El hombre desnudo en el arte

El debate sobre el desnudo en el arte ha sido siempre un tema controversial, especialmente cuando se trata del desnudo masculino. Parece que la sociedad tiende a asociar la exposición de los órganos sexuales con un nivel de pudor y moralidad que puede llevar a la censura de la obra de arte.

En el caso del desnudo masculino, existe un prejuicio arraigado que sugiere que los órganos reproductivos del hombre no son considerados estéticamente atractivos para ser exhibidos de manera explícita. Sin embargo, al explorar las opiniones de las mujeres sobre este tema, hemos encontrado una sorprendente diversidad de opiniones.

Algunas mujeres consideran que el desnudo masculino puede ser tan bello y artístico como el femenino, y aprecian la representación de la figura masculina en el arte. Otros, por otro lado, pueden sentirse incómodos o incluso ofendidos por la exposición de los órganos sexuales masculinos en una obra de arte.

En última instancia, la belleza y el valor artístico del desnudo masculino son subjetivos y pueden variar según la percepción de cada individuo. Es importante recordar que el arte tiene el poder de desafiar nuestras creencias y prejuicios, y que la censura basada en la moralidad tradicional puede limitar nuestra capacidad de apreciar la diversidad y la complejidad del arte en todas sus formas.

¿Qué opinan las mujeres del desnudo masculino?

“Tengo que decir que en mi última exposición, los desnudos masculinos llamaron mucho la atención. Tanto Mercedes, como Amador, directores de la galería, comparten mi opinión de que ya es hora de que un desnudo masculino no escandalice. De todas formas, tengo que decir, que si tuviese que vivir de mis desnudos masculinos, por mucha admiración que despierten, me moriría de hambre. Si la exposición se titulaba “Provocación vs Inocencia”, en cuanto a ventas, la parte que tuvo éxito fue la de la inocencia. Los desnudos gustan pero nadie se atreve a colgarlos en las paredes de su casa. Las mujeres se sienten cohibidas a la hora de hacer tal cosa, cuando en cambio, los desnudos femeninos abundan en muchos hogares. Queda mucho camino por andar y, al fin y al cabo, lo que importa es el camino.” (Sonia Vakeiro, pintora)

Las siete pinturas más feas y famosas del siglo XX

1) «Las señoritas de Avigñon», pintada por Pablo Picasso, entre 1906 y 1907. En las dos figuras de la derecha se nota ya un primer intento de lo que sería el cubismo.

A aquellos que critican que solo publico "caras bonitas", que la vida real no es así y que los rollitos son parte de la hermosura, les confirmo que están en lo correcto. Por ello, hoy les presento las pinturas más feas del siglo XX, reconocidas y costosas, según lo dicta el siempre presente y poderoso mercado. Aquel que establece que "cuanto más feo, mejor".

Por Rubén Reveco - Editor revista Machete

Durante la primera mitad del siglo XX, los artistas lograron un hito importante al romper con los estándares estéticos tradicionales en el arte. Ya no se limitaban a la belleza convencional, sino que exploraban nuevas formas de expresión. Esta liberación de los cánones estéticos permitió ampliar los límites de la belleza y fomentar una explosión creativa sin precedentes. No se trataba de apreciar lo feo o lo vulgar, sino de abrirse a nuevas posibilidades creativas y combinaciones innovadoras. Este cambio en la percepción del arte marcó un antes y un después en la historia del arte, dando lugar a una diversidad de enfoques y estilos que enriquecieron el panorama artístico de la época.

2) «Mujer que llora», otra de Pablo Picasso. El dolor y angustia del llanto llevado al extremo de la deformación.

Está de más aclarar que las obras expuestas no son feas porque el artista no supiera pintar o dibujar. Lo deliberadamente feo da tanto o más trabajo que lo deliberadamente hermoso, pero lo feo, parece ser mejor para desarrollar ciertos conceptos y estados de ánimo. 

Especial mes de la Mujer: Entrevista a Camila Reveco, editora de arte

 

Camila Reveco / Lic. en Comunicación. Editora de revista Ophelia.

Editar una revista de artes plásticas implica la selección cuidadosa de artistas destacados, la creación de contenido relevante y la presentación visualmente atractiva de las obras. Es fundamental contar con un equipo editorial especializado y un diseño gráfico de alta calidad para destacar la belleza y la técnica de las pinturas, por ejemplo. Además, se debe tener en cuenta la investigación exhaustiva sobre las tendencias actuales en el arte realista contemporáneo para ofrecer a los lectores una visión completa y actualizada del panorama artístico.

