"Ofelia": Una tragedia, una pintura, una revista y una canción

"Ofelia", de John Everett Millais.  Óleo sobre lienzo, Tate Gallery, Londres.

No es la primera vez que las artes se nutren entre sí. Han surgido maravillosas pinturas a partir de textos literarios, de la misma manera, han nacido canciones inolvidables inspiradas en mitos y leyendas del pasado. Pero será Ofelia la más significativa. La muerte de una adolescente pura, enamorada, inocente, bella pero trágica (al borde de la locura) reúne todos los ingredientes para hacer de este fragmento de Hamlet, de William Shakespeare, uno de los más célebres del arte universal.

OFELIA, trágica belleza          

Con Ofelia pasa algo especial. Un personaje literario adquiere forma física en una pintura, movimiento en el teatro y en el cine y sonido en una canción.

"Y así, restituida a la absoluta integridad de su belleza moral y corporal, Ofelia es más bella y más pura que fue antes, porque ya no es un sueño creado por la fantasía, sino una realidad viviente, un ser de carne y hueso, con funciones y órganos que para nada obstan a la sublime realidad de su pureza, a la sublime idealidad de su belleza". (Eugenio María de Hostos)

"El primer amor, el amor único, es la forma primera de la felicidad, quizá la única: forma vaga, impalpable, fugitiva, como Ofelia. Como Ofelia, momentánea en la vida, eterna en la memoria de la fantasía y del corazón. Como Ofelia, una súplica en vida, un remordimiento en muerte. Como Ofelia, espuma que se desvanece en el torrente. Como Ofelia, un cielo que se ofrece y se desdeña. Nunca ha producido el arte una creación más pura, ni divinizado una realidad más humana, ni concebido una verdad más esplendente". (Eugenio María de Hostos).

Pero no bastó con la tragedia de Shakespeare ni con los poetas que le  cantaron odas para convertir a Ofelia en una mujer corpórea. Debió aparecer John Millais y pintar entre 1851-52 su célebre obra. Pero, además,  tendríamos que esperar hasta 1996 para que una simple canción reviviera (a su manera) la historia que no es una historia pero que vale la pena creer que es. Ya que se puede morir por amor y que el amor puede enloquecer a las personas. Pero que -finalmente- la belleza (que inmortaliza) puede redimir a los amantes.

Las bellas durmientes de Serge Marshennikov

La belleza no es más que la suma de las partes actuando en perfecta armonía, el artista no hace otra cosa que detener ese momento. Ese parece ser el objetivo de este pintor ruso que es furor en las redes de Internet. 

 

No es en todos los casos, pero la mayoría de sus mujeres (púberes y jóvenes) están durmiendo. El punto de vista elegido por el artista es aéreo y las modelos están sobre una maraña de sábanas que -por momento- parece ser más importante que la figura central. Así como el predominio de los colores claros es determinante, la vista casi siempre "descansa" en un sector negro del cuadro.

Es un artista clásico y moderno a las vez. Recuerda a ese pintor francés del siglo XVIII que pintó: "Desnudo recostado" por la búsqueda de esa estudiada inocencia femenina que tantas fantasías despierta en el espectador masculino. Fantasía que por estar siempre vigente es insaciable y nunca pasa de moda.

Fongwei Liu: "Disfruto de la captura de toda la belleza que nos rodea"

El uso de las sombras y luces crea un efecto muy peculiar: la luz se concentra en el rostro y rodilla  el resto del cuerpo se pierde en la penumbra paulatinamente, hasta fundirse con el fondo.

Me gusta esa pincelada furiosa de Fongwei Liu tan propia del paisaje heredado de los impresionistas.

Fongwei Liu recibió su licenciatura en Bellas Artes en China, en 1994. Desde hace más de una década después de la graduación, Fongwei ha incursionado en diversos campos, pero no tocó su pincel. Hasta el año 2007, finalmente se dio cuenta de que el arte es su verdadera pasión, y reanudó sus estudios en los Estados Unidos. Fongwei recibió su título de maestría de la Academy of Art University en San Francisco en 2009.

Dice Fongwei Liu: La inspiraciones para mi arte es la naturaleza. El tema no es importante para mí. Disfruto de la captura de toda la belleza que nos rodea, por ejemplo colores de otoño, escenas en la nieve blanca, ciudades de niebla, la emoción de la gente, y las figuras humanas expresivas.

Mi proceso creativo es también una respuesta intuitiva a la fuerza de la naturaleza. Cuando algo me toca, una imagen toma forma en mi mente y forma una idea o concepto, entonces experimentar con varias técnicas para visualizar la idea. Por lo tanto, creo que cada golpe en mi pintura viene de mi mente, fluye a través de mi mano a mi lienzo, que es mi lengua para contar historias.

Como artista lucho por mejorar mis habilidades y hacer que se conviertan en mi segunda naturaleza, porque creo que las mejores técnicas producen mejores pinturas.

Dean Morrissey: Talento, trabajo e imaginación

Ilustración para el libro "La canción de Celestino". Sus trabajos están pletóricos de detalles que permiten al espectador adentrarse en un mundo de fantasía.

Dean Morrissey nació en Boston, Estados Unidos. No es un ilustrador típico. Cada trabajo suyo fascina tanto a niños como a adultos. "A veces una pintura sugiere otro reino, un lugar peculiar de máquinas, creaciones y personajes que pueden existir y funcionar sólo cuando la imaginación florece”, expresa.

Ha dibujado y creado personajes desde su infancia. De niño fue inspirado por las pinturas de Disney y los héroes de cómics, para luego, comenzar a interesarse por las obras de los grandes maestros, como Rembrandt, Vermeer, Pyle y N.C Wyeth.

