Esther Gomez Urdiales “Tenemos una sensibilidad distinta a la del hombre"

 

Facebook de la artista

El blog de Camila presenta a la artista española Esther Gomez Urdiales, especializada en la técnica del pastel. "Con ella -dice la presentación- dialogamos no sólo de pintura, sino también de la fuerte convicción que necesitan muchas mujeres a la hora de dedicarse de lleno a eso que las hace felices y que las realiza plenamente. La historia de esta mujer artista, es la historia de muchas otras, que por su perseverancia se mantienen dentro del camino de la expresión". 

Por Camila Reveco

Periodista cultural con especialidad en artes plásticas

Directora de la revista de arte Ophelia

Web 

“Mi taller está en Málaga, España. Es un taller no demasiado grande pero cómodo para pintar ya que está en mi propia casa. Allí tengo todo lo que necesito para poder trabajar a gusto. Sí…., tenía facilidad para dibujar desde chica, pero sobre todo para imaginar...No. No había artistas en la familia”, así comienza el diálogo con la artista plástica española Esther Gomez Urdiales, nacida en la ciudad de Málaga en el mes de abril del año 1970.

“Me gusta la paz del campo y adoro mi tierra... esta es una ciudad muy completa. El lugar donde vivo no es que me inspire especialmente, pero la paz e introspección que me proporciona me ayuda a ahondar en mi evolución artística”, agrega después.

La pastelista Esther Gomez Urdiales divide su tiempo entre la familia y el arte. Tiene tres hijos de quince, veintiún y veintinco años, pero además se encarga de sus animales, cuatro perros y tres gallinas. Su casa-taller está ubicada en el campo, pero no muy alejada de la ciudad porque todos los días de la semana lleva a su hijo más chico hasta el instituto.

Cuenta además que hace retratos por encargo, y que en el tiempo que puede, retrata a familiares por el placer simple de hacerlo: “Demoro más o menos dos o tres días por dibujo. Pero depende de los detalles que tenga que hacer”, explica y agrega: “Soy autodidacta aunque he realizado un par de cursos intensivos, y he expuesto en muestras colectivas... de manera individual aún no”.

Las Tres Gracias en el arte, desde la antigua Grecia hasta el presente

 

Las Cárites, de Afrodisias, del siglo 1 A. de C. al 1 D. de C.

En la mitología griega, las Cárites o Gracias eran las diosas del encanto, la belleza, la naturaleza, la creatividad humana y la fertilidad. Habitualmente se consideran tres, de la menor a la mayor: Aglaya (‘Belleza’), Eufrósine (‘Júbilo’) y Talia (‘Floreciente’).

Las Cárites solían ser consideradas hijas de Zeus y Eurínome, aunque también se decía que eran hijas de Hera, de Dioniso, o de Helios y la náyade Egle. 

Homero escribió que formaban parte del séquito de Afrodita. Las Cárites estaban asociadas asimismo con el inframundo y los misterios eleusinos.

Hay ciertos temas recurrentes en la historia del arte y es posible verlos una y otra vez, de la mano de los artistas más diversos. Uno de esos temas es la imagen de las Tres Gracias.

Según la mitología griega, las Tres Gracias son tres diosas, hijas de Zeus y Hera: Eufrosina (Alegría), Aglaé (Belleza) y Thalía (Fertilidad). Las Gracias presidían los banquetes, las danzas y todas las actividades y celebraciones placenteras, es decir, todo aquello que en el mundo pudiera haber de agradable, interesante, atractivo... 

Las Gracias otorgaban a dioses y mortales la alegría y también la elocuencia, la liberalidad y la sabiduría. Se creía además que tenían la capacidad de dotar a los hombres de la genialidad necesaria para convertirlos en artistas eximios. (F)

Relieve romano 200 a 150 A. de C.

Oscar Correa: Arte por amor por la naturaleza

 

El arte animalista siempre me ha maravillado. Me recuerda a los primeros artistas de Altamira y Lascaux y la fascinación y temor que sentían por los animales que los rodeaban. Hoy la fascinación sigue siendo la misma, pero el temor se ha transformado en amor; amor por la naturaleza.

