Michele del Campo: "Juventud divino tesoro"

 

Siempre me pasa que cuando publico "Los 10 mejores pintores realistas del tal país..." a los pocos días me encuentro con un excelente artista que ha quedado afuera de la lista por olvido o por que no lo conocía. A modo de reparación histórica, publico hoy a Michele del Campo, que sin dudas debió haber estado en la selección realizada a Italia.

En el ámbito de la crítica artística, es común cometer errores de omisión al elaborar listas que intentan resumir la excelencia de ciertos artistas. En este sentido, es importante reconocer y enmendar tales fallos para dar lugar a la justicia histórica que merecen aquellos talentos que han sido inadvertidamente excluidos.

Uno de estos casos es el del artista Michele del Campo, cuya obra sin duda alguna merece ser destacada en cualquier selección de los mejores pintores realistas de Italia. A pesar de que su nombre no haya sido incluido en listas previas, es imperativo reconocer su talento y contribución al arte.

Por tanto, en un acto de reparación histórica, es necesario resaltar la importancia de artistas como Michele del Campo, cuyo trabajo ha sido pasada por alto injustamente. Es crucial recordar que la excelencia artística no se limita a unas cuantas figuras conocidas, sino que se extiende a una amplia gama de talentos que merecen ser celebrados y valorados.

Michele del Campo es un joven pintor italiano, nacido en 1976, que ha estudiado en Reino Unido y Madrid, donde obtuvo la licenciatura de Bellas Artes en 2007. Su obra ha sido reconocida con premios muy prestigiosos, entre otros, el Primer Premio BMW de 2006.

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Edson Campos: El desnudo de hoy (y otras pinturas)

 

Esta pintura de Edson Campos ya la había elegido como una de las más hermosas del realismo contemporáneo. Se llama "Concierto" y es uno de los desnudos más sugerentes que le he visto a este artista brasileño. Un golpe de luz cae sobre la cadera y el paño -único resabio de la pintura clásica de antaño- envuelve el cuerpo desnudo de la modelo. Ella está sentada en la punta de un banco y el juego de luces y sombras contrasta con la simpleza arquitectónica. El color es perfecto.

Originario de Río de Janeiro, Brasil, Edson Campos disfrutó dibujando y pintando desde pequeño. Se mudó a los Estados Unidos en 1978 y rápidamente fue reconocido por su producción artística.

Edson Campos ha exhibido sus pinturas y dibujos en las principales ciudades. Sus piezas han sido publicadas en revistas, expuestas en exposiciones de arte y compradas para colecciones privadas. Edson recibió el encargo de proporcionar las obras de arte para las 500 habitaciones del Queen Mary Hotel en Long Beach, California. En febrero de 2020, recibió una medalla de oro en el histórico Grand Palais de París.

Especial mes de la Mujer: Cathleen Rehfeld

La obra de esta artista representa el paisaje que siempre me hubiese gustado realizar: Una mancha insinuante, colores limpios y bien contractados y una composición simple. No es necesario más y el resultado es convincente.

Paisaje es el nombre del dibujo de lugares que el estudio de la historia del arte da al género pictórico que representa escenas de la naturaleza, tales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques. Casi siempre se incluye el cielo (que recibe el nombre técnico de celaje), y las condiciones atmosféricas pueden ser un elemento importante de la composición. Además del paisaje natural, también se trata, como un género específico, el paisaje urbano. Tradicionalmente, el arte de paisajes plasma de forma realista algún paisaje real, pero puede haber otros tipos de paisajes, como los que se inspiran en los sueños (paisaje onírico, muy usado en el surrealismo). (W)

Según lo expresa la propia artista: "Lo que busco en mis pinturas es la alegría del hermoso paisaje y una sensación de lugar. Capturar la luz del día y las estaciones, paso mucho tiempo explorando y haciendo senderismo, siempre encontrando algo más que me interesa sobre la pintura. La energía de los trazos de pincel, las teorías del color, los contrastes entre líneas y formas, luz y oscuridad, o simplemente sentir "estar en un lugar" teniendo esa sensación de lugar, siempre hay algo sobre lo que hacer una declaración en mis pinturas.

Soy un ex directora de arte y Diseñador Gráfico para publicaciones y agencias de publicidad. También he tenido el privilegio de participar en muchas competiciones y exposiciones de pintura, ganando algunos premios en el camino. A lo largo de los años he estudiado con varios artistas y pintores destacados. Tengo un título en Bellas Artes de la Universidad de Texas en Austin, y asistí a la Academia de Arte Gage en Seattle, Washington.

También creé el evento de arte conocido a nivel local y nacional, "Competencia de Pintura al Aire Libre del Noroeste del Pacífico" en 2005 con la ayuda de muchas personas a lo largo del camino, ahora tiene su sede en el Museo de Arte Maryhill en Goldendale, Washington.

Constantemente me asombro por lo que veo aquí en el Gran Noroeste del Pacífico y quiero compartirlo contigo. Mis pinturas representan lo que encuentro hermoso e interesante en el mundo. Quiero llevar esa belleza a los entornos de otras personas y compartir la alegría y el optimismo que siento. Espero que puedas sentir la alegría y la energía en mi trabajo que siento al vivir y ser inspirado por un lugar tan hermoso".

