Lo insólito en el arte

El mundo del arte está lleno de situaciones insólitas y excéntricas que desafían las normas establecidas. Desde artistas que utilizan materiales poco convencionales hasta obras que desafían la percepción tradicional de la belleza, la creatividad en este ámbito no conoce límites. Estas situaciones excéntricas no solo despiertan la curiosidad del público, sino que también desafían nuestra manera de ver el mundo y nos invitan a reflexionar sobre la naturaleza del arte y su impacto en la sociedad.

En 1820, cerca de Paleo Castro, la principal población de la isla de Milo (la antigua Melos de los griegos), en el archipiélago de las Cíclades, vivía un campesino llamado Yourgos. Un día, mientras trabajaba su tierra, encontró una estatua de mármol en dos piezas que representaba a la diosa Afrodita (Venus). Admirado de su belleza, la conservó en su casa durante algún tiempo, rechazando cuantas ofertas y reclamaciones recibía, basta que sus conciudadanos decidieron regalársela al Príncipe turco Morousi, que gobernaba por entonces la isla en representación del pachá otomano. Según algunos relatos contemporáneos, en el mismo instante en que los ciudadanos de Milo iban a embarcada con destino al palacio del príncipe, los componentes de una expedición francesa que durante mucho tiempo había intentado comprar la bella estatua, sorprendieron la maniobra, entablándose entre ambos grupos una batalla campal por la posesión de la ya conocida como Venus de Milo. Algunos relatos no totalmente comprobados añaden que, en el curso de la trifulca, la estatua se golpeó contra el suelo del embarcadero, rompiéndose los dos brazos. Finalmente, los franceses, más numerosos o más aguerridos, se hicieron con el trofeo, escapando del lugar y abandonando por olvido o precipitación los brazos en la playa. Según este mismo relato, estos brazos fueron recogidos por los turcos y permanecen enterrados en paradero desconocido hasta la fecha.

Charles Atlas: El hombre “con el mejor físico del mundo”

Charles Atlas murió el 23 de diciembre de 1972.

La vida de Charles Atlas: de sufrir bullying a convertirse en el hombre “con el mejor físico del mundo”.

Desde muy pequeño decidió entrenar para protegerse. Como el gimnasio no daba resultados, inventó su propio método, a principios del siglo XX. Se volvió multimillonario vendiendo sus cursos en todo el mundo. A 50 años de su muerte, un repaso por la vida de un ícono del fisicoculturismo.

FUENTE:

Charles Atlas es un emblema del fisicoculturismo.

Un niño desgarbado va con miedo al colegio. Sabe que una vez más sus compañeros van a hacerle bullying, amenazarlo, sacarle la comida. Hasta ahí, el argumento de casi cualquier película de héroes de Hollywood.

El niño se llama Angelo Siciliano, nació el 30 de octubre de 1893 en Acri, Italia, y vive desde los 11 años en Brooklyn, New York. Llegó a Estados Unidos acompañado solo por la costurera de su familia. Vive en una casa pobre que sueña con sacar a flote. Nada indica que vaya a lograrlo. Hasta que una noche de otoño de pronto sucede algo.

Angelo sale a caminar por Brooklyn y se cruza con un chico que lo insulta primero y que le da una golpiza después. Su debilidad se vuelve, entonces, una cosa real en el mundo. Es el principio del siglo XX en Estados Unidos y es difícil para un chico darse cuenta de que el problema estaba en los otros y no en él. Decide entonces dar un vuelco, dejar de ser lo que es para convertirse en algo más fuerte.

MÉXICO: 10 pintores realistas

El periodismo cultural también puede ser periodismo de investigación e investigar es un trabajo arduo. Hoy comenzamos en México con una serie que nos llevará a conocer cuáles son los 10 pintores de la "gran familia realista" más importantes nacidos en ese suelo patrio. (No es necesario que estén radicados en su país de origen, pero sí que aun conserven su nacionalidad y estén vivos). 
Después de un tiempo, he logrado seleccionar a estos diez, lo que de ninguna manera son los únicos y definitivos mejores pintores figurativos, realistas, surrealistas o hiperrealistas de México.

Por Rubén Reveco. Editor

1) Alfredo Rodríguez

Alfredo Rodríguez, es un pintor mexicano radicado en California, Estados Unidos. Un artista que representa la vida de los pueblos originarios de América del Norte con un nivel de maestría excepcional.

El dominio de la técnica, la capacidad compositiva y el nivel de expresión en los detalles son evidentes en la pintura de Alfredo Rodríguez (1951).

El artista mexicano, radicado en California desde 1979, apostó desde el inicio de su carrera por temáticas costumbristas y así reivindica la historia y la cultura de los pueblos de América del Norte, producto de un trabajo casi antropológico.

Rodríguez se inserta en las reservas indígenas para poder luego representar, con una gran carga emotiva, la cotidianidad, la forma de vida de los tramperos, jefes indios, mujeres y niños en su lugar natural, entre montañas y desiertos.

Recrea un escenario y entorno aún vigente y, a su vez, su pintura tiene una fuerte impronta de testimonio histórico.

