 1917, cuando lo utilizó en el marco del programa que escribió para el musical “Parade”. Con el correr de los años, la noción experimentó diversos cambios y alteraciones.
Muchos han sido los artistas que se han convertido en auténticos referentes del surrealismo a lo largo de la historia.
Salvador Dalí, Rene Magritte, Max Ernst, Man Ray, Meret Oppenheim, Paul Delvaux, Giorgio de Chirico, Yves Tanguy o Andre Masson son artistas fundamentales a la hora de entender este movimiento artístico que se hizo extensible no sólo a la pintura sino también a otros campos. De esta manera, hay que subrayar que al cine llegó de manos de ilustres directores que marcaron un antes y un después en la historia de aquel.
En concreto, merece la pena destacar a insignes personajes como al español Luis Buñuel que, precisamente junto a Dalí, creó una película que se ha convertido en una producción de culto. Nos estamos refiriendo a “El perro andaluz” (1928).
En la literatura, por su parte, hay que subrayar a Pierre Naville o André Breton. Y mientras en las artes plásticas en general también se apostó de manera contundente por el surrealismo gracias a la influencia que pintores, escultores, cineastas y literatos estaban ejerciendo en todos los ámbitos de la vida.
En los nuevos artistas del siglo XXI no es fácil distinguir entre realismo mágico, fantástico, simbólico o surrealismo, propiamente tal. Aun así hemos realizado esta selección que iremos incrementando según investiguemos un poco más.
El término surrealismo fue acuñado por Guillaume Apollinaire en 1917, cuando lo utilizó en el marco del programa que escribió para el musical “Parade”. Con el correr de los años, la noción experimentó diversos cambios y alteraciones.
Muchos han sido los artistas que se han convertido en auténticos referentes del surrealismo a lo largo de la historia.
Salvador Dalí, Rene Magritte, Max Ernst, Man Ray, Meret Oppenheim, Paul Delvaux, Giorgio de Chirico, Yves Tanguy o Andre Masson son artistas fundamentales a la hora de entender este movimiento artístico que se hizo extensible no sólo a la pintura sino también a otros campos. De esta manera, hay que subrayar que al cine llegó de manos de ilustres directores que marcaron un antes y un después en la historia de aquel.
En concreto, merece la pena destacar a insignes personajes como al español Luis Buñuel que, precisamente junto a Dalí, creó una película que se ha convertido en una producción de culto. Nos estamos refiriendo a “El perro andaluz” (1928).
En la literatura, por su parte, hay que subrayar a Pierre Naville o André Breton. Y mientras en las artes plásticas en general también se apostó de manera contundente por el surrealismo gracias a la influencia que pintores, escultores, cineastas y literatos estaban ejerciendo en todos los ámbitos de la vida.
En los nuevos artistas del siglo XXI no es fácil distinguir entre realismo mágico, fantástico, simbólico o surrealismo, propiamente tal. Aun así hemos realizado esta selección que iremos incrementando según investiguemos un poco más.
Nuevos exponentes
1) Michael Parkes
Michael Parkes es uno de esos artistas que tiene la versatilidad de ofrecer en cada obra una historia irrepetible. Pero no sólo la historia es única, sino que es contada de un modo diferente.
Son obras que salen de un mismo pincel pero -por composición, protagonismo y argumento- nunca se repiten. (Fuente)
"Unicornio oscuro"
2) Jeff Faust
Existen dos preguntas muy importantes que se deben hacer todos los que pretendan dedicarse al arte: ¿Qué hago y cómo lo hago? Esto último determina el éxito de la propuesta.
El “qué hago” tiene que ver preferentemente con la temática a representar; qué es lo que lo motiva. Y el “cómo lo hago” es la impronta que le otorga el artista a los elementos que elige para representar. En qué escenario los hace actuar.
En definitiva, qué palabras elige para construir su discurso. Cosa muy evidente y clara en la obra de Jeff Fausto.
El paisaje de las cosas simples y mínimas parece ser el propósito de la pintura de este estadounidense.
Aunque el diga que “nunca sé cuando me enfrento a un lienzo lo que voy a encontrar”. Yo creo –y viendo el conjunto de su obra- que Fausto sabe muy bien lo que desea y con lo que se va a encontrar. (Fuente)
3) Max Sauco
Este blog es de pintura, ilustración y cómic. No es un blog de fotografía. Pero como siempre puede haber una excepción, hoy le presento al fotógrafo más pictórico que he conocido. De hecho, empezó siendo pintor, pero cierta incompatibilidad con los materiales propios de las artes plásticas le impidió continuar y se dedicó a la fotografía digital.