El desafío de hacer una revista cultural radica en la necesidad de ofrecer contenido relevante y de calidad que atraiga a un público diverso y exigente. Es crucial mantener un equilibrio entre la profundidad de los temas tratados y la accesibilidad para el lector promedio. Además, se debe estar al tanto de las tendencias actuales en arte, literatura, música y cine para poder ofrecer una perspectiva fresca y actualizada. La clave está en la creatividad, la originalidad y la constante búsqueda de la excelencia en cada edición.

-Una revista de arte con 26 ejemplares editados. ¿Cómo se logra?

Perseverancia pura. En septiembre vamos a cumplir siete años, hemos pasado por muchas etapas: momentos que hemos vivido con mucha felicidad y euforia y otros con mucha angustia y preocupación. Supongo que me acostumbre a vivir así. Llevar a cabo un proyecto cultural de estas características exige hacer balances constantes, revisar objetivos y estar preparados todo el tiempo para cambios en muchos niveles porque el objetivo es sacar siempre una nueva revista mirando haciendo el frente y vivir de tu trabajo.

Web de la revista

Especial mes de la Mujer: Mujeres pintoras (Las de antes y las de ahora)

 

Ilustración de Norman Rockwell

¿Por qué esta publicación? Porque estamos visibilizando y completando esa historia del arte escrita por hombres que le negó presencia en los libros a grandes creadoras. Como este es un blog dedicado, más que nada, a las artes, hemos buscado en nuestro archivo algunos artículos que intentan desentrañar el complejo entramado de una marginalidad que ya es histórica.

Agradecemos a todas las amigas de facebook que ante una convocatoria nos han acercado una fotografía en plena labor creativa. De a poco iremos completando el largo listado. Gracias a todas.

La mujer y el arte

Las pintoras y escultoras han sido sistemáticamente presentadas en los manuales de historia del arte de una forma marginal lo que podría hacernos pensar que apenas habían existido, mientras que como objeto eran ampliamente representadas en cuadros, esculturas y demás manifestaciones artísticas de todos los tiempos.

Lo cierto es que sí ha habido grandes artistas pero no han sido reconocidas como tales ni valoradas por la posteridad. Muchas pinturas realizadas por mujeres fueron inicialmente atribuidas a varones, lo que indicaría que no hay diferencias objetivas entre el arte realizado por mujeres o por hombres, pero cuando se verifica que la autora es una mujer, baja mucho el valor económico y simbólico de la obra. Vamos por ello a realizar un breve recorrido por la historia del arte constatando así su presencia y los obstáculos a los que tuvieron que enfrentarse y superar para poder dedicarse a aquello que verdaderamente deseaban.

Especial mes de la Mujer: Guerreras de Ucrania

Homenaje a esas soldados que han tomado las armas para defender su patria ante la agresión externa.

La localización es secreta, en algún lugar de Ucrania. La base, un recinto militar, está preparada para la guerra. En el vídeo que acompaña la noticia, un equipo de EL PAÍS conversa con dos soldadas voluntarias que se autodefinen como “feministas, nacionalistas y de izquierdas”. Ambas lucharon en el conflicto que estalló en la región del Donbás en 2014, cuando Putin se anexionó la península ucrania de Crimea, y han decidido volver al frente en este nuevo episodio bélico. Se acerca el 8 de marzo, Día de la Mujer Trabajadora, y Anna Ivancik y Anastasia Vinislavska —enfermeras especializadas en primeros auxilios— reivindican el papel de las mujeres en escenarios como el actual, que no se reduce ni debe limitarse a las labores de cuidados. La lista con las profesiones que tenían prohibido desempeñar las mujeres fue finalmente eliminada en su país en 2018.

Ver entrevista diario El País, de España

Remodelaban su casa y encuentran un tesoro con 264 monedas de oro antiguas bajo el piso

El fabuloso hallazgo millonario de 264 monedas de oro de los siglos XVII y XVII bajo el piso de una casa.

Una pareja se volverá millonaria al subastar las monedas de oto acuñadas entre 1610 y 1727. Cuánto dinero podrían recibir.

Una pareja que remodelaba su casa encontró un recipiente de cerámica que guardaba un fabuloso tesoro: 264 monedas de oro que irán a una subasta y podrían costar unos 290.000 dólares.

Los novios hacían arreglos de su propiedad en Ellerby, un pequeño pueblo de North Yorkshire, Reino Unido, cuando hallaron el lote que será subastado el 7 de octubre, informa la casa de remate londinense​ Spink & Son.

El tesoro, que data de los siglos XVII y XVIII, es una de las mayores reservas de este tipo de monedas jamás descubiertas en el lugar, informan en un comunicado enviado a USA Today.