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Oscar Correa es un artista plástico nacido en 1941 en Rosario, Provincia. de Santa Fe, Argentina. Entre otros estudios cuenta con los realizados en la Escuela Nacional de Artes Visuales Manuel Belgrano.
Como muchos, Correa inició su vocación artística a muy temprana edad. Sus primeros trabajos como Ilustrador fueron publicados cuando apenas contaba con 17 años, en el suplemento dominical del desaparecido pero no menos importante diario "El Mundo".
Su actividad se desarrolló principalmente como dibujante y Jefe de Arte en la mayoría de los más importantes medios gráficos de su país.
La pintura de la naturaleza siempre había ocupado cada uno de sus momentos libres, hasta que en el año 1973 tomó la decisión de elegir ésta variante del arte como medio de expresión. Europa fue su primer destino. Apenas llegado a España comenzó a pintar los exponentes más conocidos de la fauna ibérica. Para algunos trabajos recibió asesoramiento de Félix Rodríguez de la Fuente, uno de los mayores conocedores de la fauna del viejo continente.

Ivana Besevic: La belleza puede ser algo muy triste

 

Retratos conmovedores e intensamente emotivos de Ivana Besevic, una artista residente en Belgrado y París, cuyo estilo rico, multifacético y versátil desdibuja las fronteras entre el naturalismo y el inmaterialismo, la vida y la muerte , el bien y el mal, el erotismo y la decadencia, el orden y el caos ... en una mezcla compleja de matices imposibles que se infligen hábilmente a la conciencia del espectador.

Ivana Besevic es una artista de origen serbio dedicada a la pintura tradicional y a la ilustración digital.

Con más de diez años de carrera artística, el trabajo de Ivana se ha caracterizado por utiliza y experimentar con distintos medios. Ella explica: “Mi lucha está en buscar la mejor manera de expresarme, en particular, en relación con el medio”.

Los temas más recurrentes de sus pinturas van desde los retratos y paisajes, hasta situaciones cotidianas. Besevic confiesa que, aunque no se encasilla en algún tópico en particular, busca darle un significado personal o emocional a cada una de sus obras.

“Me encanta pintar una cara bonita o un paisaje, pero si sólo es estéticamente hermosa (la pintura), la experiencia no es lo suficientemente buena”.

MÉXICO: 10 pintores realistas

El periodismo cultural también puede ser periodismo de investigación e investigar es un trabajo arduo. Hoy comenzamos en México con una serie que nos llevará a conocer cuáles son los 10 pintores de la "gran familia realista" más importantes nacidos en ese suelo patrio. (No es necesario que estén radicados en su país de origen, pero sí que aun conserven su nacionalidad y estén vivos). 
Después de un tiempo, he logrado seleccionar a estos diez, lo que de ninguna manera son los únicos y definitivos mejores pintores figurativos, realistas, surrealistas o hiperrealistas de México.

Por Rubén Reveco. Editor

1) Alfredo Rodríguez

Alfredo Rodríguez, es un pintor mexicano radicado en California, Estados Unidos. Un artista que representa la vida de los pueblos originarios de América del Norte con un nivel de maestría excepcional.

El dominio de la técnica, la capacidad compositiva y el nivel de expresión en los detalles son evidentes en la pintura de Alfredo Rodríguez (1951).

El artista mexicano, radicado en California desde 1979, apostó desde el inicio de su carrera por temáticas costumbristas y así reivindica la historia y la cultura de los pueblos de América del Norte, producto de un trabajo casi antropológico.

Rodríguez se inserta en las reservas indígenas para poder luego representar, con una gran carga emotiva, la cotidianidad, la forma de vida de los tramperos, jefes indios, mujeres y niños en su lugar natural, entre montañas y desiertos.

Recrea un escenario y entorno aún vigente y, a su vez, su pintura tiene una fuerte impronta de testimonio histórico.

