Anita Arbidane

Una perfecta aleación de contemporaneidad y clasicismo.

Dotada de un sentido del humor envidiable, Anita Arbidane (Letonia, 1983) reconvierte las provocadoras temáticas de sus pinturas en ocurrentes situaciones con el ingenio que la caracteriza. Fusiona, con un punto irónico, la belleza y lo grotesco, al tiempo que combina personajes clásicos, situaciones de reminiscencia clásicas con una estética contemporánea, los mezcla de tal forma que traspasa los límites de cada época.

Delicadas y mordaces escenas de sofisticados personajes, manos perfectamente colocadas que solo encontraremos en las más refinadas élites realizando actos tan cotidianos como comer o darse un baño. Protagonistas con los que el espectador puede relacionarse y, al mismo tiempo, resolver la intriga que parece esconderse en cada escena.

Una pintura realista impregnada de miradas comprometedoras, protagonistas que no dejan indiferente al espectador, siempre trasmitiendo un poco de sí mismas, siempre descubriéndose, solo en parte, ante el observador. (Fuente)

Agostino Arrivabene, surrealismo del siglo XXI

No puedo dejar de asociar a este pintor con el surrealista alemán Max Ernst. Es oscuro y enigmático. Tiene una prolífera obra según lo podemos constatar en su página web.

Nacido en 1967 en Rivolta d’Adda, Cremona. Se graduó en la academia de Bellas Artes de Milán, pero su verdadera formación llega con la observación directa de los antiguos maestros y sus obras, estudió en muchos museos de Europa y del mundo, buscando una forma de fusionar la poética del pasado y la búsqueda de belleza con la realidad contradictoria de la actualidad.

Su investigación artística se desarrolla bajo la guía de maestros antiguos, en particular Leonardo, Durer, Van Eyck y todos los primeros flamencos y Rembrandt.

En su recorrido personal antimoderno, Agostino descubre por sí mismo las técnicas tradicionales de pintura, llegando a la preparación artesanal de los colores en una investigación continua de los medios antiguos utilizados en la pintura en los siglos pasados.

Sus obras se caracterizan por una fuerte carga visionaria con preferencia por el lenguaje simbólico y están elaboradas con materiales preciosos que ya no se utilizan en la actualidad, todos hechos a mano por el propio artista. (Fuente)

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MÉXICO: 10 pintores realistas

El periodismo cultural también puede ser periodismo de investigación e investigar es un trabajo arduo. Hoy comenzamos en México con una serie que nos llevará a conocer cuáles son los 10 pintores de la "gran familia realista" más importantes nacidos en ese suelo patrio. (No es necesario que estén radicados en su país de origen, pero sí que aun conserven su nacionalidad y estén vivos). 
Después de un tiempo, he logrado seleccionar a estos diez, lo que de ninguna manera son los únicos y definitivos mejores pintores figurativos, realistas, surrealistas o hiperrealistas de México.

Por Rubén Reveco. Editor

1) Alfredo Rodríguez

Alfredo Rodríguez, es un pintor mexicano radicado en California, Estados Unidos. Un artista que representa la vida de los pueblos originarios de América del Norte con un nivel de maestría excepcional.

El dominio de la técnica, la capacidad compositiva y el nivel de expresión en los detalles son evidentes en la pintura de Alfredo Rodríguez (1951).

El artista mexicano, radicado en California desde 1979, apostó desde el inicio de su carrera por temáticas costumbristas y así reivindica la historia y la cultura de los pueblos de América del Norte, producto de un trabajo casi antropológico.

Rodríguez se inserta en las reservas indígenas para poder luego representar, con una gran carga emotiva, la cotidianidad, la forma de vida de los tramperos, jefes indios, mujeres y niños en su lugar natural, entre montañas y desiertos.

Recrea un escenario y entorno aún vigente y, a su vez, su pintura tiene una fuerte impronta de testimonio histórico.

Forma parte, junto a otros artistas de notable capacidad como Howard Terpning, Tim Gilleom o Karen Nolan, de una gran escuela de pintura étnica norteamericana.

