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viernes, 9 de agosto de 2024

Umpa-Pá: Contra Mala-Uva

 


Esta serie, que consta de 5 álbumes, ha sido el segundo trabajo en equipo de quienes, un año más tarde, serían los creadores de Asterix. Un clásico poco difundido en nuestro idioma, que nada tiene que envidiarle a su archifamoso sucesor.

Personajes muy bien definidos, un dibujo pulcro, elegante y efectivo y las dosis exactas de muy buen humor constituyen la fórmula sobre la cual se construyen las aventuras de este piel roja, un personaje imperdible para todos los seguidores del pequeño guerrero galo.
Las historietas de Umpa-pa transcurren en la américa del Norte del siglo XVIII, cuando la carabela La Arrogante llega a aquéllas lejanas tierras para conquistar territorios por orden del rey. El impetuoso caballero Humberto de la Pasta de Hojaldre, ansioso por explorar las tierras americanas, desembarca en solitario, y Umpa-pa, valeroso guerrero de la tribu de los Valevale, lo captura.
Ya en su tribu, otros importantes personajes del clan como el anciano Sóloundiente o el hechicero Comollueve, pretenden comerse al caballero, mientras que si Umpa-pa desea conservarlo, deberá pasar una serie de pruebas. Durante el transcurso de las mismas, Pasta de Hojaldre lo defiende, y esto emociona a Umpa-pa al punto que manifiesta que si sale victorioso, el caballero ya no será su prisionero, sino su hermano y amigo. El protagonista consigue vencer, y Pasta de Hojaldre es adoptado por la tribu bajo el nombre de Doble Cabellera, por su peluca.

  • Umpa-Pá #01 - El Piel Roja
  • Umpa-Pá #02 - En el sendero de la guerra
  • Umpa-Pá #03 - Los piratas
  • Umpa-Pá #04 - Mision secreta
  • Umpa-Pá #05 - Contra Mala-Uva
P00002 - Umpa-Pá #2P00003 - Umpa-Pá #3P00004 - Umpa-Pá #4P00005 - Umpa-Pá #5

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Druuna: El planeta olvidado


En un futuro desolado, en un planeta desconocido, la única forma de sobrevivir es abandonarse a los instintos y los deseos carnales.
En las manos de Druuna, la sensualidad y la belleza se convierten en una poderosa arma de seducción con la que conseguir cualquier cosa que se proponga. Druuna es el ícono sexual del cómic europeo.

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La sensualidad como arma de supervivencia en un futuro desolado: el caso de Druuna

En un futuro distópico, donde la civilización tal como la conocemos ha quedado reducida a escombros y los instintos primitivos han tomado el control, la existencia en un planeta desolado se convierte en una lucha constante por la supervivencia. En este contexto extremo, la sensualidad y la belleza emergen no solo como elementos de atracción, sino como herramientas esenciales para navegar un mundo hostil. Druuna, la icónica figura del cómic europeo, se presenta como un símbolo de esta realidad cruda y fascinante, donde el deseo se convierte en la clave para obtener poder y recursos en un entorno marcado por la decadencia y la barbarie.

La creación de Paolo Eleuteri Serpieri, Druuna es un personaje que encarna la lucha por la vida en un universo donde los valores éticos y morales han sido destruidos. Su belleza, a menudo representada de manera exagerada y casi surrealista, no solo actúa como un símbolo de sensualidad, sino que se convierte en un arma poderosa en su arsenal. En este mundo donde la razón ha cedido paso a un reino de instintos, Druuna utiliza su atractivo físico para manipular y seducir a aquellos que la rodean, convirtiéndose en un símbolo de supervivencia en medio de la anarquía.

La representación de Druuna desafía las normas tradicionales de los cómics y la narrativa visual. A través de su figura, Serpieri no solo presenta una estética seductora, sino que también plantea preguntas sobre el papel de la mujer en un mundo donde la supervivencia depende de la capacidad de aprovechar el deseo carnal. Druuna se enfrenta a diversos antagonistas, desde monstruos mutantes hasta seres humanos corruptos, y su enfoque para enfrentar estos desafíos radica en su habilidad para usar su sensualidad como un medio de influencia y control. Esto resalta una dualidad intrínseca: mientras que la belleza puede ser vista como un rasgo superficial, en el contexto de esta narración, se transforma en una forma de resistencia y poder.

