Stephen Baumann nos ofrece una propuesta figurativa muy interesante. Sus retratos tienen una ambientación atmosférica muy peculiar. Me gusta su propuesta.
"Soy un artista de formación clásica y pasé 12 años como instructor en el programa de dibujo y pintura de la Academia de Arte de Florencia. Además de eso, fui director del Departamento de Anatomía y Ecorche durante 6 años, primero en Suecia y luego en los EE. UU. En 2020 dejé la academia para enfocar mis esfuerzos en mi carrera artística y cursos en línea.
Juliette Aristidesnació en Estados Unidos, es una pintora con clara influencia del romanticismo del siglo XIX. Toda su obra está marcada por este estilo, por momentos tenebroso o por momentos idealizado. Si bien ha creado una cantidad considerable de pinturas, esta vez he elegido sus dibujos.
En los últimos veinte años, ha surgido un movimiento creciente de artistas jóvenes que practican una forma de pintura y escultura con influencias clásicas. Para algunos, este grupo parece actuar como si el arte moderno nunca hubiera existido. ¿Dónde están las distorsiones deliberadas de la forma humana, las composiciones irregulares y confrontativas? ¿Dónde están las protestas contra las desigualdades sociales y las relaciones de poder? ¿Los desafíos directos al gusto y al decoro?
Estos pintores y escultores son sofisticados y muy conscientes del modernismo y sus implicaciones sociales, pero han elegido un camino diferente al de sus contemporáneos. Los críticos del grupo —a menudo denominado «movimiento de taller»— lo han considerado retrógrado, como si la historia del arte solo se moviera de forma lineal, dejando atrás las formas artísticas anticuadas. Esta visión se inspira en el vanguardismo, una especie de rechazo militante de la tradición.
Pero estos jóvenes pintores y escultores no están de acuerdo.
Pablo Segarra Chias, pintor español contemporáneo, nació en 1945 en Sevilla. A los 18 años, ingresó en la Academia de Bellas Artes de Sevilla, fundada en 1660 por el gran maestro Bartolomé Esteban Murillo. Aprendió las técnicas de los maestros del pasado y su conocimiento le ayudó a desarrollar su propio estilo. El verdadero amor por el arte clásico nació bajo la influencia de artistas como Murillo, Zurbarán, García Ramos, Gonzalo Bilbao y Gómez Gil.
Pablo Segarra Chias, pintor español, nacido en una ciudad pobre y devastada por la reciente guerra civil española. Vivía en el barrio de la Macarena, en el corazón de la ciudad. A la tierna edad de 7 años Chias completó su primer óleo sobre lienzo de pintura. Su padre le permitió utilizar una silla, fuera de la taberna local, como un caballete, y fue desde aquí que vendió su primer cuadro a 10 pesetas alentando a iniciar y seguir con la pintura como un compromiso más profesional. De los pintores locales aprendió a utilizar la trementina y barniz. Y de vez en cuando le presentan con pinceles y lienzo, así como los óleos, todo sorprendido por su determinación y su habilidad natural a una edad tan joven. Cuando era 13 años de edad, Segarra Chias comenzó a apoyar a su familia empobrecida, conseguir un trabajo en el cementerio local, retoque de fotos de los fallecidos antes de pasar a la restauración de las lápidas. Él vendió su propia obra como una línea de lado a los turistas que visitan la zona. Con este nuevo ingreso, a la edad de 18 años asistió a la Academia de Bellas Artes de Sevilla, fundada en 1660 por el gran maestro de Bartolomé Esteban Murillo.
No existe en la Red una foto del artista.
Aprendió las técnicas y los conocimientos obtenidos en la materia para aplicar a su propio estilo y encontrar su verdadero amor de arte clásico. Fue influenciado por artistas como Murillo, Zurbarán, Ramos García, Bilbao Gonzalo y Gil Gómez. Después de completar su formación viajó hasta el norte de África, a saber, Marruecos, donde fue absorbido por las costumbres de sus pueblos e inspirado por su misterio y exotismo. Su trabajo capta la sugerencia de la belleza al mismo tiempo dejando siempre espacio para la imaginación y el misterio. Su producción es muy limitada debido al trabajo profundo y cuidadoso que necesita para poner en cada una de sus pinturas. Se ha demostrado y se recoge sistemáticamente en su España natal y más notablemente en el emirato árabe, América y el Reino Unido.
Cuando Joshua LaRock regresó a casa después de años de viajes y estudios, la llamada de Occidente no pudo ser ignorada. LaRock, al igual que los miembros de la Sociedad de Artistas de Taos, es un pintor de formación clásica inspirado en maestros europeos, y fue un viaje casual al suroeste lo que provocó su primera serie occidental.