Forma parte, junto a otros artistas de notable capacidad como Howard Terpning, Tim Gilleom o Karen Nolan, de una gran escuela de pintura étnica norteamericana.

El prestigio y posicionamiento que ha logrado Rodríguez reivindica el trabajo de todos aquellos que, a través del oficio, siguen apostando por el realismo, una forma de hacer arte que sirve como testimonio y da cuenta de su tiempo. En un estilo que, lejos de desaparecer, ha sabido mantenerse y revitalizarse. (FUENTE)

El poético realismo de Iman Maleki

Este es un pintor muy popular en las redes sociales y que injustamente yo venía postergando. Sus cuadros muestran la sencillez del pueblo iraní y la crudeza de la realidad en que se mueven, con ocasionales toques poéticos y surrealistas.

Iman Maleki (Teherán,1976) es un pintor iraní. Desde muy niño sintió la vocación por la pintura; se graduó en la Universidad de Arte de Teherán como diseñador y estudió con el mejor pintor hiperrealista de Irán, Morteza Katouzian, perfeccionando una minuciosa técnica de realismo casi fotográfico. Fue galardonado con el premio William Bouguereau y el “Chairman’s Choice” en la II Competición Internacional de Art Renewal Center. Algunos le consideran el mejor pintor de arte realista del mundo. 

Adam Styka, con buen humor

 

Este fue un pintor que le gustaba representa la alegría. Fue un excelente dibujante y colorista, y se interesó por captar ese lado amable de los pueblos del norte de Africa. Además de las amplias sonrisas siempre estuvo presente en sus obras un toque de despreocupado erotismo.

El artista polaco Adam Styka (1890-1959), hijo del también pintor Jan Styka, estudió en la Academia Francesa de Bellas Artes y en la Academia Militar en Fontainebleau. Sirvió en la artillería durante la Primera Guerra Mundial, fue condecorado y obtuvo la ciudadanía francesa. Con la ayuda del gobierno de ese país, visitó las colonias francesas en el norte de África, donde se interesó en la temática oriental, característica de su obra.
Destaca su serie ‘Idilio oriental’ en la que representa parejas (a veces tríos) de árabes en actitud romántica. Su habilidad de transmitir a sus cuadros los colores vibrantes y los fuertes contrastes del desierto del Sahara le valió la denominación de “maestro de la luz del sol”.

También representó escenas del salvaje oeste americano y, al final de su vida, realizó cuadros de carácter religioso católico. Sus obras han sido expuestas en países de Europa y América.

¿Sirven las ferias de arte?

Hace unos años se realizó "bazart",  una feria de arte en la cual 40 artistas (pintores, grabadores y dibujantes) tuvieron la oportunidad de mostrar su obra y vender, lo que nunca es fácil.

Todos sabemos que vender arte no es fácil y menos en estos países (sub), pero igual los que nos dedicamos a las artes plásticas tenemos siempre la peregrina esperanza que nuestro esfuerzo se materialice en unos pesos que nos ayuden -por ejemplo- a comprar más telas, más pinceles y más pigmentos para seguir pintando. Es un círculo virtuoso.

Por Rubén Reveco - Editor

Que vendamos también significa que existe gente que aprecia lo que hacemos y que es capaz de superar el "me gusta" de las redes sociales y gastarse unos pesos y de paso ayudar a los artistas: "Esos tipos raros que dicen renunciar al sistema".

40 artistas tuvieron la oportunidad de comercializar grabados, pinturas, fotografías, esculturas y dibujos en un espacio dispuesto por el Centro de Extensión de la UC, de Santiago de Chile.
Ocho horas es poco tiempo para concretar lo que ya en un año es difícil. Además, algunos artistas se quejaron (siempre lo hacen) que era un poco caro el stand, pero también reconocieron que estas iniciativas ayudan no sólo a vender sino que, también, a generar contactos, conocer colegas e intercambiar impresiones sobre el panorama cultural.