Además, el uso de la sensualidad como una herramienta de poder pone de manifiesto un análisis más profundo en torno a la objetivación del cuerpo femenino. Aunque la imagen de Druuna es hipersexualizada, también plantea una subversión de roles en la que una mujer no es solo un objeto del deseo, sino que toma la iniciativa en su propia narrativa. Este giro fortalece la figura de Druuna como un ícono no solo sexual, sino también como un símbolo de empoderamiento en un entorno adverso. Su capacidad para manipular y controlar a través del deseo refleja un aspecto oscuro de la naturaleza humana que, en tiempos de crisis, se hace más pronunciado.

Sin embargo, el mundo de Druuna también es un recordatorio de las consecuencias de la deshumanización y la pérdida de la civilización. La vulnerabilidad y el sufrimiento que subyacen a la búsqueda de poder a través de la sensualidad evocan una reflexión profunda acerca de la ética en situaciones extremas. A medida que el ser humano se ve obligado a recurrir a sus instintos más básicos, surge la pregunta de hasta qué punto la supervivencia justifica los medios. La historia de Druuna no solo es una exploración de los deseos carnívoros, sino también una meditación sobre los límites de la moralidad en un futuro incierto.

En conclusión, la figura de Druuna en un futuro desolado trasciende la mera representación de la sensualidad. En un planeta donde la vida y la muerte se definen a través de los instintos, se convierte en un símbolo potente que ilustra las complejidades de la supervivencia en medio de la adversidad. Su belleza y capacidad de seducción son reflejos de la lucha por el poder en un mundo despojado de sus normas, ofreciendo una narrativa rica en matices que invita a la reflexión sobre la condición humana y el papel del deseo en la búsqueda de la vida. Así, Druuna emerge no solo como un ícono sexual del cómic europeo, sino como un emblema de resistencia y revelación en una realidad desgarradora.









El increíble caso del señor Figlock





En la primavera de 1975, un bebé cayó desde una altura de 14 pisos en la ciudad estadounidense de Detroit, aterrizando sobre Joseph Figlock, ocasional transeúnte.
Un año después, volvió a ocurrirle lo mismo al señor Figlock con otro niño. En ambos casos, todos los implicados sobrevivieron.



Cuando la suerte y el destino se entrelazan

En la primavera de 1975, un suceso extraordinario conmocionó a la ciudad de Detroit y dejó una huella imborrable en la memoria colectiva de sus habitantes. Joseph Figlock, un hombre común, se convirtió en el protagonista involuntario de un episodio tan insólito que parecería sacado de un guion cinematográfico. En una mañana aparentemente normal, un bebé cayó desde una altura de 14 pisos y aterrizó sobre Figlock, quien, para su sorpresa y la del resto de testigos, no solo sobrevivió al impacto, sino que también salvó la vida del infante. Este singular evento, sin embargo, no fue un caso aislado, ya que un año después Figlock enfrentaría una situación similar, esta vez con otro niño, y una vez más tendría la fortuna de salir ileso.
La serie de sucesos que giran en torno a la figura de Joseph Figlock plantea reflexiones sobre el azar, la suerte y la percepción de la realidad. En ambos incidentes, el azar parecía jugar un papel primordial, llevando al infante a caer sobre una persona que, por ironías del destino, estaba allí en el momento justo. Figlock se convirtió en un personaje casi mítico, un hombre que, de algún modo, estaba marcado por una suerte excepcional. La estadística y la probabilidad parecen insuficientes para explicar cómo una misma persona podría ser el punto de impacto en dos situaciones tan extraordinarias.
Desde una perspectiva más profunda, el caso de Figlock puede examinarse a través del prisma del destino y la providencia. Algunos pueden interpretar estos eventos como un signo de que Figlock tenía un propósito mayor en la vida, destinado a ser un guardián fortuito para los niños que caían del cielo. Por otro lado, otros podrían considerarlo simplemente un accidente curioso, una serie de coincidencias que desafían la lógica. Cualquiera que sea la interpretación, no se puede negar que estas extraordinarias circunstancias despertaron la curiosidad de los medios de comunicación y del público en general, generando una mezcla de asombro y escepticismo.
Además, el impacto emocional de estos incidentes reverberó más allá de la mera anécdota. En una época marcada por tensiones sociales y desafíos urbanos, la historia de Figlock ofreció un rayo de esperanza y humanidad. La supervivencia del bebé, así como la del propio Figlock, insufló optimismo en una comunidad que a menudo se veía atrapada en relatos de tragedia y crisis. La narrativa de rescate y supervivencia promovía la idea de que, aun ante la adversidad, podían ocurrir milagros.
A medida que el tiempo ha pasado, el legado del señor Figlock continúa siendo recordado. Su historia no solo invita a una reflexión sobre las intricadas relaciones entre azar y destino, sino que también resalta la resiliencia humana y la capacidad de sobrevivir a lo inesperado. Además, el caso de Figlock ha contribuido a un mayor debate sobre la naturaleza de las experiencias humanas; de cómo, en el transcurso de la vida, el destino puede interceder de formas inimaginables.
En conclusión, el increíble caso del señor Figlock es un recordatorio poderoso de que la vida está llena de sorpresas, y que a veces el destino puede ofrecer giros inesperados. La historia de Figlock nos invita a contemplar la delgada línea que separa la fortuna de la desgracia, y nos instiga a encontrar lecciones y significados en los eventos extraordinarios que, de otro modo, podrían considerarse simples coincidencias. Es un relato que perdura y que nos lleva a cuestionar la naturaleza del azar y el propósito en nuestras propias vidas.