El prestigio y posicionamiento que ha logrado Rodríguez reivindica el trabajo de todos aquellos que, a través del oficio, siguen apostando por el realismo, una forma de hacer arte que sirve como testimonio y da cuenta de su tiempo. En un estilo que, lejos de desaparecer, ha sabido mantenerse y revitalizarse. (FUENTE)

Alexander Sheversky: El desnudo del día y otras pinturas y dibujos

 

Hay excepciones es la obra de ciertos artistas y -muchas veces- son esas excepciones las que nos gustan. Como podrás ver en este enlace, la temática de Sheversky nos recuerda a Edgar Degas; casi rococó por el color, el uso excesivo de las cortinas y paños que parecen tan importantes como las bailarinas.

Y de improviso aparece este desnudo: No sólo nos fascina mirar lo bello, sino que lo bello también se fascina ante su propia belleza. El tema de la mujer (preferentemente) ante el espejo en algo recurrente en la historia del arte.

En el vasto panorama del arte, existen excepciones que destacan y cautivan nuestra atención de manera inesperada. En ocasiones, son precisamente estas excepciones las que nos enamoran y nos invitan a reflexionar sobre la diversidad y la riqueza de la creatividad humana. Un ejemplo elocuente de esta singularidad artística se manifiesta en la obra de ciertos artistas, donde la temática y el estilo rompen con lo convencional para sumergirnos en un universo estético único y fascinante.

Al explorar la obra de Sheversky, nos encontramos con una evocación sutil a la sensibilidad artística de Edgar Degas, cuya influencia se vislumbra a través de una paleta cromática.

Sin embargo, en medio de esta exuberancia visual, emerge de manera inesperada la figura del desnudo. En este punto, nuestra percepción estética se ve desafiada y enriquecida, pues no solo nos deleitamos contemplando la belleza plasmada en la obra, sino que también somos testigos de cómo la propia belleza se contempla a sí misma con fascinación. El desnudo, como tema recurrente en la historia del arte, adquiere en la obra de Sheversky una dimensión especial, invitándonos a reflexionar sobre la relación entre la representación de la figura humana y la exploración de la identidad, la intimidad y la vulnerabilidad.

La presencia de la mujer, preferentemente ante el espejo, nos sumerge en un diálogo íntimo y profundo con la propia imagen, donde se entrelazan la reflexión sobre la vanidad, la autoconciencia y la búsqueda de la identidad. A través de esta representación, Sheversky nos invita a explorar la complejidad de la feminidad, revelando capas de significado que van más allá de lo puramente visual y nos adentran en un universo emocional y simbólico de gran profundidad.

En realidad me gustan mucho más sus dibujos.

Corrie Chiswel: El desnudo del día y otras pinturas

 

Corrie Chiswel nació en Edimburgo, Escocia en 1963. Su familia es originaria de las islas occidentales, pero pasó la mayor parte de sus primeros años en la frontera escocesa y tierras altas centrales. Estudió arte en Fettes College.

En esta pintura me llama la atención el rectángulo negro de fondo que también podría interpretarse como un espacio abierto. Espacio que no compite para nada con el bello desnudo y no le resta protagonismo; al contrario...

"La Anunciación", de Dante Gabriel Rossetti

Ecce ancilla Domini (La Anunciación), 1849-1850, Dante Gabriel Rossetti.

Si bien Dante Gabriel Rossetti es un buen artista y el fundador de los Prerrafaelistas, su obra no tiene el vuelo de la pintura de Edward Burne Jones ni de la variedad productiva de John Evertt Millais. Aun así, nos ha dejado hermosas y sugerentes pinturas. Su obra más conocida es "La Anunciación".

(Londres, 1828 - Birchington-on-Sea, Reino Unido, 1882) Fue hijo de un patriota y poeta italiano exiliado en Londres, creció en un ambiente modesto pero de gran nivel cultural. Dudó entre dedicarse a la poesía o a la pintura, optando por esta última, aconsejado por un crítico que le aseguró que llegaría a enriquecerse. En 1848 fundó la Hermandad Prerrafaelista. Murió a los 53 años.

