"Déjenme que les invite a una boda en la que les advierto, nada se desarrollará como estaba previsto... Debía ser un momento histórico para bestias y hombres..."
La hermosa Alba ha sido prometida en matrimonio con Lobo de Fuego, uno de los más importantes capitanes del ejército de las Fieras, como parte del tratado de paz que debe acabar con la guerra entre hombres y animales. Todo el mundo parece estar de acuerdo con este pacto... excepto la propia Alba, cuyos actos conducirán a las dos facciones a enfrentarse a muerte. Jean Dufaux y Béatrice Tillier nos presentan con El bosque de las vírgenes una hermosa fábula para adultos que bebe de las fuentes del cuento de hadas clásico para dar forma a una obra de gran madurez, en la que vemos ecos de Hansel y Gretel, Caperucita Roja, El gato con botas y La bella y la bestia. El espectacular dibujo de Tillier, capaz de dotar al personaje de Alba de una gran sensualidad, y de retratar los más hermosos humanos antropomorfos que ha dado el cómic europeo, han convertido esta serie en un referente para el resto de dibujantes del mercado francobelga.
Escultura en mármol realizada en 1880. Alte Nationalgalerie, Berlín.
Gracias a Internet he conocido (parcialmente) esta obra que me parece maravillosa y propia de un artista (que tampoco conocía) de gran talento. No he encontrado mucha más información, ni cómo el escultor logró sortear los desafíos de tallar en mármol el rosal que rodea a la Bella Durmiente.
Louis Sussmann-Hellborn (1828-1908), también escrito Ludwig Sussman Hellborn, fue un escultor alemán, pintor, coleccionista de arte y constructor. Nació en Berlín y recibió su formación como escultor en la Academia de Artes de Berlín. Viajó a estudiar en Francia, Bélgica e Inglaterra. Vivió en Roma de 1852 a 1856. La primera gran exposición de sus obras se organizó en Berlín en 1856. Fue uno de los fundadores del Museo Real de Artes Decorativas y también participó en la construcción de una colección de esculturas en el Museo Real de Berlín.
Llamaban a la minúscula nave "Renacuajo". Y Tracy era el capitán "Jeringa". Aquella era la incursión número 24 por el cuerpo enfermo de un hombre. ¡Un viaje no exento de peligros, pero no por ello menos emocionante!
Este año lo dedicaremos (entre otras muchas cosas) a publicar las mejores historias de la revista "1984". Retocadas página por página; como recién salidas del horno. Ustedes se merecen algo así!
Gabriel García Márquez fue un destacado escritor y periodista colombiano, nacido el 6 de marzo de 1927 en Aracataca, Colombia, y fallecido el 17 de abril de 2014 en Ciudad de México. Es conocido por su estilo de realismo mágico y fue galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 1982.
"Los OVNI´s son naves de otros planetas, pero cuyo destino no es la Tierra. Somos los habitantes del planeta más provinciano, reaccionario y atrasado del Universo", expresó Gabriel García Márquez para la revista española Cíclope.
-¿Qué opina usted sobre los ovnis?
Mi opinión sobre los ovnis es de sentido común: creo que son naves procedentes de otros planetas, pero cuyo destino no es la Tierra.
-¿Cree en la posibilidad de la existencia de vida en otros planetas?
Es conmovedora la soberbia de quienes afirman que nuestro planeta es el único habitado. Creo más bien que somos algo así como una aldea perdida en la provincia menos interesante del Universo, y que los discos luminosos que vemos pasar en la noche de los siglos nos miran a nosotros como nosotros miramos a las gallinas.
El misterio de la Sábana Santa... ¿Leyenda o verdad?
Este relato histórico se desarrolla a lo largo de varios siglos y en varios países. Es la historia de Lucie, monja en Lirey, Francia; de Lucia, hija de un barón monárquico en Turín; y de Lucy, cineasta en Texas. Lucie es virgen en el siglo XIV, Lucia pierde su virginidad en el siglo XIX y Lucy está embarazada en el siglo XXI.
Tres protagonistas que sufren la violencia del poder patriarcal (Lucie y Lucia, sometidas al yugo del prior y del padre, respectivamente; Lucy, violada por su tutor de la universidad) y que se rebelan contra ello y contra el fanatismo religioso y sus mentiras, de una forma u otra. Las tres historias se complementan, dialogan entre sí, como si sus protagonistas estuvieran unidas por un hilo invisible. Lucia y Lucy se encontrarán en momentos clave de su vida con Lucie (en sueños, en visiones que las asaltan de repente...) y el final, inolvidable, retrata la escena del nacimiento del bebé de Lucy, asistido por la monja Lucie, en una especie de bucle temporal en el que ambas terminan alejándose entre la nieve con el recién nacido.