Forma parte, junto a otros artistas de notable capacidad como Howard Terpning, Tim Gilleom o Karen Nolan, de una gran escuela de pintura étnica norteamericana.

El prestigio y posicionamiento que ha logrado Rodríguez reivindica el trabajo de todos aquellos que, a través del oficio, siguen apostando por el realismo, una forma de hacer arte que sirve como testimonio y da cuenta de su tiempo. En un estilo que, lejos de desaparecer, ha sabido mantenerse y revitalizarse. (FUENTE)

La verdad de Conan, un héroe desconocido que conquistó el mundo

"El personaje de los cómics y el cine es una caricatura del literario", apunta Manuel Mata, traductor de la nueva edición con la que la editorial Minotauro recupera los relatos originales escritos por Robert E. Howard en los años '30.

FUENTE

Al igual que bastantes millennials descubrieron El señor de los anillos a través de las películas de Peter Jackson, muchos de sus hermanos mayores de la generación X encontraron a un tal Conan encarnado en Arnold Schwarzenegger. Y buen número de unos y otros no pasaron de ahí -lamentablemente para ellos-. Poco hace falta exponer para defender la excelencia de la obra literaria de J. R. R. Tolkien, auténtica biblia del género fantástico. Pero menos popular, quizá, es el trasfondo original del héroe nacido en Cimmeria y en la imaginación de Robert E. Howard; de sobra conocido, eso sí, por los devotos de los cómics, los juegos de rol y otros reductos culturales donde la espada y la brujería expanden su dominio sin complejos.

"El Conan de los cómics y el del cine es, hasta cierto punto, una caricatura del literario. Todo el que sienta interés por el cimmerio debe ir a la fuente de la que deriva todo lo demás: los relatos originales escritos por Howard en la primera mitad de los años 30", expone Manuel Mata Álvarez-Santullano, traductor experto en literatura fantástica y responsable de los textos de la nueva edición con la que la editorial Minotauro (Planeta) recupera en España las historias primigenias del héroe de la Era Hiboria. "Se encontrarán con algo que puede que les sorprenda, pero que no les decepcionará en absoluto", garantiza a EL MUNDO.

Nueve curiosidades sobre la Novena Sinfonía (200 años)

Hoy celebramos los 200 años de la obra musical más impresionante que ha creado un artista. El 7 de mayo de 1824, fue la primera audición de la Novena Sinfonía de Ludwig van Beethoven.

Texto de Martín Susnik, vía Aleteia.

Un día como hoy, 7 de mayo, pero de 1824 Ludwig Van Beethoven estrenaba su célebre Novena Sinfonía en re menor op. 125, una de las obras más emblemáticas no sólo del compositor sino de toda la historia de la música occidental.

Además, el 9 de este mes la Unión Europea celebra el “Día de Europa” en recuerdo de la denominada Declaración Schuman, en la que el ministro de exteriores francés dio el primer paso hacia la integración de los Estados europeos.

Y, como es sabido, primero en 1972 el Consejo de Europa convirtió el tema de la «Oda a la Alegría», procedente de la Novena Sinfonía de Beethoven, en su himno, y luego, en 1985, fue adoptado por los dirigentes como himno oficial de la Unión Europea en adaptación de Von Karajan.

El re-nacimiento de Venus (Nuevas imágenes)

 

"El nacimiento de Venus", de Sandro Botticelli, 1484. Temple sobre lienzo. 
278.48 cm, por 172.48 cm. Galería Uffizi, Florencia, Italia.

 

Muchos artistas (pintores e ilustradores) en este siglo hemos reinventado el mito de Afrodita o Venus y de alguna manera también ayudado a su permanencia. Pintar el nacimiento de Venus (la diosa de la belleza) es una metáfora a lo que muchos pretendemos que el arte vuelva a ser un homenaje a la belleza.

Tradicionalmente se ha creído que esta obra, como "La Primavera", fue encargada por Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, primo de Lorenzo el Magnífico, para adornar Villa di Castello en la campiña florentina. La idea parte de que fue allí donde las contempló Giorgio Vasari años después. Estudios recientes indican otra cosa: la Primavera se pintó para la casa de Lorenzo en la ciudad de Florencia y El nacimiento de Venus fue un encargo de otra persona para un lugar diferente. Por lo tanto, no se conoce la fecha exacta de su composición, ni tampoco el comitente para el cual fue ejecutado. Actualmente se considera que debió pintarse entre 1482 y 1484, en cualquier caso, después de la estancia romana de Botticelli.
Sólo está documentado por Botticelli que Venus fue interpretada por,  Simonetta Cattaneo de Candia, llamada Simonetta Vespucci o simplemente "la bella Simonetta", una musa Florentina elegida por los Medici. Estos documentos de pictografía indican que para el año 1499, ambas estaban instaladas en Castello, entonces propiedad de esta rama secundaria de los Médicis.

El Nacimiento de Venus, del griego Apeles (352 a. de C - 308 a. de C.) Copia romana.

¿Qué enseñar, qué aprender cuando de arte se trata?

