Los siete pecados de los pintores realistas contemporáneos

 

Obra de Renato Ferrari, artista brasileño.

En el mundo del arte y el diseño, la habilidad técnica y la estética son importantes, pero no son suficientes. Para destacarse y ser exitoso, no basta con ser un buen dibujante, tener una impecable factura y hacer cosas muy, pero muy lindas.

La creatividad, la originalidad y la capacidad de transmitir emociones y mensajes a través de la obra son aspectos igualmente fundamentales. Un buen dibujo puede ser técnicamente perfecto, pero si carece de significado o impacto, se convierte en una simple representación visual sin alma.

Además, la constancia, la dedicación y la búsqueda constante de superación son aspectos clave para crecer y evolucionar como artista. El camino hacia la excelencia en el arte requiere de esfuerzo, perseverancia y una mentalidad abierta a la experimentación y al aprendizaje continuo.

Por Rubén Reveco. Editor

Aclaración: 

Las obras que ilustran esta nota no tienen que ver con el contenido de la misma.

Celebramos como nadie (porque nosotros hemos sido uno de los impulsores de la resistencia) el regreso e irrupción del realismo como estilo artístico en el siglo XXI. Muchos jóvenes han sacrificado sus carreras en escuelas o facultades de arte para pintar, grabar, dibujar o esculpir por su cuenta. En vez de enseñarles arte, en los centros educativos los obligaban a hacer instalaciones, performance y otras manifestaciones supuestamente artísticas.

Pero no todo es bueno en este estallido de hiperrealismo, realismo, surrealismo y figuración. Por eso que hemos elegido los que pueden ser los siete pecados del realismo contemporáneo.

La pintora española Carmen Mansilla ante su obra.

1) Priorizar la técnica y el virtuosismo. Si bien lo que llamamos buen oficio es casi un acto de rebeldía ante tanto mamarracho improvisado, la "perfección" no es un fin en si mismo del arte realista. No hay que creer que mientras mejor acabado mejor obra de arte.

No basta con ser un buen dibujante, tener una impecable factura y hacer cosas muy, pero muy lindas. No basta.

Prerrafaelistas: "El club de los libidinoso"

Ninfas, magas, Cleopatras, envenenadoras, mujeres “peligrosas” protagonizan la pintura victoriana, que escandalizó una época y que ahora renace en el interés de los coleccionistas por estos maestros de un tiempo marcado por la rígida moralidad y los nuevos ricos de la Revolución Industrial.

FUENTE

Elizabeth Siddal, una humilde dependienta, se convirtió en uno de los iconos de la Inglaterra victoriana. Pelirroja, pálida, dueña de una belleza lánguida, Lizzie provocó desaforadas pasiones entre los pintores de la Hermandad Prerrafaelista, un grupo de jóvenes creadores que adoraban a Dante, Grecia, Roma y la Antigüedad. John Everett Millais descubrió a Lizzie en un comercio y la hizo su musa: Elizabeth es la etérea Ofelia de su célebre cuadro.

Otro prerrafaelista Dante Gabriel Rossetti, se enamoró perdidamente de ella. La cortejó, se la robó a su amigo Millais y la convirtió en su esposa. Poseído por los celos, le prohibió posar para otros y la enclaustró: la dejaba encerrada mientras él se iba de farra y se acostaba con otras. Obsesionado con ella, la pintaba sin descanso, pero la atormentaba con el aislamiento y la infidelidad.

El líder. Sir Lawrence Alma-Tadema, neerlandés nacionalizado británico, es el líder de los prerrafaelistas. En 1863 se casó con la escritora francesa Marie Pauline Gressin de Boisgirard, quien fue su modelo y con la que tuvo dos hijos. Viudo desde 1869, se casó en 1871 con la inglesa Laura Epps, que también aparece en sus cuadros. Las rosas de Heliogábalo, 1888.

¿Qué enseñar, qué aprender cuando de arte se trata?