Impresionante trilogía en un solo volumen en la que brilla la maestría de Eric Liberge, cuyas ilustraciones, hechas con la técnica de la aguada, aportan un detallismo y un realismo inolvidables, y dan una gran coherencia estética al conjunto. Liberge ha sido premiado en el festival internacional de cómic de Angouleme. Esta novela gráfica está dirigida a un público joven y adulto.
Publicado simultáneamente en castellano y gallego (A man do diaño, Demo Editorial), se trata de la obra ganadora del Premio Castelao de Cómics 2010, concedido por la Diputación de A Coruña. Se trata de la primera obra larga del autor, que hasta ahora había realizado solamente historietas cortas para diferentes publicaciones.
Descripción de la editorial (ligeramente editada para Guía del Cómic): "Un grupo de tres soldados recorre el territorio asignado destruyendo pueblos y eliminando a los supervivientes hasta que uno de los miembros del grupo resulta herido en una emboscada. Obligados a buscar ayuda para su compañero, acaban encontrando refugio en la casa de unos campesinos que, en otras circunstancias, hubieran sido el blanco de sus acciones... En la esencia de La mano del diablo está un alegato contra la sinrazón de la guerra y la forma en la que ésta afecta al comportamiento de quienes participan en ella."
El cómic consta de 64 pgs de historieta propiamente. Formalmente, llama la atención que el cómic usa una rejilla fija de 2x3 viñetas por páginas, que sólo rompe muy puntualmente, y la escasez de diálogos, con muchas viñetas contemplativas. Para hacerse una idea, basta comentar que un recuento rápido da como resultado que sólo alrededor de un 33% de las viñetas tienen diálogos, siendo el resto totalmente mudas o como mucho con la presencia de onomatopeyas. (Fuente)
El vídeo (así, con acento en la "i") es otra manifestación importante en el mundo del Arte Contemporáneo. Todos hemos soñado alguna vez con ser cineastas pero los valores para hacer una película son muy alto para cualquier soñador. Aun así, la actual tecnología nos posibilita con poco hacer mucho. Hasta con un celular puedes idear tu vídeo.
Los vídeos que participan en estos eventos tienen un aire entre quirófano de hospital y película de ciencia ficción de bajo presupuesto. Que la imagen esté desenfocada, no importa. Que la cámara se mueva, no importa. Que no exista guion, no importa. Que no exista director de fotografía, no importa. Que no exista un iluminador, no importa. Que no pase absolutamente nada, no importa. ¡Eso es arte contemporáneo!
Por Rubén Reveco - Editor
Es muy aburrido
En el vasto mundo del arte contemporáneo, los vídeos han emergido como una de las formas de expresión más prominentes y a menudo más controvertidas. Desde galerías hasta exposiciones internacionales, la videoinstalación se ha convertido en un medio predilecto para muchos artistas contemporáneos. Sin embargo, a pesar de su creciente popularidad, hay una percepción generalizada entre algunos críticos y espectadores sobre la aparente monotonía y la falta de impacto emocional de estas obras. Este artículo busca explorar las razones detrás de esta sensación de aburrimiento, analizando factores como la sobreabundancia de obras, la descontextualización de la experiencia estética, y la dificultad para conectar con el espectador en un nivel más profundo.
La sobreexposición a la videoinstalación
Uno de los factores que contribuyen al desinterés por los vídeos de arte contemporáneo es la saturación del mercado. En un mundo donde la producción cinematográfica y audiovisual está al alcance de todos, la calidad y originalidad de las obras de arte en vídeo se ven comprometidas. Con la llegada de la tecnología digital y las plataformas de difusión en línea, cualquier persona tiene la capacidad de grabar y editar un vídeo, lo que ha llevado a una proliferación de obras que a menudo carecen de un planteamiento artístico sólido. La masa de contenido que consumimos diariamente, incluidas películas, series y clips virales, ha modificado nuestras expectativas respecto a lo que constituye una experiencia audiovisual significativa. En este contexto, muchos vídeos de artistas contemporáneos pueden parecer insípidos y carentes de novedad, con narrativas que se sienten redundantes o excesivamente abstractas.
