Nick Alm: Sociales de gente linda

"Escena de café / Cafe Scene", óleo sobre lienzo.

Nick Alm es un reconocido pintor sueco nacido en 1985, que vive y trabaja en Estocolmo.

Cuenta que dibuja desde que tiene memoria, y que una visita al Museo de Goteburgo tuvo un gran impacto sobre él, lo que le animó a comenzar a pintar al óleo.

Nick entró en la Academia de Arte de Florencia en 2007, donde también ocupó un puesto como asistente de enseñanza. Después de graduarse en 2010, recibió una beca para unirse a la Hermandad del Río Hudson. Al año siguiente estudió con Odd Nerdrum en Noruega y Francia antes de regresar a Suecia.

FUENTE

Después de su instrucción formal pintando estrictamente del natural, empezó a utilizar otras fuentes para crear sus composiciones (fotografías de referencia, su imaginación, experimentos en photoshop). Nick comenta este proceso: "Fue gradual. Era problemático depender siempre de modelos del natural. No sentía que era necesario trabajar siempre a partir del natural, ya que a menudo me desviaba bastante de la naturaleza. Trabajar con fotos y la imaginación reduce mucho el estrés, pero tiene sus pros y sus contras, ya que el estrés tiene el beneficio de hacerte más eficiente".

«El proceso creativo varía, pero principalmente involucra pequeños bosquejos en miniatura con lápiz y papel, y experimentos en photoshop.

La primera visión es una gran inyección de dopamina, y ver la imagen cobrar vida tiene algo de magia. Sin embargo, rara vez es un paseo por el parque. A menudo me quedo atascado con la composición, sin saber cómo resolver el problema. Sin embargo, es peor descubrir un problema una vez que el cuadro ya está pintado."

«La inspiración puede venir de libros, películas y otros artistas, o los motivos aparecen en el entorno inmediato: la luz, un incidente, un gesto expresivo. Sin embargo, la inspiración es a menudo un proceso subconsciente que es difícil señalar. Todos llevamos un banco de memoria que trabaja constantemente bajo el radar y nos proporciona ideas extrañas. No hay ideas que simplemente ande esperando, pero la mejor manera es tomar el bolígrafo y empezar a bocetar. El carácter indefinido y abstracto del bosquejo de la idea deja un gran margen para las asociaciones, y por lo tanto, las nuevas ideas suelen surgir en esta etapa.»

Nick con su obra "Escena de café"

Adrian Gottlieb: El desnudo de hoy (y otras pinturas)

Este es un pintor de Estados Unidos que se destaca por el dibujo y la factura impecable de sus obras. Pinta -además de desnudos- retratos y paisajes con igual maestría. Este es un tema con un tinte oriental típico del romanticismo. Ella fuma adormecida mientras un baño de luz recorre por su espalda y caderas. El artista no tiene dudas sobre como resaltar una de las partes más sensuales de su cuerpo.

El vuelo 

The title, Flight, is meant to describe the freedom the painting inspires. Pure fantasy, Flight creates a dreamscape in which to indulge and delight one’s imagination. The viewer is transported to a psychological landscape, where lush textures and soft light are at play. One’s mind is set free to wander through this highly sensuous piece. (Web)

George Clausen: Miren esto, por favor

 

George Clausen (1852-1944), fue un artista inglés que trabajó en óleo y acuarela, grabado, mezzotinta, punta seco y ocasionalmente litografías. Fue nombrado caballero en 1927.

Cuando hablamos de la pintura del último cuarto del siglo XIX, los libros de arte hacen mención casi exclusivamente del impresionismo francés. Muy poco se sabe sobre lo que pasaba en paralelo en otros países, y pasaban cosas maravillosas.

George Clausen es un ejemplo de ello, con una pintura completamente vinculada a lo social, retrató magistralmente a los campesinos pobres de Inglaterra.

George Clausen nació en Londres el 18 de abril de 1852, hijo de un artista decorativo de ascendencia danesa. De 1867 a 1873, asistió a las clases de diseño en las escuelas de South Kensington en Londres. Luego trabajó en el estudio de Edwin Long RA, y posteriormente en París bajo Bouguereau y Tony Robert-Fleury en la Académie Julian. Fue un admirador del naturalismo del pintor Jules Bastien-Lepage sobre quien escribió en 1888 y 1892.

Clausen se convirtió en uno de los principales pintores modernos de paisaje y de la vida campesina, influenciado en cierta medida por los impresionistas, con quienes compartió la visión de que la luz es el verdadero objeto del arte paisajista. 

