Especial mes de la Mujer: Arantzazu Martínez, belleza cinematográfica

Arantzazu Martínez estudia Bellas Artes en la Universidad del País Vasco, trasladándose posteriormente a Nueva York para estudiar en The New York Ademy of Art. Entra a formar parte del Water Street Atelier donde conoce a Jacob Collins y permanece bajo su instrucción hasta el año 2005, periodo en el cual adquiere su formación según los métodos tradicionales académicos de la pintura del Siglo XIX.

Su pintura está caracterizada por el realismo y simbolismo de sus figuras. Actualmente algunas de sus obras se encuentran en la colección del Museo Europeo de Arte Moderno (MEAM) en Barcelona. 

Web de la artista

Especial mes de la Mujer: Mujeres pintoras (Las de antes y las de ahora)

 

Ilustración de Norman Rockwell

¿Por qué esta publicación? Porque estamos visibilizando y completando esa historia del arte escrita por hombres que le negó presencia en los libros a grandes creadoras. Como este es un blog dedicado, más que nada, a las artes, hemos buscado en nuestro archivo algunos artículos que intentan desentrañar el complejo entramado de una marginalidad que ya es histórica.

Agradecemos a todas las amigas de facebook que ante una convocatoria nos han acercado una fotografía en plena labor creativa. De a poco iremos completando el largo listado. Gracias a todas.

La mujer y el arte

Las pintoras y escultoras han sido sistemáticamente presentadas en los manuales de historia del arte de una forma marginal lo que podría hacernos pensar que apenas habían existido, mientras que como objeto eran ampliamente representadas en cuadros, esculturas y demás manifestaciones artísticas de todos los tiempos.

Lo cierto es que sí ha habido grandes artistas pero no han sido reconocidas como tales ni valoradas por la posteridad. Muchas pinturas realizadas por mujeres fueron inicialmente atribuidas a varones, lo que indicaría que no hay diferencias objetivas entre el arte realizado por mujeres o por hombres, pero cuando se verifica que la autora es una mujer, baja mucho el valor económico y simbólico de la obra. Vamos por ello a realizar un breve recorrido por la historia del arte constatando así su presencia y los obstáculos a los que tuvieron que enfrentarse y superar para poder dedicarse a aquello que verdaderamente deseaban.

Edson Campos: El desnudo de hoy (y otras pinturas)

 

Esta pintura de Edson Campos ya la había elegido como una de las más hermosas del realismo contemporáneo. Se llama "Concierto" y es uno de los desnudos más sugerentes que le he visto a este artista brasileño. Un golpe de luz cae sobre la cadera y el paño -único resabio de la pintura clásica de antaño- envuelve el cuerpo desnudo de la modelo. Ella está sentada en la punta de un banco y el juego de luces y sombras contrasta con la simpleza arquitectónica. El color es perfecto.

Originario de Río de Janeiro, Brasil, Edson Campos disfrutó dibujando y pintando desde pequeño. Se mudó a los Estados Unidos en 1978 y rápidamente fue reconocido por su producción artística.

Edson Campos ha exhibido sus pinturas y dibujos en las principales ciudades. Sus piezas han sido publicadas en revistas, expuestas en exposiciones de arte y compradas para colecciones privadas. Edson recibió el encargo de proporcionar las obras de arte para las 500 habitaciones del Queen Mary Hotel en Long Beach, California. En febrero de 2020, recibió una medalla de oro en el histórico Grand Palais de París.

Especial mes de la Mujer: Cathleen Rehfeld

La obra de esta artista representa el paisaje que siempre me hubiese gustado realizar: Una mancha insinuante, colores limpios y bien contractados y una composición simple. No es necesario más y el resultado es convincente.

Paisaje es el nombre del dibujo de lugares que el estudio de la historia del arte da al género pictórico que representa escenas de la naturaleza, tales como montañas, valles, árboles, ríos y bosques. Casi siempre se incluye el cielo (que recibe el nombre técnico de celaje), y las condiciones atmosféricas pueden ser un elemento importante de la composición. Además del paisaje natural, también se trata, como un género específico, el paisaje urbano. Tradicionalmente, el arte de paisajes plasma de forma realista algún paisaje real, pero puede haber otros tipos de paisajes, como los que se inspiran en los sueños (paisaje onírico, muy usado en el surrealismo). (W)

Según lo expresa la propia artista: "Lo que busco en mis pinturas es la alegría del hermoso paisaje y una sensación de lugar. Capturar la luz del día y las estaciones, paso mucho tiempo explorando y haciendo senderismo, siempre encontrando algo más que me interesa sobre la pintura. La energía de los trazos de pincel, las teorías del color, los contrastes entre líneas y formas, luz y oscuridad, o simplemente sentir "estar en un lugar" teniendo esa sensación de lugar, siempre hay algo sobre lo que hacer una declaración en mis pinturas.

