Edson Campos: El arte del siglo XXI

Esta pintura de Edson Campos se llama "Concierto". Desnudo muy sugerente de este artista brasileño. Un golpe de luz cae sobre la cadera y el paño -único resabio de la pintura clásica de antaño- envuelve de un modo parcial el cuerpo de la modelo. Ella está sentada en la punta de un banco y el juego de luces y sombras contrasta con la simpleza arquitectónica. El color es perfecto.

                                                                                        

Originario de Río de Janeiro, Brasil, Edson Campos disfrutó dibujando y pintando desde pequeño. Se mudó a los Estados Unidos en 1978 y rápidamente fue reconocido por su producción artística.

                                                                                        

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Edson Campos ha exhibido sus pinturas y dibujos en las principales ciudades. Sus piezas han sido publicadas en revistas, expuestas en exposiciones de arte y compradas para colecciones privadas. Edson recibió el encargo de proporcionar las obras de arte para las 500 habitaciones del Queen Mary Hotel en Long Beach, California. En febrero de 2020, recibió una medalla de oro en el histórico Grand Palais de París.

Entrevista al pintor Modesto Trigo Trigo

13.000 kms. es la distancia que nos separa de la obra del pintor español Modesto Trigo Trigo y sin embargo la sentimos cercana, familiar, nuestra, comprensible. Son representaciones de Madrid, pero bien podría ser Buenos Aires, Sao Pablo, Santiago de Chile. La gran ciudad con sus habitantes anónimos que circulan de prisa, tal vez después de una jornada de trabajo y en la necesidad de llegar pronto a sus hogares.

La obra del artista es siempre superar distancias para que los de allá y los de acá se unan en el arte.

Por Rubén Reveco, editor

“La pintura ofrece otra forma de ver la realidad, transforma el ente subjetivo, que es muy personal; es darle una vuelta de tuerca más al concepto del realismo”, expresa Trigo Trigo. En el realismo madrileño, “que empieza con Antonio López y ya es una escuela en la que se pueden encontrar cincuenta nombres punteros”, es precisamente donde inscribe su estilo Modesto Trigo.
Considera que el realismo actual es un movimiento al que en España no se le está concediendo la debida atención, que pasa desapercibido a pesar de tener una gran potencia y de que en países como Estados Unidos y Reino Unido se desarrolla con mucha fuerza.
No obstante, va más allá y explica que en sus cuadros intenta trascender la realidad y captar emociones, que para él no tiene interés el realismo cuando se queda “en mera fotografía”, porque el pintor no puede competir con la cámara. Hay, explica, un filtro que intenta separar elementos para trasladar la emoción y “eso es lo que produce la tensión y una obra de arte no existe sin tensión”. “El hiperrealismo lo ilumina todo, no tiene misterio, le falta embrujo. En la tradición española están los detalles en la sombra”, concluye.

-¿Qué compromiso siente con la ciudad, por qué paisaje urbano? 

Llegué a Madrid en 1990, en mi trayectoria anterior, había hecho de  todo, murales retratos marinas, también tuve una época surrealista, empecé a hacer un cuadro de la Gran Vía madrileña, ante la dificulta lo tuve un año parado. Vino a mi estudio D. Santiago Sánchez Echeberría, dueño de la Galería Gastelló 120 y me dijo que le gustaba mucho como estaba manchado el cuadro, me dijo que si lo terminaba lo expondría en su galería y le haría un poster. En un principio Madrid me pareció inhóspito pero poco a poco le fui cogiendo cariño y desde entonces no he parado de hacer paisaje urbano de Madrid y otras ciudades, alternándolo con bodegones, desnudos y retratos. 

Evgeniy Monahov: La belleza al desnudo

 

Evgeniy Monahov nació en 1974 en Moscú. Estudió en la Escuela de Arte y en el Instituto Surikov Arte de Moscú. El predominio de la tonalidad fría y el punto de vista elegido (desde arriba), hacen de este desnudo una pintura muy bella.

Estudió en la Escuela de Arte de Moscú y el Instituto Surikov Arte de Moscú (facultad de la pintura de caballete, estudio, bajo la guía de los profesores M. Abakumov y V. Sidorov). Desde 2002, un miembro de la Federación Internacional de la Unión de Rusia de Artistas Nacionales.