Clausen fue miembro fundador del New English Art Club en 1886. En 1895, fue elegido miembro de la Royal Academy y académico absoluto en 1906. Como profesor de pintura en la Royal Academy, dio una serie memorable de conferencias a los estudiantes de las escuelas, publicado como Six Lectures on Painting (1904) y Aims and Ideals in Art (1906).

También fue un artista oficial de guerra durante la Primera Guerra Mundial.

Autorretrato

El arte de Soey Milk

 

Soey Milk es una joven artista de origen oriental nacida en Estados Unidos. Está en pleno proceso de búsqueda artística, pero ya ha demostrado tener mucho talento.

Soey Milk nació en Pasadena, en el condado de Los Ángeles, California. Aunque todavía sigue estudiando, ha dejado con la boca abierta a muchos críticos de arte gracias a su calidad técnica y estilo. Principalmente su obra tiene como tema central la exploración de la sexualidad desde un enfoque feminista.

Soey menciona que sus pinturas son una narrativa hacia el erotismo y la belleza de la mujer. Con un estilo muy realista sin llegar al fotorrealismo propiamente dicho, busca la perfección en cada una de sus pinturas.

Ha participado en decenas de festivales y exposiciones de arte los últimos años. Esa incursión temprana le ha permitido pulir su sello personal aunque todavía sigue siendo una artista emergente.

Belarmino Miranda (El arte en las redes)

 

Belarmino Miranda es un pintor colombiano de una exquisita factura. Sus pinturas tienen un aire y atmósfera mediterránea.

Belarmino Miranda nació en 1966, Medellín (Colombia). Es un artista con amplia experiencia nacional e internacional, ha expuesto en países como Estados Unidos, Canadá, República Dominicana, Salvador, Venezuela, Colombia, Costa Rica y China. “Solo quiero plasmar la grandeza de su cuerpo y alma, la mujer es el emblema de la perfección, principio y fin… una fuente de vida que da sentido a mi existencia”, expresa. 

Estudió Bellas Artes en la Universidad de Antioquia, participando en sus inicios en diversos talleres de figura humana. Obtuvo del Centro Artístico y Cultural Sócrates de Medellín el título de Magíster en Artes en el Museo de la Universidad de Antioquia. Es director de Just Love and Art, entidad a través de la cual se impulsa la formación de artistas integrales, con plena conciencia del valor del hacer artístico, en su desarrollo profesional y su responsabilidad con la sociedad como formadores de valores superiores que conducen a su pleno desarrollo; social, artístico, económico e intelectual, en armonía con el medio ambiente.

''Solo quiero plasmar la grandeza de su cuerpo y alma, la mujer es el emblema de la perfección, principio y fin... una fuente de vida que da sentido a mi existencia. '' 

Edson Campos: El arte del siglo XXI

Esta pintura de Edson Campos se llama "Concierto". Desnudo muy sugerente de este artista brasileño. Un golpe de luz cae sobre la cadera y el paño -único resabio de la pintura clásica de antaño- envuelve de un modo parcial el cuerpo de la modelo. Ella está sentada en la punta de un banco y el juego de luces y sombras contrasta con la simpleza arquitectónica. El color es perfecto.

                                                                                        

Originario de Río de Janeiro, Brasil, Edson Campos disfrutó dibujando y pintando desde pequeño. Se mudó a los Estados Unidos en 1978 y rápidamente fue reconocido por su producción artística.

                                                                                        

Web

Edson Campos ha exhibido sus pinturas y dibujos en las principales ciudades. Sus piezas han sido publicadas en revistas, expuestas en exposiciones de arte y compradas para colecciones privadas. Edson recibió el encargo de proporcionar las obras de arte para las 500 habitaciones del Queen Mary Hotel en Long Beach, California. En febrero de 2020, recibió una medalla de oro en el histórico Grand Palais de París.

Entrevista al pintor Modesto Trigo Trigo

13.000 kms. es la distancia que nos separa de la obra del pintor español Modesto Trigo Trigo y sin embargo la sentimos cercana, familiar, nuestra, comprensible. Son representaciones de Madrid, pero bien podría ser Buenos Aires, Sao Pablo, Santiago de Chile. La gran ciudad con sus habitantes anónimos que circulan de prisa, tal vez después de una jornada de trabajo y en la necesidad de llegar pronto a sus hogares.