Hablo del ruso Max Sauco. Conocí sus obras hace unos años gracias a la publicación de “Uno de los nuestros”, quien en ese entonces expresó: “Sus composiciones son atrevidas y con una importante carga visual. Imágenes surrealistas y oníricas llenas de simbolismo, con el cuerpo humano, sobre todo femenino como protagonista”. (Fuente)
4) Michael Whelan
Este un artista de dilatada trayectoria en el mundo de la ilustración fantástica y de ciencia ficción. Sin embargo, casi nunca he visto un nivel de producción tan condicionado al tema a representar. Si es fantasía, me gusta y si es ciencia ficción, no tanto. ¿Y cuál es la diferencia? ¿o acaso la ciencia ficción no es fantástica o viceversa? Puede ser, pero en el arte de la ilustración el ser un artista del género fantástico no siempre está condicionado a mundos extraterrestres de naves espaciales. La “fantasía” es más que nada de tipo terrícola y tiene que ver con alguna leyenda o mito histórico. (Fuente)
5) Mihai Criste
Mihai Criste, de origen rumano, nació en 1975, estudió en la Escuela Superior de Música y de Artes Plásticas "Segismundo Toduta" y en la Academia de Artes Plásticas "Ioan Andreescu”.
A pesar de la influencia que destilan sus obras y que le acercan a los grandes como Dalí y Magritte, Mihai Criste (Rumanía 1975) nos deja unas imágenes en óleo sobre lienzo de esas que muchas nos veces nos gusta evocar por sus significados metafóricos que exploran el subconsciente y provocan sensaciones dispares. Tal vez algo visto pero no exento de cierta belleza, una implícita sencillez que nos devuelve a los buenos momentos de sueños oníricos y fábulas mágicas. (Fuente)
6) Raffaello Ossola
Este es un pintor suizo que utiliza acrílicos para crear universos extraños y fantásticos en los que los paisajes se funden con los paisajes marinos y los árboles brotan de las grietas de la arquitectura geométrica.
7) Jurger Geier
Jürgen Geier nació en Bietigheim-Bissingen, Australia del Sur. Comenzó a pintar temas marítimos desde su juventud.
Después de muchos años trabajando se trasladó al norte de Alemania en el año 2000 donde se estableció como artista.
8) John Jude Palencar
John Jude Palencar (nació en 1957 en Fairview Park, Ohio ) es un artista que le atrae la fantasía, la ciencia ficción y el terror. Ha ilustrado a más de 100 portadas de libros. Se graduó en el Colegio Colón de Arte y Diseño en 1980.
Palencar es uno de esos artistas que se maneja con fluidez entre la ilustración y la pintura. Mezcla una técnica meticulosa de los viejos maestros con moderada imaginación, por momentos realista, por momentos fantasioso o surrealista. Hay toques de el Bosco y Da Vinci en sus alegorías visuales de paisajes y personajes condenados al inframundo. (Fuente)
9) Jimmy Lawlor
Jimmy Lawlor nació en diciembre de 1967 en Wexford, Irlanda. Las primeras expresiones fueron como ilustrador de varias publicaciones y recién en 1990 se dedica por entero a la pintura, aunque cada tanto aparece su firma en algún anuncio publicitario o ilustrando una revista o portada de libros.
El trabajo de Lawlor se inspira en su entorno pastoral o campestre representando escenas familiares de la Irlanda rural: las personas, pueblos, paisajes y animales, pero con un pequeño giro humorístico muy típico del pueblo irlandés.
10) Rob Gonsalves
El estilo en el que algunos catalogarían las obras del pintor canadiense Rob Gonsalves podría ser el surrealismo pero quizá, si no es muy arriesgado el termino "realismo mágico" lo definiría mejor. Las pinturas de Gonsalves son siempre la unión de dos metáforas que conviven en medio de objetos que le dan paso a otros. Es como si el artista quisiera decirnos que en el mundo todo está conectado.