Descontextualización de la experiencia estética
Otro aspecto clave que podría estar detrás del aburrimiento que genera el arte en vídeo es la forma en que estas obras son presentadas y contextualizadas. A menudo, los vídeos que encontramos en exposiciones se exhiben en espacios amplios, desprovistos de un ambiente narrativo que los rodee. La falta de un contexto claro puede llevar a los espectadores a sentirse desapegados, incapaces de conectar emocionalmente con la obra. En la mayoría de los casos, se espera que la obra misma hable por sí misma, pero el resultado puede ser un ejercicio de pasividad por parte del espectador, que se siente perdido o confundido.
Además, muchos artistas contemporáneos optan por formatos que se centran en la repetición de imágenes o secuencias que no ofrecen una narrativa coherente. Este enfoque puede resultar atractivo para la crítica que ve en ello una forma de romper con las convenciones establecidas del arte, pero para el espectador promedio, este intento puede parecer más un ejercicio de estilo que una experiencia significativa. La repetición y la falta de un arco narrativo pueden conducir a una experiencia que no invita a la reflexión, convirtiendo una potencial obra maestra en una repetitiva y errática serie de imágenes que resulta, en última instancia, aburrida.
La desconexión con el espectador
La relación entre el artista y el espectador es fundamental para la apreciación del arte. Un número significativo de vídeos de arte contemporáneo parecen ignorar esta premisa básica, proponiendo obras que no establecen ningún tipo de diálogo o conexión emocional con el público. En la búsqueda de la experimentación y el concepto, algunos artistas proponen su obra a un círculo muy específico de intelectuales o críticos de arte, dejando a la mayoría de los espectadores fuera del discurso. Esta desconexión se traduce en una falta de interés, ya que el espectador común puede sentirse alienado ante obras que no comprenden o que no les llegan de manera visceral.
La auténtica experiencia artística requiere una conexión, un puente que une al creador con el público. Sin esta conexión, los vídeos pueden entrar en un ciclo de incomprensión y desinterés, donde los espectadores pasan rápidamente de una obra a otra, sin detenerse a reflexionar sobre lo que han visto. La ausencia de un acercamiento emocional o social en las obras también contribuye a una sensación de tedio. En un mundo marcado por problemas sociales y crisis existenciales, el arte tiene el potencial de servir como un espejo reflexivo. Sin embargo, cuando los vídeos fallan en abordar estos temas relevantes, su capacidad para cautivar se ve considerablemente disminuida.
Reflexiones finales
No se puede negar que existe un cierto valor en la diversidad de enfoques artísticos dentro del ámbito de la videoinstalación contemporánea. Sin embargo, el desafío radica en encontrar un balance entre la innovación estética y la conexión emocional significativa con la audiencia. Muchos vídeos producidos por artistas contemporáneos, aunque intelectualmente estimulantes, carecen de un potencial real para cautivar y resonar con el público en un sentido práctico.
La búsqueda de la relevancia visual y conceptual no debería venir a expensas del engagement del espectador.
En un mundo inundado de imágenes y narrativas, el verdadero éxito de una obra de arte en vídeo radica en su capacidad para provocar una respuesta emocional y permitir un diálogo. Mientras los artistas contemporáneos continúen elaborando obras que prioricen la experimentación sobre la accesibilidad, el riesgo de que muchos vídeos se perciban como monótonos seguirá presente.
Por lo tanto, es imperativo que los creadores reflexionen sobre su papel en la sociedad contemporánea y consideren cómo sus obras pueden involucrar efectivamente a una amplia variedad de espectadores, asegurando que el arte en vídeo no solo sea visto, sino también sentido y vivido.
Un tomahawk es un tipo de hacha originaria de América. Su nombre se incorporó al lenguaje inglés en el siglo XVII como transliteración de la palabra tamahaac proveniente del idioma powhatan (algonquino de Virginia).
Fue una herramienta empleada tanto por indígenas americanos como por colonos europeos, a menudo también utilizada como arma arrojadiza o para el combate cuerpo a cuerpo. El material usado para la fabricación de las hojas fue progresivamente sustituido pasando del hueso y la piedra inicial al posterior hierro y bronce. Las hojas metálicas de los tomahawks se basaron originalmente en las hachas de la Royal Navy las cuales eran usadas como objeto de intercambio con los nativos americanos por comida y otras provisiones. El diseño británico a su vez derivaba de diseños usados siglos atrás por los vikingos.