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Alfredo Araujo Santoyo: escorzo y color

 

Alfredo Araujo Santoyo, además de ser un buen dibujante,  es un osado colorista. Sus escorzos son tan violentos como su audacia cromática. Y es en estos casos, cuando su arte alcanza el nivel más alto.

 Por Rubén Reveco, editor

Quedé gratamente impresionado cuando vi por primera la obra (sobre estas líneas) que seguí buscando en la red con el objeto de repetir la experiencia. Lo primero que destaco es su valentía en ofrecer un desnudo masculino -bellamente dibujado- en una postura tan poco convencional.

Son escorzos retorcidos pero complementado a su entorno. Salen desde el interior o se funden a la textura del fondo que chorrea sin ningún tipo de prejuicio. Como lo dice el propio artista: “la obra se basta a sí misma”.
A mi modesto entender, este es un artista de individualidades temáticas. Resuelve mejor cuando el modelo es uno solo y no grupal. En este caso, tiende a confundirse y a confundirnos como espectador.

Entrevista al pintor digital Gustavo Toniutti

 

El artista argentino Gustavo Toniutti explica en esta nota las diferencias entre el arte digital y el analógico. Además, señala la obra de su autoría preferida y menciona el cuadro que más le impactó. Y detalla por qué decidió dibujar a la musa perfecta.

Por Camila Reveco - diario Los Andes de Mendoza, Argentina

El artista digital Gustavo Fabián Toniutti (1966) vive en la ciudad de Córdoba, Argentina. Después de más de tres décadas dedicadas al oficio de dibujar, hace sólo 8 años dio un giro importante al conocer las ventajas y maravillas que ofrece el mundo digital.

Alternativas todas nuevas que permiten -a través de la tecnología- alterar tamaños, colores, perspectivas e imprimir todas las obras que se quiera y en distintas superficies o tamaños.

A Toniutti se le ocurrió inventar a una mujer que llamó Erika, “la que reina por siempre”. Erika es su  Musa inquietante, el estímulo que lo lleva a la creación y la  protagonista de toda su obra.

Ella representa el prototipo máximo de belleza:  curvas prominentes, “ojos y boca grande, labios carnosos”, como él mismo la describe.

Es una creación digital, -no existe-, o no existe al menos en ésta realidad, pero vive en la mente, en la vida interior, en los sueños más inconscientes y en el deseo infinito que tiene dentro suyo nuestra artista.

Lo cierto es que el arte digital y las nuevas tecnologías aplicadas a la estética han abierto una innumerable cantidad de debates nuevos -por ejemplo, la “pieza” única e irrepetible quedaría obsoleta-  y se discute porque lo que está aconteciendo en el terreno de lo visual es una verdadera revolución de alto impacto.

Lejos de establecer una rivalidad entre lo digital y lo “tradicional”, es necesario   destacar y distinguir la capacidad de oficio, la técnica y el talento de los que optaron por una computadora.

Como ejemplo está la obra de Toniutti que nos demuestra que el abanico de opciones que le brinda su programa de turno, sea Poser o Zbrush, resulta tan amplio e inagotable como  la paleta de cualquier pintor.

Especial mes de la Mujer: Kiéra Malone, de Francia con amor

Kiéra Malone es una pintora francesa que nos presenta una obra llena de sensibilidad y erotismo en partes iguales y que deja reflejado en retratos y desnudos. Pinturas al óleo, dibujos al carboncillo, pastel seco. Sus diferentes estilos se combinan en una conjunción perfecta que rodea todo su trabajo. Kiéra nos absorbe tanto con sus retratos de hombres y mujeres, como con sus pinturas étnicas o su fauna. Todo tiene cabida en la obra de esta artista que en ningún momento desentona con el conjunto. Una perfecta aplicación de técnica y color que hace que el espectador entre en ese mundo sensible que ella nos plantea (Enkil).

“El amor, la ternura, la inocencia, la bondad, la fragilidad… una sonrisa, una mirada, una lagrima… son mis fuentes de inspiración!… me alimento de cada expresión… sacando del corazón la eterna búsqueda del otro.” (Kiéra Malone)

Steve Hanks: El acuarelista perfecto

 

Steve Hanks nació en 1949 en San Francisco, fue considerado como uno de los mejores acuarelistas de Estados Unidos. Inicialmente sus obras fueron dibujos a lápiz y óleos pero una reacción alérgica a estos le obligó a experimentar con acuarelas.

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En 1992 la National Watercolor Society Merit Award and the National Academy of Western Art le concedió la Medalla de Oro.

Sus acuarelas parecen óleos, y con eso basta para destacar el dominio del oficio que alcanzó este artista.

Steve Hanks fue reconocido como uno de los mejores acuarelistas de la actualidad. El detalle, el color y el realismo de las pinturas de Steve Hanks son inauditos en este difícil medio. Una colcha estampada suavemente desgastada, el juego de luces sobre el fino velo de las olas en la arena o la delicada expresión de un niño: Steve Hanks capturó estos patrones de vida mejor que nadie.

