El Cristo sucio del MNBA de Santiago de Chile

Como se aprecia en esta fotografía, alguna vez el conjunto escultórico estuvo protegido por un cerco. Lo que impedía ser tocado por los espectadores.

Hace unos días fui al MNBA de Santiago de Chile a ver una serie de muestras muy interesantes de las que estaré informando en su momento. Y cada vez que voy, le hago una visita al "Descendimiento de Cristo", ese gran conjunto escultórico realizado por Virginio Arias en 1887. Si bien tiene un lugar de privilegio en el hall del museo, su higiene no se corresponde a su importancia. Urge una limpieza a fondo de la obra escultórica más importante realizada en Chile y quizá en Latinoamérica. Está sucia y manchada y eso se ve muy, pero muy feo.

Por Rubén Reveco - Editor

"El descendimiento de Cristo", de Virginio Arias, es el mejor ejemplo de una obra de calidad inalcanzable para la mayoría de los artistas. Es la escultura del siglo XIX realizada en mármol quizá más importante de Latinoamérica. No comprendo por qué el MNBA la tiene tan abandonada. 

Pareciera que los espectadores se ven tentados a tocar con las manos sucias las rodillas de Cristo. Estas con los años se han manchado. 

¿Qué diría Virginio Arias al ver como cuidan su obra de arte?

La estatua que genera controversia en localidad italiana

La imagen ha sido calificada de descontextualizada y sexista. Su creador la defendió y el alcalde de Sapri, el lugar donde está ubicada, rechazó la posibilidad de retirarla.

FUENTE

La escultura de una campesina del siglo XIX generó una controversia en una localidad italiana, debido a que para algunos la imagen se parecen más a una estrella de cine que a una trabajadora del campo. La escultura de la "Spigolatrice di Sapri", basada en un célebre poema del mismo nombre, fue develada el 25 de septiembre en Sapri, en el sur de Italia, en presencia de autoridades locales y el ex premier Giuseppe Conte. 

Se ve a la "spigolatrice", o segadora de trigo, con un vestido que deja al descubierto sus hombros y está ajustado sobre sus glúteos. Los críticos dijeron que ninguna campesina del siglo XIX tendría ese aspecto, ni menos aún la heroína ficticia del poema de Luigi Mercantini, que abandona su trabajo agotador en el campo para sumarse a una insurrección siciliana contra la dinastía borbónica. 

Hermafrodita en el arte

No existen muchas obras de arte con el tema que nos convoca hoy. La más famosa (sin duda la más bella) es la copia de una escultura griega, llamada "Hermafrodita durmiente" que se encuentra en el Louvre. Escultura en mármol de estilo griego, copia romana del siglo II a.c, de un original helenístico del siglo II a.c, restaurada en el 1619 por David Larique. Bajo la escultura: un colchón en mármol de Carrara realizado por Gianlorenzo Bernini en el 1619 a petición del Cardenal Borghese.

El vocablo griego hermaphróditos, cuya terminación está influida por Afrodita (nombre de la diosa griega del amor), llegó al latín como hermaphrodītus. El concepto arribó a nuestro idioma como hermafrodita, un adjetivo que alude a quien tiene los dos sexos (femenino y masculino).

En la zoología y la biología, un organismo hermafrodita es aquel cuyo aparato reproductivo es mixto y, por lo tanto, puede generar gametos femeninos y masculinos. La autofecundación, de todos modos, es muy inusual.

Las lombrices de tierra son ejemplos de animales hermafroditas. Disponen de órganos reproductores femeninos y masculinos y se reproducen a través del apareamiento. Lo mismo ocurre con los caracoles, que producen óvulos y espermatozoides y se acoplan para lograr la fecundación. (Fuente)

Una de las representaciones de Hermafrodita más conocidas en la historia del arte es "El hermafrodita dormido" de la colección Borghese que se encuentra en el Louvre. La estatua original fue descubierta cerca de las termas de Diocleciano alrededor de 1608, cuando se la mostraron al cardenal Borghese quedó tan impresionado por la belleza de la escultura que encargó a Bernini que le realizara un almohadón a la altura de la pieza, desde ese momento se convirtió en una de las piezas más admiradas de su colección. 