Soy un ex directora de arte y Diseñador Gráfico para publicaciones y agencias de publicidad. También he tenido el privilegio de participar en muchas competiciones y exposiciones de pintura, ganando algunos premios en el camino. A lo largo de los años he estudiado con varios artistas y pintores destacados. Tengo un título en Bellas Artes de la Universidad de Texas en Austin, y asistí a la Academia de Arte Gage en Seattle, Washington.

También creé el evento de arte conocido a nivel local y nacional, "Competencia de Pintura al Aire Libre del Noroeste del Pacífico" en 2005 con la ayuda de muchas personas a lo largo del camino, ahora tiene su sede en el Museo de Arte Maryhill en Goldendale, Washington.

Constantemente me asombro por lo que veo aquí en el Gran Noroeste del Pacífico y quiero compartirlo contigo. Mis pinturas representan lo que encuentro hermoso e interesante en el mundo. Quiero llevar esa belleza a los entornos de otras personas y compartir la alegría y el optimismo que siento. Espero que puedas sentir la alegría y la energía en mi trabajo que siento al vivir y ser inspirado por un lugar tan hermoso".

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Especial mes de la Mujer: Zoë Mozert

Zoë Mozert (27 de abril de 1907-1 de febrero de 1993) fue una ilustradora estadounidense de pin-up más famosas del siglo XX. Si bien también pintó desnudos femeninos, predomina en su obra un perfil de modelos en una actitud de diáfana alegría.

En 1925 Mozert ingresó en la Escuela de Arte Industrial de Filadelfia donde estudió con Thornton Oakley, exalumno de Howard Pyle. Ella pintó cientos de portadas de revistas y carteles de películas durante su carrera. Mozert con frecuencia era su propia modelo, y recurría al uso de cámaras o espejos para capturar su pose. Sus pinturas son mejor conocidas por su estilo en colores pastel y la representación realista y natural de las mujeres, con una sensualidad alegre.

Durante la guerra, su serie de pin-ups Muchachas de victoria fue publicada tanto en calendario como en tarjetas mutoscopio (que se vendían en máquinas expendedoras colocadas en lugares como parques de atracciones). En 1946 Mozert creó el cartel publicitario para el film de Republic Pictures Chica de calendario, una película sobre una Gibson girl. Ese mismo año, pintó las pin-ups para la comedia protagonizada por Errol Flynn "Nunca decir adiós", (ella también dibujó las ilustraciones que aparecen en los créditos de apertura de la película). En 1950 Mozert se había convertido en una de los "cuatro grandes ", junto con Rolf Armstrong, Earl Moran y Gil Elvgren, siendo la primera ilustradora pin-up importante en un mundo entonces copado por artistas varones.

Algunas de las obras más famosas de Mozert incluyen el cartel de la película de Paramount Pictures True Confession (1937) protagonizada por Carole Lombard, el cartel de la película de Howard Hughes El fuera de la ley (The Outlaw, 1943) con Jane Russell, y su imagen más popular, para Canción del Desierto (1950).

Entrevista al pintor digital Gustavo Toniutti

 

El artista argentino Gustavo Toniutti explica en esta nota las diferencias entre el arte digital y el analógico. Además, señala la obra de su autoría preferida y menciona el cuadro que más le impactó. Y detalla por qué decidió dibujar a la musa perfecta.

Por Camila Reveco - diario Los Andes de Mendoza, Argentina

El artista digital Gustavo Fabián Toniutti (1966) vive en la ciudad de Córdoba, Argentina. Después de más de tres décadas dedicadas al oficio de dibujar, hace sólo 8 años dio un giro importante al conocer las ventajas y maravillas que ofrece el mundo digital.

Alternativas todas nuevas que permiten -a través de la tecnología- alterar tamaños, colores, perspectivas e imprimir todas las obras que se quiera y en distintas superficies o tamaños.

A Toniutti se le ocurrió inventar a una mujer que llamó Erika, “la que reina por siempre”. Erika es su  Musa inquietante, el estímulo que lo lleva a la creación y la  protagonista de toda su obra.