Steve Hanks nació en una familia de militares en San Diego en 1949. Su padre fue un aviador de la Marina de la Segunda Guerra Mundial altamente condecorado. Hanks creció jugando tenis y surfeando en las playas del sur de California. 

La familia fue trasladada a Nuevo México cuando Steve era un estudiante de tercer año. Después de la secundaria asistió a la Academia de Bellas Artes de San Francisco, obteniendo excelentes calificaciones en arte comercial y dibujo de figuras. Se trasladó a la Facultad de Artes y Oficios de California, donde se graduó con una licenciatura en Bellas Artes.

Steve Hanks aceptó un trabajo como cuidador en un campamento de Campfire Girl cerca de Cuba, Nuevo México, en 1976. Durante los siguientes cuatro años y medio, Hanks experimentó con muchos medios: óleo, acuarela, lápiz y acrílico. “Si no hubiera dedicado tanto tiempo a perfeccionar mis habilidades de dibujo”, comentó, “no sería el pintor que soy hoy”. 

Hanks llamó a su estilo "realismo emocional". A menudo deja los rostros de sus figuras oscurecidos o vueltos, no sólo para dejar el rostro a la imaginación del espectador sino también para permitir que toda la figura exprese la emoción. La retroiluminación también es un elemento característico de su estilo. “La luz del sol se ha convertido en uno de mis temas favoritos. Me fascina cómo se filtra a través de las cosas, cómo inunda de color una habitación entera. A menudo mis pinturas tratan más sobre la luz del sol que cualquier otra cosa”.

Especial mes de la Mujer: La maternidad en el arte de Mary Cassatt

 

Casi la totalidad de su obra se centró en el retrato, la representación de la mujer, las niñas y la maternidad. A su manera, podríamos decir que fue la primera pintora feminista del siglo XIX.

Mary Stevenson Cassatt (1844-1926) fue una pintora y grabadora estadounidense. Aunque nacida en Estos Unidos, pasó gran parte de su vida adulta en Francia, donde forjó amistad con Edgar Degas y se incorporó al movimiento impresionista. Cassatt pintó, principalmente, imágenes representando la vida social y privada de las mujeres, con especial énfasis en los lazos entre ellas y sus hijos.

La artista fue descrita por Gustave Geffroy como una de "las tres grandes damas" del impresionismo junto a Marie Bracquemond y Berthe Morisot.

Cassatt nació en Allegheny City, Pensilvania, ahora Pittsburgh.​ Su padre, Robert Simpson Cassatt (más tarde solo Cassatt) era un exitoso agente de bolsa, descendiente del francés Jacques Cossart, que había llegado a Nueva Ámsterdam en 1662. Su madre, Katherine Kelso Johnston, provenía de una familia de banqueros. Katherine, una lectora educada, tuvo una gran influencia sobre su hija. Louisine Havemeyer, amiga de Mary, escribió en sus memorias: "Todo aquel que tuvo el privilegio de conocer a la madre de Mary Cassatt sabía de inmediato, que se trataba de ella y solo de ella (Mary) que había heredado su habilidad".​

Cassatt creció en un ambiente acomodado en el que se consideraban los viajes como parte integral de la educación; pasó cinco años en Europa y visitó importantes capitales como Londres, París y Berlín. Durante sus estancias en el extranjero aprendió alemán, francés y tuvo sus primeras lecciones de dibujo y música.​ Es probable que su primer contacto con los artistas franceses Ingres, Delacroix, Corot y Courbet fuera en la Exposición Universal de París de 1855. En la exposición estuvieron también Degas y Pissarro, quienes más tarde serían sus colegas y mentores.​

Aunque su familia se opuso a que se convirtiera en una artista profesional, Cassatt comenzó a estudiar pintura en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts a los 15 años. Parte de la preocupación de sus padres surgía de la constante exposición a ideas feministas, no comunes durante la época, y al comportamiento bohemio de algunos de sus compañeros varones. Aunque alrededor del 20% de los estudiantes eran mujeres, la mayoría miraba el arte como una habilidad social; solo algunas de ellas, como Cassatt, querían hacerlo su carrera.​ Continuó sus estudios desde 1861 hasta 1865, durante la Guerra Civil estadounidense.​ Entre sus compañeros de estudios se encontraba Thomas Eakins quien, más tarde, se convertiría en un controvertido director de la Academia.

Impaciente con la lentitud en el aprendizaje y con la actitud condescendiente de los hombres en la Academia, decidió estudiar por su cuenta. Más tarde Cassatt aseguraría que "la enseñanza no existía" en la Academia. Las estudiantes tenían prohibido utilizar modelos vivos (hasta un poco más tarde) por lo que su formación principal se basaba, principalmente, en moldes.​

Autorretrato, hacia 1880, gouache, acuarela y lápiz sobre papel, 32,7 x 24,6 cm, Washington, National Portrait Gallery.