 

Artículo publicado hace un tiempo por el diario La Nación, de Argentina. Debo aclarar que la autora de la nota (Celina Chatruc) parece estar en sintonía con los entrevistados sobre cómo enseñar arte y para qué. 

¿Se puede enseñar a ser artista y cuál es el rol del docente?

Enseñar o educar requiere esfuerzo. De no ser así el resultado puede ser toda una generación de "hijos malcriados".

(Introducción de Rubén Reveco)

En la actualidad, nos encontramos con una preocupante situación en el ámbito educativo, especialmente en las escuelas de artes y facultades. Muchos docentes parecen estar desorientados, limitándose únicamente a cumplir con su trabajo y cobrar su salario al final de mes.

Esta falta de profesionalismo se justifica bajo el concepto de libertad, el cual ha sido malinterpretado y utilizado para igualar hacia abajo. La generación "ni" representa esta tendencia de no comprometerse ni con el aprendizaje ni con la enseñanza, lo cual pone en riesgo la labor del docente al permitir que los alumnos se sitúen en el centro de la escena.

La idea de fomentar la expresión individual, la búsqueda del yo interior y la no condicionante de la creatividad ha generado una generación carente de conocimientos básicos en áreas como historia, color, equilibrio, entre otros. La falta de formación en técnicas fundamentales como dibujo y pintura ha llevado a una degradación en la calidad artística.

Es fundamental reflexionar sobre la importancia de una educación sólida y estructurada en las artes, que promueva el desarrollo de habilidades técnicas y creativas. No podemos permitir que la falta de compromiso y profesionalismo de los docentes afecte la formación de las futuras generaciones de artistas.

¿Por qué dicen en Chile que el arte se fue a la cresta?

 

"Las piedras parlantes". En el interior de esta ¿instalación? mostrada en la Galería de Arte Contemporáneo Gabriela Mistral hay un parlante oculto con una grabación que se lamenta que la naturaleza se va quedando muy sola producto de la depredación humana. Conmovedor.

En Chile la "cresta" no es un buen lugar, tampoco está claro si es un lugar. No es la cresta de la ola, por ejemplo, ni la cresta de la montaña; ni la cresta del gallo... nada de eso. "Mandar a la cresta" es una expresión de deseo que aduce más a una condena que a un espacio indeterminadamente lejano. 

Entonces decir que "el arte se fue a la cresta" significa que las artes plásticas han sido condenadas a ese degradante camino que el arte contemporáneo -con toda su parafernalia- a dictado como lo adecuado, justo y consustanciado al Sistema.

Una cosa es segura: la cresta no es un buen lugar para la felicidad.

Artículo publicado en julio de 2018

Por Rubén Reveco - Editor

Hace tres meses que estoy en Santiago de Chile visitando museos y galerías. Poniéndome al día después de una ausencia de casi tres décadas. Mucho tiempo.

Después de mirar, observar, admirar, horrorizarme, enojarme, alegrarme, escuchar y escucharme a modo de advertencia un amigo me dijo: "Por acá las lucas se van pa´ puras weabadas". Eso quiere decir en castellano académico que el presupuesto de cultura de las instituciones de gobierno (Nacional o municipal) se destinan preferentemente a manifestaciones relacionadas para lo que se llama Arte Contemporáneo.

Y de a poco fui confirmando que es así y más: espacios urbanos, bibliotecas, museos y galerías promocionan y difunden a estos eventos variopintos que casi nadie entiende como manifestación artística y menos pueden disfrutar como tal.

Manifiesto artístico "Podemos"

Cuando hace unos años empezamos con este blog a defender el arte y a desenmascarar a los okupas no éramos muchos. Hoy, cada día son más los que se atreven a levantar la voz. El grupo español Desenmascararte realizó este manifiesto al que adherimos totalmente.