Las pinturas de Monakhov excitan las mismas emociones de la sensibilidad artística del ser humano, como lo hacen la música y la poesía. Metáforas de tiempo, la historia y la experiencia emocional personal pasan ante los espectadores que contemplan sus obras. Colores delicados y refinados contornos crean una hermosa armonía musical.

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Steve Hanks: El arte del siglo XXI

                                                                                        

Steve Hanks nació en 1949 en San Francisco, es considerado actualmente como uno de los mejores acuarelistas norteamericanos.

                                                                                        

Inicialmente, sus obras fueron dibujos a lápiz y óleos pero una reacción alérgica le obligó a experimentar con acuarelas. El uso de las técnicas aprendidas de sus otros medios le llevó a crear acuarelas con el terminado de óleos.

En 1992 la National Watercolor Society Merit Award and the National Academy of Western Art le concedió la Medalla de Oro.

Kenn Brown: la Tierra sin humanos

Las pinturas de Kenn Brown son terribles y fascinantes.  

                

Yo no soy partidario de cultivar los futuros apocalípticos. Quizá sea un tonto optimista que cree que la humanidad ha ido cambiando para bien. En 30 ó 40 años han pasado algunas cosas buenas que habría que considerar: Cuando yo era joven no existía ninguna preocupación por el medio ambiente y si una fábrica contaminaba, escuchaba a mi madre que decía: “es el precio del progreso”. El hombre reinaba sobre los animales sin piedad y los ecologistas casi no existían. Sólo Jacques Yves Cousteau documentaba en solitario el mundo submarino e inculcaba la necesidad de respetar a los demás animales porque también eran seres vivos y compartíamos con ellos este maravilloso planeta llamado Tierra.

Por Rubén Reveco, editor

Karl Bang: Wonder world

Exquisito pintor, magnífico colorista y gran dibujante. 

Actualmente Karl Bang (Ka Bong) es un venerable anciano de casi 90 años, pero sólo cuando cumplió 50 años la dictadura China le permitió emigrar a Occidente y recién desde ahí pudo realizar la gran obra que le conocemos.

Karl nació como Bong Ka en Shanghai en 1935. Fue entrenado formalmente por los maestros artistas de la pintura china y también se formó en la tradición pictórica europea en Francia y Bélgica. Estos múltiples estilos llevaron a la mezcla multicultural de Karl Bang de la disciplina artística tradicional china con el estilo europeo más personal, y más tarde también incluyó tradiciones de todo el mundo. Esta fusión transcultural de estilos le ha valido el título de "Maestro del eclecticismo contemporáneo". 

Durante la Revolución Cultural de Mao Tse-tung en China, Karl se vio obligado a pintar solo las imágenes de propaganda que el gobierno le exigió que pintara. Sin embargo, en 1984 se le permitió emigrar a los Estados Unidos, donde Karl tenía la libertad de pintar mujeres hermosas, diosas y el arquetipo femenino de varias razas y culturas. Este tema central de toda la obra de Karl Bang está exquisitamente desarrollado y refinado en cada una de sus imágenes. Para Karl, pintar mujeres va mucho más allá de su belleza exterior. Él ve a las mujeres como personificación de los instintos más suaves de la humanidad: crianza, gentileza, verdad y fuerza interior.   

La India representada por la exuberancia y la belleza de sus mujeres.

Carmen Mansilla: “Todo me fascina, todo me atrae”

Autorretrato

La pintura realista ofrece grandes desafíos. El artista que elige este estilo no debe conformarse con ser fiel a la realidad circundante y demostrar sólo un gran dominio técnico. En este desafío de interpretar la realidad lo debe hacer con originalidad. Así como la percepción tiene matices en cada observador, del mismo modo la representación debe poseer aspectos que la conviertan en algo único.

Por Rubén Reveco - Editor

Esa es la clave para que una propuesta de estas características signifique un aporte en el diversificado mundo del arte contemporáneo del siglo XXI. Y esa es la clave para empezar a entender el arte de Carmen Mansilla, una pintora que ha aceptado el desafío. “Para mí -explica- el arte es la expresión más excelsa de la sensibilidad humana en todas sus vertientes. Parece increíble que los mismos seres humanos que mienten, odian, matan, violan los derechos humanos, maltratan, destrozan, etc… sean capaces de conmover creando algo bello o sublime y que perdura… sinceramente creo que sin manifestaciones de arte la humanidad moriría de tristeza”.
Dibuja desde niña, pero hace sólo seis años decidió dejar todo para vivir plenamente de la pintura. Comenzó a estudiar con grandes maestros, trabajó como retratista de niños e ilustradora de libros juveniles. Ha expuesto en Nueva York, París, Edimburgo y otras ciudades. “Ahora sólo quiero que se reconozca mi obra sin necesidad de curriculum... sólo emoción cara a cara con el receptor”, expresa.
Ese es unos de los desafíos de Carmen Mansilla, una pintora española que en una entrevista exclusiva para Resistencia Realista respondió sobre la pintura (su pasión) y el panorama del arte en su país y el  mundo.