11) Peter Gric
Peter Gric nació en 1968 en la antigua República Socialista Checoslovaca. Cuando aún era un niño, a su familia se le concedió un permiso de vacaciones fuera de los territorios estrictamente controlados por los socialistas. Sin saberlo el, sus padres nunca pensaron en regresar, y condujeron hacia Austria en lugar de al estado aprobado como destinación de sus vacaciones, donde solicitaron la residencia. Peter estudiaría con el profesor Arik Brauer en la Academia de Bellas Artes de Viena, que fue uno de los miembros originales de la Escuela de Realismo Fantástico de Viena. Peter así pasaría a formar parte de la nueva generación de artistas influenciados por ese movimiento. Su obra ha sido expuesta junto con otros notables artistas como H.R.Giger y es miembro del grupo Labyrinthe. A ilustrado numerosas portadas de libros, principalmente del género de ciencia ficción y fantasía. Siendo de una joven generación de artistas y a pesar de realizar su obra con acrílicos y pintura, no ha evitado las nuevas tecnologías y ha trabajado en el modelado 3D. (Más información)
12) Guennadi Ulibin
Del pintor ruso Guennadi Ulibin -radicado en España- ofrecemos algunas pinturas que según mi parecer representan lo mejor de su obra. No voy a hablar tanto de su técnica prodigiosa y el resultado impecable de la misma. Siempre que se escribe de Ulibin se destaca este aspecto meramente formal y que no siempre es importante. Por ejemplo, si pintamos una manzana de un modo hiperrealista no será más que una fruta si el pintor no logra que nos diga algo. ¡La manzana tiene que hablar! Y muchas veces el producto de una buena técnica es sólo éso: una cara bonita pero inexpresiva.
Pero este no es el caso. Entre otros aspectos, me llama la atención la atmósfera que logra Ulibin y el momento que elige para hacer actuar a sus personajes. Ya que son puestas en escena muy particulares. Es un realismo mágico con antecedente en la ciencia ficción. ¿Qué hacen esas naves abandonadas en el borde del mar? Esas máquinas de otro mundo me recuerdan el filme “El planeta de los simios”, cuando los protagonistas encuentran a la “Estatua de la Libertad” semi-enterrada en las arenas de una playa.
Las pinturas de esta serie son silenciosas. El sol ya se ha ido y el remanente de luz da en forma horizontal sobre los objetos. La luz envuelve con su atmósfera dorada a todos los actores que siempre son pocos: una playa solitaria, una máquina abandonada (pero no destruida) y una mujer joven, desnuda, sola y hermosa. (Fuente)
Mujer casi siempre distante; nunca en un primer plano o cercana al espectador. Es un momento particular. Atardeceres que nos obligan al silencio y a preguntarnos si podremos un día caminar descalzos por esa playa.
13) Andrea Kowch
Andrea Kowch ha sido descrita como "una poderosa voz emergente, que demuestra una conciencia altamente sensible que informa un simbolismo culturalmente atado". Nació en Detroit, Michigan en 1986, asistió a la Facultad de Estudios Creativos a través de una Beca Walter B. Ford II, y se graduó de Summa Cum Laude con un BFA en 2009, doble especialización en Ilustración y Educación Artística. Sus pinturas y trabajos en papel son ricos en humor, alegoría, y precisión de medio, reflejando una abundancia de influencias del renacimiento norteño y del arte americano, los paisajes rurales y la arquitectura vernácula de su Michigan nativo.
Las historias y la inspiración detrás de sus pinturas "provienen de las emociones y experiencias de la vida, lo que da como resultado imágenes narrativas y alegóricas que ilustran los paralelismos entre la experiencia humana y los misterios del mundo natural. El solitario y desolado paisaje americano que abarca los temas de las pinturas sirven como una exploración de la santidad de la naturaleza y un reflejo del alma humana, que simboliza todas las cosas poderosas, frágiles y eternas. Escenarios reales, pero oníricos, transforman las ideas personales en metáforas universales para la condición humana, todas conservando una sensación de vaguedad para fomentar el diálogo entre el arte y el espectador". (Fuente)
La artista
13) Jaime Vásquez
“Es difícil clasificar la pintura de Jaime Vásquez, como modernista, como post modernista, o neoclásico. Él es un virtuoso poliédrico; Vásquez escapa de cualquier clase de ideología, por su amor a la belleza" (Paola Antonelli, Curadora, MOMA) Jaime Vásquez Quiroz, conocido en el mundanal del arte como El Maestro, sin duda el artista más renombrado de los últimos tiempos. Reconocido pintor peruano, se distingue por una marcada tendencia llena de vigor y dramatismo en sus obras, que escapa a cualquier clasificación de arte. Sus óleos, intensivos en investigación, que hacen bailar la realidad entre la exaltación clásica y las olas de la modernidad, lo han llevado a cosechar la fama internacional, prueba ello no sólo se evidencia en la presentación de su arduo trabajo en las principales instituciones de arte del planeta, sino también en la disputa por la adquisición de sus cuadros por coleccionistas de clase mundial. (Fuente)
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