El arte es una expresión fundamental de la humanidad, que nos permite comunicarnos, reflexionar y conectar con nuestras emociones más profundas. Sin embargo, en los últimos años hemos sido testigos de un fenómeno preocupante: la ocupación ilegal de espacios artísticos por parte de okupas.

Cuando hace unos años comenzamos este blog con el objetivo de defender el arte y desenmascarar a los okupas, éramos pocos los que nos atrevíamos a alzar la voz. Sin embargo, hoy en día, cada vez son más las personas que se unen a esta causa y se suman a la lucha por preservar la integridad de los espacios artísticos.

El grupo español Desenmascararte ha elaborado un manifiesto que refleja la importancia de proteger el arte y denunciar las prácticas ilegales de ocupación. Nosotros, al igual que ellos, adherimos totalmente a este manifiesto y nos comprometemos a seguir defendiendo la libertad y la integridad del arte.

Es fundamental concienciar a la sociedad sobre los riesgos y consecuencias de la ocupación ilegal de espacios artísticos. Estas prácticas no solo afectan a los artistas y creadores, sino también a la sociedad en su conjunto, privándonos de la oportunidad de disfrutar y enriquecernos con la belleza y la creatividad que el arte nos ofrece.

Consejos para pintores, dibujantes e ilustradores (4) La composición

La composición en las artes visuales es el plan. La distribución de los elementos en un determinado plano.

Hoy hablaremos de composición, manzanas y otras frutas menores. De cosas obvias, pero no tanto. Resuelto el tema a representar (una manzana, por ejemplo) está por definir qué reparto le doy en mi obra.

Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas

Composición: La manzana      

Por lo general, hará el papel protagónico, pero existen infinitas combinaciones y pueden ser una, dos, o un grupo de manzanas. Pueden estar en un primer o segundo plano, entre las opciones más recurrentes. 

Simonetta Vespucci, la más bella del Renacimiento

La acaudalada familia florentina Vespucio dio, al menos, dos personas que han pasado, por muy distintas razones, a la historia. Una, la más famosa, fue Américo (1454-1512) que, tras viajar repetidamente por la recién descubierta América y describir de modo muy pintoresco las tribus, la fauna y los paisajes que allí vio, dio nombre inapropiadamente al Nuevo Mundo. Otra Vespucio, mucho menos conocida, fue una bellísima prima del anterior, llamada Simonetta, que sirvió como modelo para los cuadros La Primavera y El nacimiento de Venus del pintor renacentista italiano Sandro Botticelli.

Reina de la belleza

Simonetta Vespucci fue la musa del pintor florentino Sandro Botticelli y también su amor imposible.

En nuestro recorrido diario por los temas más destacados de la blogosfera, hoy nos hacemos eco de una entrada publicada en la bitácora “Sentado frente al mundo”, que desvela la verdadera historia escondida tras la protagonista del famoso cuadro “El nacimiento de Venus”.

Pintado por Sandro Botticelli entre los años 1482 y 1484, este cuadro constituye su más famosa obra y también una secreta declaración de amor hacia la bella modelo que interpreta a la diosa Venus llegando a la costa: Simonetta Vespucci.

La joven era hija de un noble genovés apellidado Cattaneo. Con tan solo 16 años se casó con el florentino Marco Vespucci, vecino y amigo de Botticelli. Cuando el pintor conoció a la joven, se enamoró instantáneamente de ella y la convirtió en su musa y modelo de multitud de sus cuadros.

La belleza de Simonetta pronto se extendió por toda Florencia e incluso los hermanos Giuliano y Lorenzo de Médici, mecenas de Botticelli, intentaron conquistarla en numerosas ocasiones. En 1475, durante la celebración de un torneo de justas, fue proclamada “Reina de la belleza”, lo que hizo que su fama como la mujer más hermosa de Florencia se extendiera por toda Europa.