Bernardo Torrens, dibujante y pintor español

Podemos decir que este es un pintor (¿dibujante?) español célebre no sólo por la calidad de su propuesta sino que, también, por la calidad de su obra. Si bien el desnudo -como tema- es muy seductor para el artista, para la que modela y para el público que observa, por momentos hay una sobre oferta. Sin embargo, este artista ha propuesto algo muy personal e inconfundible: la iluminación y la asepsia cromática.

En una entrevista exclusiva para este blog, Torrens dialogó sobre arte y realismo.

Por Rubén Reveco

-Después de la hecatombe hace un siglo del arte realista por la irrupción del arte abstracto, ¿considera usted que el arte realista está de vuelta o nunca se ha ido?

-Yo no lo considero una hecatombe, mas bien una exploración de nuevos caminos y formas de expresarse que han aumentado mucho nuestra perspectiva del arte. Obviamente esto conllevo una menor presencia del realismo como lenguaje de expresión artística no solo fagocitado por los “nuevos ismos” sino, también, por la poca calidad de la obra que se hizo durante ese largo periodo desde el punto de vista de pintura realista. Nunca desaparecido como tal expresión pero si tuvo que buscar su sitio en el mundo del arte.

-¿Y cuál es el sitio que ha ocupado su obra?

-No puedo contestarte a eso. Cuando mi obra este terminada corresponderá a los demás situarla donde se merezca.

Ai Huan: Frío, tristeza y soledad

No es la primera vez ni será la última que me ocupe del realismo chino. Siento una gran admiración por esta escuela que ha dado grandes pintores y que, sin la “pedantería creativa” de Occidente, se ha dedicado a representar con admirable oficio su mundo y, muchas veces, su sencillo y familiar mundo.

Por Rubén Reveco, editor

¿Qué pintan los artistas chinos? Me llama la atención la proliferación de niños representados. La política de control familiar del Estado, formulada a principios de los años 70, estimuló a retrasar los matrimonios y los nacimientos y limitó a las parejas de las zonas urbanas a tener un solo hijo y dos a las de las zonas rurales. Esta prohibición de una familia numerosa hace pensar que tal vez los matrimonios de los últimos cuarenta años sientan un apego especial por su (o sus) hijos. Y esto se ve reflejado en su arte.

El Tíbet en el arte de Ai Huan

Jean Pierre Gibrat: La belleza puede ser encantadora

Jean Pierre Gibrat y sus preciosas mujeres. Este artista es infalible, su calidad como pintor es a toda prueba.

A lo mejor los que nunca leen cómics pueden pensar que sus chicas son muy guapas para ser reales, pero es que este artista resulta ser también un excelente guionista que nos ha dejado algunos de los mejores cómics europeos que te puedes encontrar.

Mega

Jean Pierre Gibrat es un artista excepcional que ha cautivado a la audiencia con la belleza y encanto de sus obras, especialmente a través de la representación de mujeres preciosas en sus cómics. Su talento como pintor es indiscutible, demostrando una habilidad innata para capturar la belleza en sus trazos y colores.

Muchos podrían cuestionar la veracidad de la belleza de las mujeres retratadas por Gibrat, argumentando que son demasiado perfectas para ser reales. Sin embargo, lo que estos críticos podrían no tener en cuenta es la habilidad del artista como guionista, que complementa su destreza como pintor de una manera excepcional. Gibrat ha sido capaz de crear historias cautivadoras y complejas que enriquecen aún más la experiencia del lector y elevan sus obras a un nivel superior.

La combinación de la belleza estética y la profundidad narrativa en las obras de Gibrat lo posiciona como uno de los mejores artistas de cómics en Europa. Sus personajes femeninos no solo son visualmente atractivos, sino que también están llenos de matices y complejidades que los convierten en seres tridimensionales y realistas. Esto añade una capa adicional de belleza a sus creaciones, que trasciende lo puramente visual y se adentra en lo emocional y lo intelectual.