Dante Gabriel Rossetti fue el prototipo de artista romántico y contemporáneo, sus hermanos fueron también personalidades destacadas: William Michael era crítico y cronista de la hermandad prerrafaelita y Christina, célebre poetisa y escritora.

La vida de Rossetti fue agitada, con intensos romances que bordearon lo trágico. El principal fue el que mantuvo con su mujer y musa Elizabeth Siddal, también poeta, a la que retrató como prototipo de mujer fatal. Ella murió debido al consumo excesivo de láudano (opio y alcohol mezclados, usados como tranquilizante) tras dar a luz a un hijo muerto. El fallecimiento de Elizabeth supuso para el artista una catástrofe; llegó a enterrar sus poemas en la tumba. Pero al cabo de unos años regresó y “profanó” el enterramiento para recuperarlos. También vivió un romance bastante convulso con Jean Morris, la esposa del crítico William Morris.

Ecce ancilla Domini (detalle de la Virgen)

El nuevo arte religioso

Rossetti creó una nueva dimensión sentimental en la iconografía religiosa. Ofrece una visión intimista de la Virgen en una escena familiar, una aproximación de la religión a la vida cotidiana. Las figuras se disponen en primer plano y la perspectiva se aplana, pero introduce una apertura al paisaje, como los primitivos flamencos.

He aquí la esclava del Señor (Anunciación), 1849-1850. Remite a los frescos de los primitivos italianos. El enlucido blanco en bóveda y paredes crea una luminosidad extraña. Plantea un tema común de forma exótica: la Virgen no está en oración o labor, sino que es una adolescente recostada en su cama, intimidada y acongojada por el ángel, y no al revés, como era tradicional. Aquí el clima psicológico es muy distinto al habitual.

La cortina es azul celeste, tono asociado a la Virgen, y esas pocas notas de color aportan a la obra un aire exótico y misterioso. (Fuente)

Otra lectura

"Los colores predominantes de la obra son el blanco, el rojo y el azul. Si os fijáis en cualquier cuadro antiguo, comprobaréis que son los colores con los que siempre va vestida la Virgen María. Rossetti mantiene estos tres colores, repartiéndolos por todo el lienzo, pero viste a la joven con un liviano camisón blanco (lo de pintar a la Virgen en paños menores se consideró casi un sacrilegio). En las anunciaciones tradicionales, cuando el arcángel Gabriel sorprende a la Virgen, ésta suele estar rezando o leyendo (un libro sagrado, no una novela), dos labores que ennoblecen su alma y la preparan para el embarazo místico. Sin embargo, la Virgen de Rossetti no estaba haciendo ninguna de estas dos cosas, sino durmiendo, algo más propio de vagos y ociosos que de una santa mujer. Se incorpora en la cama medio aturdida. Está visiblemente confusa y turbada, no se atreve a levantar la mirada y se aparta asustada hacia la pared (nada que ver con el gesto de aceptación de las vírgenes tradicionales).

Tampoco procede que el ángel esté tan estupendo. Es demasiado masculino, enseña demasiada pierna y ni siquiera tiene alas (los únicos elementos sobrenaturales son el halo y las llamas que salen de sus pies desnudos). La vara de lirios es otro de los elementos tradicionales de la anunciación y hace referencia a la pureza de María. En el cuadro de Rossetti, se convierte en un elemento fálico con el que el ángel apunta hacia el vientre de la chica, dando a entender que va a ser fecundada (aprovechando que aún no se ha levantado de la cama). Es una escena demasiado íntima, el ambiente es claustrofóbico y provoca una sensación incómoda en el espectador. Desde luego, no da la impresión de que a esta inocente joven la vayan a embarazar por obra y gracia del Espíritu Santo…

Los modelos que posaron para el cuadro fueron la hermana del pintor, la famosa poetisa Christina Rossetti, y su hermano William Michael Rossetti, también escritor (y al que no me importaría haber conocido)." (Fuente)

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Web - YouTube

Los exquisitos desnudos de Dmitry Kochetkov

Los rusos -en vez de estar bombardeando países- deberían dedicarse más al arte ya que lo hacen muy bien. Existen miles de artistas herederos del realismo soviético pero sin esa carga ideológica que esclaviza al arte. Dmitry Kochetkov es un buen exponente de ello.