Lo que pienso del arte (1)

Este es un resumen desordenado de ideas sobre las artes plásticas y el arte contemporáneo. He vivido una parte importante en Argentina y el resto lo viviré en Chile, por lo que lo dividiré en dos partes. En ambas estaré acompañado por amigos entrañables a quienes quiero, respeto y recuerdo.

Por Rubén Reveco - Editor

ETAPA ARGENTINA

En la actualidad, el mundo del arte se encuentra saturado de nuevas corrientes y tendencias que buscan romper con lo establecido y lo tradicional. Sin embargo, yo defiendo sin reservas el arte realista, figurativo, surrealista, hiperrealista, simbolista, mágico y cualquier estilo que refleje dedicación y demuestre la presencia de un artista talentoso y trabajador.

En estos tiempos, es fundamental recordar conceptos que considero acertados. Un discurso persuasivo se construye con frases bien elaboradas; una buena frase equivale a una pincelada precisa en el lienzo.

Las siete pinturas más feas y famosas del siglo XX

1) «Las señoritas de Avigñon», pintada por Pablo Picasso, entre 1906 y 1907. En las dos figuras de la derecha se nota ya un primer intento de lo que sería el cubismo.

A aquellos que critican que solo publico "caras bonitas", que la vida real no es así y que los rollitos son parte de la hermosura, les confirmo que están en lo correcto. Por ello, hoy les presento las pinturas más feas del siglo XX, reconocidas y costosas, según lo dicta el siempre presente y poderoso mercado. Aquel que establece que "cuanto más feo, mejor".

Por Rubén Reveco - Editor revista Machete

Durante la primera mitad del siglo XX, los artistas lograron un hito importante al romper con los estándares estéticos tradicionales en el arte. Ya no se limitaban a la belleza convencional, sino que exploraban nuevas formas de expresión. Esta liberación de los cánones estéticos permitió ampliar los límites de la belleza y fomentar una explosión creativa sin precedentes. No se trataba de apreciar lo feo o lo vulgar, sino de abrirse a nuevas posibilidades creativas y combinaciones innovadoras. Este cambio en la percepción del arte marcó un antes y un después en la historia del arte, dando lugar a una diversidad de enfoques y estilos que enriquecieron el panorama artístico de la época.

2) «Mujer que llora», otra de Pablo Picasso. El dolor y angustia del llanto llevado al extremo de la deformación.

Está de más aclarar que las obras expuestas no son feas porque el artista no supiera pintar o dibujar. Lo deliberadamente feo da tanto o más trabajo que lo deliberadamente hermoso, pero lo feo, parece ser mejor para desarrollar ciertos conceptos y estados de ánimo. 

Las ocho razones que hacen posible al Arte Contemporáneo

El arte contemporáneo funciona como un eficiente engranaje que incluye o excluye según decisión del stabliments. Cada pieza cumple un rol determinado pero con un solo objetivo: dinero.  Su interior está motorizado por un relato que tiene como fin la transacción comercial en valores escandalosos e injustificados. Si no hay suficientes “jóvenes emergentes” incluyen a artistas ya desaparecidos o que su obra aún no haya ingresado a los museos, espacio que algunas veces protege al arte de la rapacidad especulativa.

Por Rubén Reveco
Editor

Las artes plásticas (perdón: artes visuales) ya no son lo de antes, cuando el artista (pintor, dibujante, grabador y escultor) trabajaba en la soledad de su taller sin más perspectiva y esperanza que la calidad de su trabajo se imponga a la indiferencia siempre inculta.

Ahora las cosas han cambiado, el artista (o el que quiera ser artista) ya no está solo en el maravilloso pero también ingrato mundo de la creación. Existe todo un dispositivo presto ha determinar cuál es el camino que debe seguir para que no dude; y este camino siempre lleva a un solo lugar: la comercialización. 
Existe a nivel mundial artistas, curadores, museos, bienales, críticos, mercado, subastas, auspicio, promoción... todo determinado por una compleja estructura y una competitividad sólo comparable a la de Wall Street.