Ella representa el prototipo máximo de belleza:  curvas prominentes, “ojos y boca grande, labios carnosos”, como él mismo la describe.

Es una creación digital, -no existe-, o no existe al menos en ésta realidad, pero vive en la mente, en la vida interior, en los sueños más inconscientes y en el deseo infinito que tiene dentro suyo nuestra artista.

Lo cierto es que el arte digital y las nuevas tecnologías aplicadas a la estética han abierto una innumerable cantidad de debates nuevos -por ejemplo, la “pieza” única e irrepetible quedaría obsoleta-  y se discute porque lo que está aconteciendo en el terreno de lo visual es una verdadera revolución de alto impacto.

Lejos de establecer una rivalidad entre lo digital y lo “tradicional”, es necesario   destacar y distinguir la capacidad de oficio, la técnica y el talento de los que optaron por una computadora.

Como ejemplo está la obra de Toniutti que nos demuestra que el abanico de opciones que le brinda su programa de turno, sea Poser o Zbrush, resulta tan amplio e inagotable como  la paleta de cualquier pintor.

Especial mes de la Mujer: Kiéra Malone, de Francia con amor

Kiéra Malone es una pintora francesa que nos presenta una obra llena de sensibilidad y erotismo en partes iguales y que deja reflejado en retratos y desnudos. Pinturas al óleo, dibujos al carboncillo, pastel seco. Sus diferentes estilos se combinan en una conjunción perfecta que rodea todo su trabajo. Kiéra nos absorbe tanto con sus retratos de hombres y mujeres, como con sus pinturas étnicas o su fauna. Todo tiene cabida en la obra de esta artista que en ningún momento desentona con el conjunto. Una perfecta aplicación de técnica y color que hace que el espectador entre en ese mundo sensible que ella nos plantea (Enkil).

“El amor, la ternura, la inocencia, la bondad, la fragilidad… una sonrisa, una mirada, una lagrima… son mis fuentes de inspiración!… me alimento de cada expresión… sacando del corazón la eterna búsqueda del otro.” (Kiéra Malone)

Steve Hanks: El acuarelista perfecto

 

Steve Hanks nació en 1949 en San Francisco, fue considerado como uno de los mejores acuarelistas de Estados Unidos. Inicialmente sus obras fueron dibujos a lápiz y óleos pero una reacción alérgica a estos le obligó a experimentar con acuarelas.

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En 1992 la National Watercolor Society Merit Award and the National Academy of Western Art le concedió la Medalla de Oro.

Sus acuarelas parecen óleos, y con eso basta para destacar el dominio del oficio que alcanzó este artista.

Steve Hanks fue reconocido como uno de los mejores acuarelistas de la actualidad. El detalle, el color y el realismo de las pinturas de Steve Hanks son inauditos en este difícil medio. Una colcha estampada suavemente desgastada, el juego de luces sobre el fino velo de las olas en la arena o la delicada expresión de un niño: Steve Hanks capturó estos patrones de vida mejor que nadie.

Steve Hanks nació en una familia de militares en San Diego en 1949. Su padre fue un aviador de la Marina de la Segunda Guerra Mundial altamente condecorado. Hanks creció jugando tenis y surfeando en las playas del sur de California. 

La familia fue trasladada a Nuevo México cuando Steve era un estudiante de tercer año. Después de la secundaria asistió a la Academia de Bellas Artes de San Francisco, obteniendo excelentes calificaciones en arte comercial y dibujo de figuras. Se trasladó a la Facultad de Artes y Oficios de California, donde se graduó con una licenciatura en Bellas Artes.

Steve Hanks aceptó un trabajo como cuidador en un campamento de Campfire Girl cerca de Cuba, Nuevo México, en 1976. Durante los siguientes cuatro años y medio, Hanks experimentó con muchos medios: óleo, acuarela, lápiz y acrílico. “Si no hubiera dedicado tanto tiempo a perfeccionar mis habilidades de dibujo”, comentó, “no sería el pintor que soy hoy”. 

Hanks llamó a su estilo "realismo emocional". A menudo deja los rostros de sus figuras oscurecidos o vueltos, no sólo para dejar el rostro a la imaginación del espectador sino también para permitir que toda la figura exprese la emoción. La retroiluminación también es un elemento característico de su estilo. “La luz del sol se ha convertido en uno de mis temas favoritos. Me fascina cómo se filtra a través de las cosas, cómo inunda de color una habitación entera. A menudo mis pinturas tratan más sobre la luz del sol que cualquier otra cosa”.