El artista (1951-2021)

"La canción de Celestino" (detalle). "¡Celestino se sentía colmado, colmado y rebosante de energía! y se estremeció con el inmenso poder de la energía".

Ennio Montariello: Clásico de ayer y de hoy

 

Este es un pintor italiano. Practica un realismo clásico más o menos tradicional. Sus figuras femeninas son muy lindas, quizá un poco "dulzonas", pero esta pintura (arriba) la rescato sobre todo por la fuerte presencia de la cultura romana. Me gusta esa mezcla de pintura y escultura y -sobre todo- el tratamiento de transparencia que le da al rostro barbado que aparece atrás.

Alissa Monks: Una hiperrealista muy especial

 

Es muy especial la pintura de Alissa Monks. Pero a la vez es muy simple, del hogar, lúdica y cotidiana. Ella capta esos detalles que para nosotros pasan desapercibidos. Baño, agua, calor, valor, vidrio, reflejo. Todo creado con una técnica impecable. La elección de los motivos y la sensibilidad con la que enfoca sus trabajos no nos deja indiferente.

Por Rubén Reveco, editor

Vapor de arte

Alyssa Monks es una pintora de Ridgewood, New Jersey; nacida en 1977. Estudió en la New School de New York y en Montclair State University y obtuvo su licenciatura de Boston College en 1999.

El pintor Claudio Bravo y el realismo en Chile

"Bacanal", de Claudio Bravo.

En junio de 2011 murió Claudio Bravo, el pintor realista chileno de más prestigio en el mundo. Tiempo atrás se había realizado una retrospectiva de su obra en el Museo de Bellas Artes, de Santiago de Chile. El éxito de la exposición fue tan arrollador que el diario El Mercurio publicó un extenso artículo en el que se preguntaba por qué el realismo (un estilo despreciado por los “especialistas latinoamericanos”), generaba tanta pasión y tanta convocatoria en el público.

Por Rubén Reveco, editor.

A propósito de una exposición de Claudio Bravo

Para comprender este fenómeno, primero habría que entender porque este país, al igual que el resto de Latinoamérica, ha gastado tantos esfuerzos en copiar lo que estaba pasando al otro lado del Atlántico, imitando un producto cultural foráneo y ajeno a su propia realidad. Salvo excepciones como Roberto Matta, David Alfaro Siqueiros, Candido Partinari, Wilfredo Lam y otros, que nutrieron a su obra de raíces indígenas, el resto siempre ha copiado, a medias o mal. A comienzos del siglo XX, cuando  América Latina se insertaba tímidamente en el contexto cultural del mundo occidental, era cuando en Europa se dejaba de hacer arte realista.

Claudio Bravo comprendió que en Chile no tenía ningún futuro y emigró. Y le fue bien. Décadas más tarde volvió con honores a exponer al Museo Nacional de Bellas Artes. En esa oportunidad le preguntaron sobre el panorama artístico de su país y declaró: “En Chile vive una generación de pintores flojos, sin ideas propias ni capacidad de trabajo”.

¡México lindo!: La pintura de Omar Ortiz

 

“Con mi obra -expresa Ortiz- intento brindar al espectador un espacio de paz y tranquilidad alejado de toda esa contaminación visual que vemos a diario en las calles y en la televisión.”

Omar Ortiz nació en Guadalajara, Jalisco, México en 1977, donde reside. Dibujó desde temprana edad y gracias a la motivación de su padre, cursó la Licenciatura en Diseño para la Comunicación Gráfica, donde aprendió a trabajar con diferentes técnicas: pastel, carboncillo, acuarela, acrílico y aerografía.

Por Rubén Reveco, editor

Al terminar sus estudios, decidió dedicarse al mundo de la pintura impulsado por su promotor y amigo Francisco González. En el 2002 cursó sus primeras clases de óleo con la pintora Carmen Alarcon,  la que considera su principal maestra.
Además de pintar (4 ó 5 horas diarias) tiene una empresa donde desarrolló un software de cartografía, para instalar en dispositivos GPS. Además de un mapa de México diseñado para actividades de campo.
Omar Ortiz es un pintor joven y con algunos obstáculos para superar en el empedrado y siempre sinuoso camino del arte. No obstante, tiene un futuro prometedor. En una entrevista para Resistencia Realista, habla sobre su pasión por el arte y en especial por el tema del desnudo femenino, el que considera como "una de las cosas mas bellas que existe".

-¿Cuál es la situación de la pintura realista en México?
La pintura realista en México creo esta inclinada en su mayor parte hacia el tema de lo figurativo.  Hay una gran tendencia por un realismo mágico. En ocasiones he llegado a pensar que es un movimiento que ha nacido en México. A decir verdad, no podría emitir un juicio global de lo que está sucediendo en México en estos momentos ya que no soy un pintor muy involucrado en el medio. Más bien paso la mayor parte de mi tiempo en mi estudio pintando y no suelo ir mucho a exposiciones.

Homenaje a Gigino Falconi: Ellas en el puerto esperan

Gigino Falconi (1933-2026), nació en Giulianova, Italia.

Lamento enterarme tardíamente del fallecimiento este año del maestro italiano Gigino Falconi, cuya obra siempre he admirado profundamente. Este breve estudio sobre su trabajo pretende ser un homenaje a su legado.

Por Rubén Reveco. Editor

Falconi, a lo largo de su carrera, demostró un dominio excepcional de la técnica del claroscuro y la representación de la figura humana. Su enfoque, caracterizado por una sensibilidad particular hacia la luz, una búsqueda constante de la perfección formal, una profunda reflexión sobre la condición humana, lo distingue dentro del panorama artístico del siglo XXI, de la pintura italiana contemporánea.