El pintor ruso Dmitry Kochetkov es reconocido por su habilidad para capturar la belleza y la sensualidad a través de sus exquisitos desnudos. Sus obras muestran una combinación única de técnica y expresión artística, que han cautivado a críticos y amantes del arte por igual.

Kochetkov logra transmitir una sensación de intimidad y vulnerabilidad en sus pinturas, utilizando colores vibrantes y pinceladas precisas para resaltar la forma y la textura de la piel. Sus modelos parecen cobrar vida en el lienzo, con una naturalidad y una elegancia que reflejan la maestría del artista.

Los desnudos de Kochetkov no solo son visualmente impactantes, sino que también invitan a la reflexión sobre la belleza del cuerpo humano y la conexión entre el arte y la sensualidad. A través de sus obras, el pintor ruso nos recuerda la importancia de apreciar y celebrar la diversidad y la individualidad en todas sus formas.

Un desnudo de Jaroslaw Kukowski y otras pinturas

No es primera vez que publico una obra de este pintor polaco. Esta pintura especialmente (¿Las tres Gracias?) tiene esa moderada fantasía, mezcla de arte clásico y surrealismo. Si vemos el conjunto de su obra, quizá encontremos que ha surcado por tantos caminos como tantos senderos tiene la imaginación. Esto me resulta lo más atrayente.

Jarosław Kukowski (nacido el 11 de abril de 1972 en Tczew) pintor contemporáneo polaco que trata temas morales y sociales de manera controvertida. La mayoría de las pinturas de Kukowski fueron catalogadas en los álbumes publicados por las casas de subastas, galerías y editoriales.

En la primera etapa de su carrera artística el clima de sus obras, consideradas simbólicas, se llena de dramatismo y tristeza. Llenas de dolor, figuras humanas deformes junto con criaturas místicas se representan sobre el fondo de paisajes surrealistas. Esta serie de obras fue definida como Udreams por su autor. Durante otro período, Kukowski iluminó definitivamente su paleta; el artista se interesó por los desnudos, sin embargo, incluso aquí un espectador puede percibir la marca de la desintegración y el paso del tiempo. Estas obras fueron pintadas en forma de frescos destruidos por el tiempo y revelando otras imágenes que parecían haber sido pintadas detrás de ellas. En otra etapa de su carrera artística, Kukowski volvió a sus primeros trabajos, pero a pesar de un color más claro, sus obras se volvieron cada vez más irónicas y provocativas. En 2001, algunas de las obras de Kukowski fueron retiradas de la exposición en The Gallery SD debido al resentimiento de la audiencia.

Web

 Jaroslaw Kukowski

Más obras:

Las grandes huertas de Xue Zhiguo

 

Si a usted le gusta el arte y quiere ser un pintor realista (y un buen pintor realista) le advierto que su personalidad poco a poco puede sufrir ciertas y extrañas patologías.

Estos son artistas que en el ánimo de procurar la perfección no descansan hasta conseguir lo que se han propuesto y, en este afán, pueden quedar retazos de salud resentidas. Por lo general los pintores realistas son obsesivos y su quehacer más que un relax placentero se convierte en un sufrimiento.

Por Rubén Reveco, editor

Sin embargo, no me atrevo a afirmar (aunque lo parezca) que este sea el caso de Xue Zhiguo. Nuestro artista chino de hoy nació en la  provincia de Shandong, en 1957. Se graduó en el departamento de pintura al óleo en Luxun Academia de Bellas Artes en 1983. Es miembro de la Asociación de Artistas de China, vicepresidente de la Asociación de Artistas de Heilongjiang y director de la pintura al óleo de Arte Comité. Fue editor de arte del Diario de Heilongjiang en 1983 y fue transferido a la Asociación de Arte de Heilongjiang en 1992. Él es el director del estudio creativo en el Salón de Arte de Heilongjiang.