"Belsabé", una escultura de Benjamin Victor

Betsabé

Conocí a este escultor por su obra "Belsabé". Lo que demuestra, una vez más, que en muchos casos la obra precede al artista.

"Belsabé" es una obra que circula mucho en la web y es una de las referentes de la escultura realista contemporánea.

Según el Segundo Libro de Samuel 11, el rey David vio desde la azotea del palacio a una hermosa mujer bañándose. Quiso David informarse sobre la mujer y le dijeron que se trataba de Betsabé, hija de Eriám y mujer de Urías el hitita. David envió gente que la trajese a sus habitaciones, y tuvo relaciones con ella a raíz de las cuales ella quedó embarazada. Betsabé envió a decir a David que ella estaba encinta y desde ahí, en más, empezaron los problemas.

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Dmitriy Egorov: La idea de belleza femenina y virtual

 

El ruso Dmitriy Egorov es un escultor virtual. Algunos dirán que así no vale, que la escultura debe ser real y poder ser recorrida y tocada...

"Soy un artista de mi tiempo -expresa- y mi idea de la belleza femenina es la de siempre. Y también me gustan los estándares modernos de belleza. Mi obra es una especie de eclecticismo".

Dmitriy Egorov

El arte ante el arte virtual: un análisis contemporáneo

En la actualidad, el arte enfrenta un desafío sin precedentes con el surgimiento del arte virtual. Dmitriy Egorov, representa esta convergencia entre lo tangible y lo digital, planteando interrogantes sobre la esencia del arte mismo. Muchos críticos sostienen que una escultura debe ser física, haciéndose accesible al recorrido y al tacto, privilegiando el vínculo material entre la obra y el espectador.

Sin embargo, Egorov se define como "un artista de mi tiempo", lo que implica una adaptación a la realidad contemporánea, donde las dimensiones virtuales juegan un papel crucial. Su enfoque en una pluralidad estética que amalgama la belleza clásica con los estándares modernos da pie a un cuestionamiento fundamental: ¿Puede lo virtual ser considerado arte en la misma medida que lo material?

El eclecticismo presente en su obra sugiere que la belleza no es un concepto monolítico, sino un espectro que abarca diversas expresiones. Esta diversidad también se manifiesta en la forma en que la tecnología redefine nuestra percepción y apreciación del arte. Aunque la escultura física ofrezca una experiencia sensorial única, el arte virtual desafía los límites del espacio y la forma, permitiendo nuevas formas de interacción y contemplación.

En conclusión, la dicotomía entre el arte real y el arte virtual no debe ser vista como una oposición, sino como un diálogo enriquecedor que amplía el horizonte de lo que entendemos por arte. La obra de Dmitriy Egorov ejemplifica cómo la cultura contemporánea puede encontrar belleza y significado tanto en lo tangible como en lo intangible, desdibujando así las fronteras entre ambos mundos.

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El arte de los cementerios

La palabra "cementerio", que se deriva del griego antiguo, significa "lugar para dormir". Así que esas inscripciones en las lápidas de los cementerios que dicen "Descanso eterno" o "Descansa en paz" tienen mucho sentido.

El arte de la muerte, escultura funeraria o arte cementerial no es muy popular por razones obvias. Sin embargo, eso no impide que muchos cementerios del mundo posean grandes obras de arte. En esta oportunidad nos dedicaremos a la escultura.

El arte de la escultura siempre estuvo muy presente en los antiguos cementerios cristianos, representando el dolor y sufrimiento de los que quedaban vivos. Muchos conjuntos escultóricos han sufrido las inclemencias de la intemperie o el olvido de los familiares, aun así son obras verdaderamente bellas. Tanto que ya dan ganas de ir contratando los servicios de un escultor. 

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¿El lado oscuro de la belleza?

Obra del trabajo de habilidosos diseñadores, arquitectos, escultores y jardineros, los cementerios pueden resultar descorazonadoramente hermosos.