Los desnudos pintados por Douglas Hofmann

Ya había comentado sobre esa inclinación casi obsesiva de pintar sábanas, frazadas o cubrecamas, pero en este caso (arriba) se justifica -creo yo- totalmente. Los pliegues de la sábana están de acuerdo con la dirección del pelo, la pierna, la espalda, incluso, del busto generando una curva similar. En esta pintura, lo que suele ser secundario en importancia pasa a ser primario.

Un artista de influencia y reconocimiento

Douglas Hofmann, nacido en Baltimore, Maryland, en 1945, ha sido una figura prominente en el mundo del arte contemporáneo. Su formación artística comenzó tras finalizar la escuela secundaria en el Maryland Institute of Art, donde durante su primer año, se cruzó con Joseph Sheppard, un mentor crucial que tendría un impacto significativo en su carrera. Bajo la guía de Sheppard, Hofmann se sumergió en el estudio de la anatomía, el dibujo y la pintura de modelos, disciplinas que le eran completamente nuevas en ese momento.

Uno de los descubrimientos más importantes para Hofmann durante su formación fue el método Maroger, que permite a los artistas trabajar con capas delgadas de pintura utilizando técnicas similares a las de los Viejos Maestros. Esta técnica no solo enriqueció su habilidad técnica, sino que también alimentó su creciente interés por conocer y emular a los grandes maestros del pasado. Fieles a su admiración por Johannes Vermeer, Hofmann comenzó a pintar escenas de su hogar y estudio, utilizando a su esposa e hijos como modelos. Con el tiempo, su repertorio se expandió para incluir memorables desnudos y obras dedicadas al ballet, aunque sorprendentemente, una constante en su obra ha sido la representación de la figura femenina, que domina sus paneles y grabados.

La influencia de los prerrafaelistas: John William Godward

Su pintura, que se mantuvo prácticamente invariable a lo largo de toda su carrera, se caracteriza por un dibujo meticuloso, una precisión casi fotográfica en el tratamiento de los detalles y un colorido brillante y diáfano.

John William Godward (1861-1922) fue un pintor británico cuya extensa producción,​ determinada por un extraordinario virtuosismo, coincide cronológicamente con el final del periodo prerrafaelista en Inglaterra.

Nacido en el seno de una familia que reprochó siempre sus aspiraciones artísticas, Godward, pese a la oposición familiar, cursó estudios de arte, finalizados los cuales empezó a exponer con regularidad en la Royal Academy desde 1887. Entre ese año y 1916, diecinueve obras del artista fueron exhibidas con desigual aceptación en la Real Academia. En 1912 se trasladó a Italia con su modelo; allí permaneció durante siete años, una etapa caracterizada por las enfermedades y las críticas hostiles, pues la temática de su obra no se ajustaba a los gustos de la época, lo que fue desembocando en una depresión que le condujo a suicidarse inhalando gas en 1922. Dejó una nota de despedida, en la que manifestaba que el mundo no era lo bastante grande para él y Picasso.

VER TAMBIÉN:

Los Prerrafaelistas (1) Edward Burne-Jones

Los Prerrafaestistas (2) John Everett Millais

Los Prerrafaelistas (3) Dante Gabriel Rossetti

Los Prerrafaelistas (4) William Holman Hunt

Posible autorretrato. Es curioso, al menos, que no se conozca una fotografía considerando que vivió hasta 1922.

Muchos -sin el ojo crítico adiestrado- lo consideraron como "un imitador de Alma-Tadema, con el que a veces se confunde", "un pedante del pincel" o "el pintor de un mundo insípido de mujeres lánguidas sentadas en bancos de mármol".

Sea como fuese, el éxito le asistió desde sus primeras muestras, lo que —si bien hay que tener en cuenta que sus obras no alcanzaron nunca las cuantías de las de Alma-Tadema u otros maestros de la generación precedente— le permitió vivir con cierto desahogo, pese a lo cual llevó una existencia que, sin duda, se puede calificar de sobria.

Por el testamento del pintor, se sabe que donó todos sus cuadros a sus hermanos Alfred, Edmund, Charles Arthur y Mary Nin.