Especial mes de la Mujer: La maternidad en el arte de Mary Cassatt

 

Casi la totalidad de su obra se centró en el retrato, la representación de la mujer, las niñas y la maternidad. A su manera, podríamos decir que fue la primera pintora feminista del siglo XIX.

Mary Stevenson Cassatt (1844-1926) fue una pintora y grabadora estadounidense. Aunque nacida en Estos Unidos, pasó gran parte de su vida adulta en Francia, donde forjó amistad con Edgar Degas y se incorporó al movimiento impresionista. Cassatt pintó, principalmente, imágenes representando la vida social y privada de las mujeres, con especial énfasis en los lazos entre ellas y sus hijos.

La artista fue descrita por Gustave Geffroy como una de "las tres grandes damas" del impresionismo junto a Marie Bracquemond y Berthe Morisot.

Cassatt nació en Allegheny City, Pensilvania, ahora Pittsburgh.​ Su padre, Robert Simpson Cassatt (más tarde solo Cassatt) era un exitoso agente de bolsa, descendiente del francés Jacques Cossart, que había llegado a Nueva Ámsterdam en 1662. Su madre, Katherine Kelso Johnston, provenía de una familia de banqueros. Katherine, una lectora educada, tuvo una gran influencia sobre su hija. Louisine Havemeyer, amiga de Mary, escribió en sus memorias: "Todo aquel que tuvo el privilegio de conocer a la madre de Mary Cassatt sabía de inmediato, que se trataba de ella y solo de ella (Mary) que había heredado su habilidad".​

Cassatt creció en un ambiente acomodado en el que se consideraban los viajes como parte integral de la educación; pasó cinco años en Europa y visitó importantes capitales como Londres, París y Berlín. Durante sus estancias en el extranjero aprendió alemán, francés y tuvo sus primeras lecciones de dibujo y música.​ Es probable que su primer contacto con los artistas franceses Ingres, Delacroix, Corot y Courbet fuera en la Exposición Universal de París de 1855. En la exposición estuvieron también Degas y Pissarro, quienes más tarde serían sus colegas y mentores.​

Aunque su familia se opuso a que se convirtiera en una artista profesional, Cassatt comenzó a estudiar pintura en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts a los 15 años. Parte de la preocupación de sus padres surgía de la constante exposición a ideas feministas, no comunes durante la época, y al comportamiento bohemio de algunos de sus compañeros varones. Aunque alrededor del 20% de los estudiantes eran mujeres, la mayoría miraba el arte como una habilidad social; solo algunas de ellas, como Cassatt, querían hacerlo su carrera.​ Continuó sus estudios desde 1861 hasta 1865, durante la Guerra Civil estadounidense.​ Entre sus compañeros de estudios se encontraba Thomas Eakins quien, más tarde, se convertiría en un controvertido director de la Academia.

Impaciente con la lentitud en el aprendizaje y con la actitud condescendiente de los hombres en la Academia, decidió estudiar por su cuenta. Más tarde Cassatt aseguraría que "la enseñanza no existía" en la Academia. Las estudiantes tenían prohibido utilizar modelos vivos (hasta un poco más tarde) por lo que su formación principal se basaba, principalmente, en moldes.​

Autorretrato, hacia 1880, gouache, acuarela y lápiz sobre papel, 32,7 x 24,6 cm, Washington, National Portrait Gallery.

Especial mes de la Mujer: Historia, pintura e instrumentos

Stephen Gjertson

La mujer ha sido la principal fuente de información y transmisión de la tradición oral musical desde los tiempos más antiguos. Pero también desde la antigüedad se tienen noticias de mujeres intérpretes que componen sus danzas y cantan.

La música como liberación femenina

Aunque la música ha formado parte de la condición humana desde los tiempos del hombre primitivo, y así se constata en algunas pinturas rupestres, y se reconoce a la mujer, mayoritariamente, como la transmisora oral por excelencia de la música y las canciones, no sería hasta los siglos XVI al XVIII que la enseñanza de la música supondría una ayuda para la mujer, independientemente de su condición social.

A las chicas de familias humildes que tuvieran cierta disposición para la música y la danza les servía para que pudieran labrarse un futuro. Además, en España hay constancia de que en algunos hospitales y los centros de beneficencia se enseñaban los principios de canto llano y canto de órgano con lo que muchas muchachas pobres o huérfanas podían tener la oportunidad de ejercer de maestras de música en conventos, y tener su correspondiente sueldo, o convertirse en cantantes y actrices ambulantes. 

Las mujeres de las clases altas también recibían educación musical para un buen matrimonio. Además, muchas de estas mujeres de la nobleza y la alta burguesía contribuyeron en esta época a la divulgación de la música, e influyendo en los gustos musicales de su entorno, mediante las tertulias musicales que organizaban en sus casas.