Las Tres Gracias en el arte, desde la antigua Grecia hasta el presente

 

Las Cárites, de Afrodisias, del siglo 1 A. de C. al 1 D. de C.

En la mitología griega, las Cárites o Gracias eran las diosas del encanto, la belleza, la naturaleza, la creatividad humana y la fertilidad. Habitualmente se consideran tres, de la menor a la mayor: Aglaya (‘Belleza’), Eufrósine (‘Júbilo’) y Talia (‘Floreciente’).

Las Cárites solían ser consideradas hijas de Zeus y Eurínome, aunque también se decía que eran hijas de Hera, de Dioniso, o de Helios y la náyade Egle. 

Homero escribió que formaban parte del séquito de Afrodita. Las Cárites estaban asociadas asimismo con el inframundo y los misterios eleusinos.

Hay ciertos temas recurrentes en la historia del arte y es posible verlos una y otra vez, de la mano de los artistas más diversos. Uno de esos temas es la imagen de las Tres Gracias.

Según la mitología griega, las Tres Gracias son tres diosas, hijas de Zeus y Hera: Eufrosina (Alegría), Aglaé (Belleza) y Thalía (Fertilidad). Las Gracias presidían los banquetes, las danzas y todas las actividades y celebraciones placenteras, es decir, todo aquello que en el mundo pudiera haber de agradable, interesante, atractivo... 

Las Gracias otorgaban a dioses y mortales la alegría y también la elocuencia, la liberalidad y la sabiduría. Se creía además que tenían la capacidad de dotar a los hombres de la genialidad necesaria para convertirlos en artistas eximios. (F)

Relieve romano 200 a 150 A. de C.

La Bella Durmiente de Louis Sussmann-Hellborn

 

Escultura en mármol realizada en 1880. Alte Nationalgalerie, Berlín.

Gracias a Internet he conocido (parcialmente) esta obra que me parece maravillosa y propia de un artista (que tampoco conocía) de gran talento. No he encontrado mucha más información, ni cómo el escultor logró sortear los desafíos de tallar en mármol el rosal que rodea a la Bella Durmiente.

Louis Sussmann-Hellborn (1828-1908), también escrito Ludwig Sussman Hellborn, fue un escultor alemán, pintor, coleccionista de arte y constructor.
Nació en Berlín y recibió su formación como escultor en la Academia de Artes de Berlín. Viajó a estudiar en Francia, Bélgica e Inglaterra. Vivió en Roma de 1852 a 1856. La primera gran exposición de sus obras se organizó en Berlín en 1856. Fue uno de los fundadores del Museo Real de Artes Decorativas y también participó en la construcción de una colección de esculturas en el Museo Real de Berlín.

El detalle que no conocía (2) Agua esculpida en mármol

El arte de representar el agua en el mármol corriendo sobre los dedos del pie de la Ninfa, escultura ejecutada por el artista italiano Giovanni Battista Lombardi (1823-1880).

No sé si el agua tiene ese recorrido ondulante sobre los dedos de un pie, aun así, destaco el esfuerzo del escultor en representar un elemento tan inestable como el agua.

"Giovanni Battista Lombardi, nacido en Brescia, Italia, comenzó su aprendizaje en la cantera de mármol de su padre. Para 1851 se había mudado a Roma para estudiar con el escultor Pietro Tenerani (1789-1869) y luego trabajar en el estudio de Tenerani en monumentos, bustos y relieves de inspiración religiosa y clásica. Pronto estableció un estudio productivo propio, creando estatuas sentimentales, románticas y bustos para la burguesía italiana.

La presencia del mármol se encuentra en toda la historia y cultura del hombre. Figura y reproduce fuerza, belleza y elegancia. El uso de mármol blanco y la manera en que Lombardi lo moldeaba tan delicadamente, logra captar hasta los detalles más sutiles de la figura humana, lo que brinda a sus obras su conocido aspecto angelical.

En sus temas bíblicos, Lombardi combina sutilmente el clasicismo con el naturalismo y la reserva con el encanto."

Giovanni Battista Lombardi, “Nymph”. (1864).