Refucilo

Carlos Roume, un magnífico y polifacético artista que, a lo largo de su riquísima vida, demostró sus enormes dotes como arquitecto, escultor, ilustrador publicitario y dibujante de historietas.

Dueño de una sensibilidad artística y de una personalidad incomparables, su distintivo estilo gráfico prácticamente no sufrió modificaciones a lo largo de los 50 años que le dedicó al dibujo de historietas, terreno donde siempre prefirió plasmar la grandiosidad de la naturaleza, tanto a través de paisajes como en el meticuloso y detallado retrato de animales y diversos tipos humanos.






Ki´o, el indio blanco

Esta aventura se publicó en el revista Mampato entre los números 323 y 327, y que tiene como protagonista a KI'O, el indio blanco, personaje escrito por Adrián Roca y dibujado por el maestro Mario Igor. Ambientada en la Amazonia, nos muestra la confrontación entre la ambición y el afán de lucro de traficantes y aventureros, y la identidad cultural de quienes habitan desde tiempos inmemoriales esas tierras. 
Ki´o es una especie de Tarzán de la Amazonia.


jueves, 8 de agosto de 2024

The Florence Academy of Art

 


Educar a artistas en los niveles más altos del realismo académico clásico.

En la actualidad, se observa un aumento significativo en la creación de academias de arte dedicadas a la enseñanza de las artes plásticas siguiendo los métodos de los grandes maestros de la antigüedad. Esta tendencia surge como una respuesta al predominio del Arte Contemporáneo y se centra en ofrecer a los alumnos una formación rigurosa en técnicas realistas de dibujo y pintura. La Academia de Arte de Florencia se erige como un modelo emblemático de este enfoque académico, priorizando la excelencia en los fundamentos artísticos tradicionales.

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"Nueva edad de expansión para la pintura realista"
"Somos nosotros los que nos esforzamos por crear imágenes de significado emotivo. Conscientes de lo alto que la vara ha sido colocado por nuestros predecesores.
Nuestro tiempo es único porque tenemos más información disponible para nosotros que nunca antes, y más libertad para expresar lo que nos espera de verdad. Creo que estamos entrando en una nueva edad de expansión para la pintura realista, una edad que va a cambiar la pintura y la forma en que nos fijamos en nuestro mundo por muchos años más."
Daniel Graves es fundador y director, The Florence Academy of Art. Miembro del jurado de figurativas 2015.


Una respuesta académica al Arte Contemporáneo

La Florence Academy of Art, establecida en 1991 en la ciudad que vio nacer el Renacimiento, es un foco importante de enseñanza en artes plásticas que busca revivir y perpetuar las tradiciones de los grandes maestros de la pintura de la antigüedad. En un mundo donde el arte contemporáneo parece dominar el discurso estético y creativo, esta academia se distingue por su compromiso inquebrantable con la rigurosidad académica y la habilidad técnica, ofreciendo a los estudiantes un refugio en el que aprender a dibujar y pintar a la manera realista que caracteriza las obras de los grandes maestros.

El éxito bendito de la paz (Rebel Moon -La película)

 


El encuentro entre el robot Jimmy (siempre maltratado por los soldados de Mundo Madre) y la hermosa Sam es revelador. Ambos tienen un papel secundario, pero su encuentro es una de las partes más emotivas y poéticas de la película, parte 1. 