 

Artículo publicado hace un tiempo por el diario La Nación, de Argentina. Debo aclarar que la autora de la nota (Celina Chatruc) parece estar en sintonía con los entrevistados sobre cómo enseñar arte y para qué. 

¿Se puede enseñar a ser artista y cuál es el rol del docente?

Enseñar o educar requiere esfuerzo. De no ser así el resultado puede ser toda una generación de "hijos malcriados".

(Introducción de Rubén Reveco)

En la actualidad, nos encontramos con una preocupante situación en el ámbito educativo, especialmente en las escuelas de artes y facultades. Muchos docentes parecen estar desorientados, limitándose únicamente a cumplir con su trabajo y cobrar su salario al final de mes.

Esta falta de profesionalismo se justifica bajo el concepto de libertad, el cual ha sido malinterpretado y utilizado para igualar hacia abajo. La generación "ni" representa esta tendencia de no comprometerse ni con el aprendizaje ni con la enseñanza, lo cual pone en riesgo la labor del docente al permitir que los alumnos se sitúen en el centro de la escena.

La idea de fomentar la expresión individual, la búsqueda del yo interior y la no condicionante de la creatividad ha generado una generación carente de conocimientos básicos en áreas como historia, color, equilibrio, entre otros. La falta de formación en técnicas fundamentales como dibujo y pintura ha llevado a una degradación en la calidad artística.

Es fundamental reflexionar sobre la importancia de una educación sólida y estructurada en las artes, que promueva el desarrollo de habilidades técnicas y creativas. No podemos permitir que la falta de compromiso y profesionalismo de los docentes afecte la formación de las futuras generaciones de artistas.

¡Feliz Día del Trabajador a todos los artistas!

 

A los viejos y a los niños; a los famosos y a los anónimos. A los que enseñan siendo niños y a los que aprenden siendo viejos. A los virtuosos que nos maravillan y a los que se esfuerzan por superar obstáculos.

El arte es una manifestación única de la humanidad que trasciende barreras y conecta a las personas a nivel emocional y espiritual. Desde tiempos inmemoriales, el arte ha sido una forma de expresión que ha permitido a los seres humanos comunicar sus pensamientos, emociones y experiencias de una manera única y poderosa. A lo largo de la historia, hemos sido testigos de la creatividad y genialidad de artistas de todas las edades y procedencias, quienes han dejado una huella imborrable en la sociedad y en el mundo en general.

Desde los viejos hasta los niños, el arte ha sido una fuente de inspiración y aprendizaje para personas de todas las edades. Los ancianos, con su sabiduría y experiencia acumulada a lo largo de los años, nos enseñan la importancia de valorar cada momento de la vida y de apreciar la belleza que nos rodea. Por otro lado, los niños, con su inocencia y creatividad infinita, nos recuerdan la importancia de mantener viva la imaginación y de explorar nuevas formas de expresión artística.

En el mundo del arte, no importa si eres famoso o anónimo, si eres un virtuoso o si estás luchando por superar obstáculos. Lo que realmente importa es la pasión y el compromiso que cada persona pone en su trabajo artístico. Los artistas famosos nos maravillan con su talento y creatividad, pero también debemos reconocer el esfuerzo y la dedicación de aquellos artistas menos conocidos que trabajan incansablemente para hacer del mundo un lugar más hermoso y significativo.

El arte es una forma de expresión universal que trasciende fronteras y nos une como seres humanos. A través de la música, la pintura, la danza, el teatro, el cine, la literatura, la poesía, la fotografía, la escultura y los monumentos, podemos explorar diferentes culturas, tradiciones y perspectivas, enriqueciendo nuestras vidas y expandiendo nuestros horizontes.

El arte es una parte fundamental de la humanidad, ya que nos permite expresar nuestras emociones, pensamientos y experiencias de una manera única y creativa. Sin el arte, nuestras vidas serían monótonas y carentes de color. 

Las canciones nos acompañan en nuestros momentos más felices y tristes, las pinturas nos transportan a otros mundos, la danza nos permite liberar nuestras emociones a través del movimiento, el teatro nos hace reflexionar sobre la condición humana, el cine nos entretiene y nos hace reflexionar, la literatura nos transporta a diferentes realidades, la poesía nos inspira con su belleza, la fotografía captura momentos irrepetibles, la escultura nos impresiona con su creatividad y los monumentos nos recuerdan la grandeza de civilizaciones pasadas. 

Cada forma de arte tiene su propio valor y contribución a la sociedad, enriqueciendo nuestras vidas y haciéndonos más humanos. Por lo tanto, es importante valorar y apoyar a los artistas, quienes con su talento y dedicación enriquecen nuestro mundo y lo hacen más hermoso.

El arte es una celebración de la creatividad humana y una expresión de nuestra humanidad compartida. A través del arte, podemos reflexionar sobre nuestro pasado, imaginar nuestro futuro y conectarnos con los demás de una manera profunda y significativa. Por lo tanto, debemos valorar y apreciar el arte en todas sus formas, honrando a los artistas de todas las edades y orígenes que contribuyen a enriquecer nuestra experiencia humana.

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