La obra del artista es siempre superar distancias para que los de allá y los de acá se unan en el arte.

Por Rubén Reveco, editor

“La pintura ofrece otra forma de ver la realidad, transforma el ente subjetivo, que es muy personal; es darle una vuelta de tuerca más al concepto del realismo”, expresa Trigo Trigo. En el realismo madrileño, “que empieza con Antonio López y ya es una escuela en la que se pueden encontrar cincuenta nombres punteros”, es precisamente donde inscribe su estilo Modesto Trigo.
Considera que el realismo actual es un movimiento al que en España no se le está concediendo la debida atención, que pasa desapercibido a pesar de tener una gran potencia y de que en países como Estados Unidos y Reino Unido se desarrolla con mucha fuerza.
No obstante, va más allá y explica que en sus cuadros intenta trascender la realidad y captar emociones, que para él no tiene interés el realismo cuando se queda “en mera fotografía”, porque el pintor no puede competir con la cámara. Hay, explica, un filtro que intenta separar elementos para trasladar la emoción y “eso es lo que produce la tensión y una obra de arte no existe sin tensión”. “El hiperrealismo lo ilumina todo, no tiene misterio, le falta embrujo. En la tradición española están los detalles en la sombra”, concluye.

-¿Qué compromiso siente con la ciudad, por qué paisaje urbano? 

Llegué a Madrid en 1990, en mi trayectoria anterior, había hecho de  todo, murales retratos marinas, también tuve una época surrealista, empecé a hacer un cuadro de la Gran Vía madrileña, ante la dificulta lo tuve un año parado. Vino a mi estudio D. Santiago Sánchez Echeberría, dueño de la Galería Gastelló 120 y me dijo que le gustaba mucho como estaba manchado el cuadro, me dijo que si lo terminaba lo expondría en su galería y le haría un poster. En un principio Madrid me pareció inhóspito pero poco a poco le fui cogiendo cariño y desde entonces no he parado de hacer paisaje urbano de Madrid y otras ciudades, alternándolo con bodegones, desnudos y retratos. 

Evgeniy Monahov: La belleza al desnudo

 

Evgeniy Monahov nació en 1974 en Moscú. Estudió en la Escuela de Arte y en el Instituto Surikov Arte de Moscú. El predominio de la tonalidad fría y el punto de vista elegido (desde arriba), hacen de este desnudo una pintura muy bella.

Estudió en la Escuela de Arte de Moscú y el Instituto Surikov Arte de Moscú (facultad de la pintura de caballete, estudio, bajo la guía de los profesores M. Abakumov y V. Sidorov). Desde 2002, un miembro de la Federación Internacional de la Unión de Rusia de Artistas Nacionales.

Las pinturas de Monakhov excitan las mismas emociones de la sensibilidad artística del ser humano, como lo hacen la música y la poesía. Metáforas de tiempo, la historia y la experiencia emocional personal pasan ante los espectadores que contemplan sus obras. Colores delicados y refinados contornos crean una hermosa armonía musical.

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Steve Hanks: El arte del siglo XXI

                                                                                        

Steve Hanks nació en 1949 en San Francisco, es considerado actualmente como uno de los mejores acuarelistas norteamericanos.

                                                                                        

Inicialmente, sus obras fueron dibujos a lápiz y óleos pero una reacción alérgica le obligó a experimentar con acuarelas. El uso de las técnicas aprendidas de sus otros medios le llevó a crear acuarelas con el terminado de óleos.

En 1992 la National Watercolor Society Merit Award and the National Academy of Western Art le concedió la Medalla de Oro.

Kenn Brown: la Tierra sin humanos

Las pinturas de Kenn Brown son terribles y fascinantes.  

                

Yo no soy partidario de cultivar los futuros apocalípticos. Quizá sea un tonto optimista que cree que la humanidad ha ido cambiando para bien. En 30 ó 40 años han pasado algunas cosas buenas que habría que considerar: Cuando yo era joven no existía ninguna preocupación por el medio ambiente y si una fábrica contaminaba, escuchaba a mi madre que decía: “es el precio del progreso”. El hombre reinaba sobre los animales sin piedad y los ecologistas casi no existían. Sólo Jacques Yves Cousteau documentaba en solitario el mundo submarino e inculcaba la necesidad de respetar a los demás animales porque también eran seres vivos y compartíamos con ellos este maravilloso planeta llamado Tierra.

Por Rubén Reveco, editor