Después de dos horas de un relato que entrelaza la ciencia ficción con la profundidad emocional, el robot Jimmy rememora su mágico encuentro con Sam, a la orilla de un río. En un acto cargado de simbolismo, ella lo corona con flores, instigando no solo un momento de belleza efímera, sino también un despertar trascendental. A partir de ese instante, el robot alcanza una nueva dimensión de conciencia sobre su propia existencia y comienza a vislumbrar la esencia de la bondad, revelando cómo un gesto simple puede desencadenar transformaciones profundas en el ser. Este instante de reconocimiento es un poderoso recordatorio de la capacidad del amor y la ternura para dar sentido a la vida, incluso en los seres más inusuales.

Por Rubén Reveco - Editor

ACLARACIÓN:

Hasta el momento se han realizado dos películas pos-producción de la serie. Las versiones director’s cut.
"La niña del fuego" se estrenó el 22 de diciembre de 2023 en Netflix, además de un estreno limitado en cines. La continuación, Rebel Moon - Parte 2: La guerrera que deja marca, se estrenó el 19 de abril de 2024. 


Sam. 
La reacción a Rebel Moon ha sido abrumadoramente positiva, y muchos han elogiado las actuaciones, la trama y la visión única del género de ciencia ficción.

Mampato y Ogú: ¡Arde Troya!



Esta vez, las aventuras de Mampato y Ogú nos lleva a la Ilíada, del gran poeta Homero. Narra el último año de la guerra de Troya.


Las aventuras de Mampato y Ogú, creaciones del reconocido dibujante chileno Themo Lobos, se han consolidado como un referente significativo en la narrativa gráfica de habla hispana. A través de una innovadora combinación de historia, aventura y cultura, Lobos consigue no solo entretener, sino también educar a sus lectores, adentrándolos en temas profundos y universales. Entre sus numerosas referencias literarias, destaca la conexión con la Ilíada, obra maestra del gran poeta Homero, que narra los eventos del último año de la guerra de Troya. Este ensayo explorará cómo las aventuras de Mampato y Ogú aluden a esta epopeya clásica, a la vez que resaltan el valor de la reinterpretación de los mitos en la literatura contemporánea.
Homero, en su Ilíada, presenta un relato épico que aborda temas como el honor, la venganza, la amistad y la tragedia. Al seguir la historia de héroes como Aquiles y Héctor, los lectores son testigos de un conflicto humano que trasciende el tiempo y el espacio. En paralelo, Lobos utiliza a Mampato y Ogú como vehículos para explorar conflictos similares, aunque en un contexto más accesible y cercano para un público joven. La travesía de estos personajes los lleva no solo a realidades fantásticas, sino también a situaciones que evocan las luchas y dilemas presentados en la Ilíada.
Una de las características más notables de las historias de Mampato es su capacidad para hacer referencia a elementos históricos y mitológicos, amalgamando la ficción con la cultura clásica. En sus aventuras, los personajes frecuentemente se encuentran en escenarios que evocan símbolos de la antigüedad, mientras que los dilemas que enfrentan resuenan con las decisiones épicas de los héroes homéricos. Esto no solo permite a los jóvenes lectores familiarizarse con la literatura clásica, sino que también les ofrece una nueva perspectiva sobre los valores atemporales que se exploran en obras como la Ilíada.
Además, la habilidad de Lobos para entrelazar humor y comentario social en su narrativa contribuye a la relevancia de sus historias. Al igual que Homero, quien reflexionaba sobre la naturaleza humana y sus imperfecciones a través de la tragedia y la comedia, Lobos invita a los lectores a cuestionar, aprender y reflexionar sobre su mundo a través de situaciones que mezclan lo absurdo con lo significativo. La ironía y el optimismo característicos de las aventuras de Mampato y Ogú ofrecen un contrapunto a la gravedad de los temas tratados en la Ilíada, promoviendo la resiliencia y el pensamiento crítico.




Despedida de soltera

 


Un "capricho" puede traer consecuencias muy graves. Una simpática historia escrita y dibujada por uno de los referentes del cómic español: Carlos Giménez.

Carlos Giménez (n. Madrid, 16 de marzo de 1941) es un historietista español, adscrito habitualmente al Grupo de La Floresta,1​ siendo este uno de los diferentes estudios en los que ha participado. Junto con otros autores de su misma generación, como Josep María Beá (1942), Luis García (1946), Felipe Hernández Cava (1953), Fernando Fernández (1940), Enric Sió (1942) o Adolfo Usero (1941) participó en la renovación del cómic español.2​Es, en cualquier caso, uno de los historietistas más importantes del denominado boom del cómic adulto en España y uno de los pocos que aún continúan en activo.

A lo largo de su vida profesional, se ha significado además por su militancia política (colaboró con el PSUC) y su defensa de los derechos de guionistas y dibujantes. (W)