La capacidad técnica de LaRock como artista se encuentra entre las mejores de la pintura contemporánea actual. Su trabajo tiene la sensibilidad tranquilizadora de los viejos maestros mezclada con la determinación del oeste americano.
LaRock ha recibido reconocimiento internacional como artista figurativo preeminente. Hoy, continúa su viaje por Occidente con escenas modernas que evocan una nostalgia clásica con un toque magistral.
Pintar una imagen a menudo puede ser una tarea abrumadora, pero Joshua no se guarda nada mientras presenta su enfoque claro y lógico, proporcionando ideas cruciales y herramientas de resolución de problemas que todos los niveles de habilidad encontrarán útiles.
Este video se centrará en los elementos de la forma y cómo lograr la ilusión de las tres dimensiones. Al comprender mejor la importancia de la forma, obtendrá una nueva perspectiva del valor, el color, el dibujo y la expresión.
Joshua demuestra su técnica de pintura al óleo indirecta, que se distingue del método alla-prima, o húmedo en húmedo, en que se realiza en capas y, por lo tanto, puede lograr efectos maravillosos y sutiles mediante el uso de velos de pintura semitransparentes. .
Las 3 horas y 15 minutos de contenido incluirán:
-El dibujo preparatorio en grafito
-Transferencia del dibujo al lienzo
-Capa Uno: Pintura base inicial considerando la teoría del color
-Capa Dos: Construyendo la forma en el segundo día de pintura - luces más claras y oscuras más oscuras.
-Capa Tres: Acabado y pulido con esmaltes y descascarillado.
Entre las obras más llamativas de Joshua se encuentran las de su esposa, Laura. En 2012, el "Retrato de la esposa del artista" fue aclamado como "merecedor de una atención especial" durante la histórica exhibición de la Liga de Artistas de Pintura al Óleo de América China en el Museo de Arte Mundial de Beijing. Si bien "Laura in Black" fue parte de la prestigiosa exposición BP Portrait Award 2016 en la National Portrait Gallery de Londres, él es el tema de su principal video instructivo "The Layers of Portrait Painting".
Pintor ucraniano, nació en 1963. Graduado en el Instituto VISurikov de pintura de Moscú en 1993. Sus temas favoritos son el paisaje ruso, el retrato clásico y escenas de género de la vida rural. Participó en muchas exposiciones colectivas e individuales. Sus pinturas se encuentran en colecciones privadas en los EE.UU., Chequia, Polonia, Austria, la República de Sudáfrica y Alemania. Vivía en Jarkov, o lo que queda de ella.
Nuestro pintor de hoy nació en la India en 1933, de padres británicos y en 1945 al final de la guerra en Europa regresó a Inglaterra para completar su educación. Falleció el 28 de julio de 2023. Lo recordamos.
Nacimiento: 1933, Bengaluru, India
Fallecimiento: 28 de julio de 2023
Educación: Escuela de Arte Saint Martin
En 1954, después de dos años de servicio militar, ingresó a la escuela de San Martín of Art de Londres y estudió diseño comercial e ilustración que posteriormente reemplazó por el dibujo y pintura artística.
Estas es la primera serie de desnudo masculino que mostramos, ya se sabe que no abundan muchos en la Red. Leonard logró una extraordinaria fuerza interpretativa. Desnudos que parecen desafiar, en especial a la platea femenina.
William Whitaker es un pintor que nació en Estados Unidos, en 1943. Es hijo del pintor Guillermo Whitaker, por lo qué creció en el mundo del arte. Siendo muy joven incursionó en el arte abstracto el que abandonó al considerar inconducente (algo no lleva a ningún lugar).
Al salir de la universidad, comenzó a practicar dibujo del natural y su estilo lo dirigió hacia el realismo tradicional.
La obra que reproducimos sobre estas líneas es un de sus trabajos mejor logrados. Sin embargo, me molesta el paño blanco que rodea la silueta. Mediante photoshop lo eliminé y me parece que quedó mejor. Sepa disculpar el artista.
“Es difícil clasificar la pintura de Jaime Vásquez, como modernista, como post modernista, o neoclásico. Él es un virtuoso poliédrico; Vásquez escapa de cualquier clase de ideología, por su amor a la belleza".
Jaime Vásquez Quiroz, conocido en el mundanal del arte como El Maestro, sin duda el artista más renombrado de los últimos tiempos. Reconocido pintor peruano, se distingue por una marcada tendencia llena de vigor y dramatismo en sus obras, que escapa a cualquier clasificación de arte. Sus óleos, intensivos en investigación, que hacen bailar la realidad entre la exaltación clásica y las olas de la modernidad, lo han llevado a cosechar la fama internacional, prueba ello no sólo se evidencia en la presentación de su arduo trabajo en las principales instituciones de arte del planeta, sino también en la disputa por la adquisición de sus cuadros por coleccionistas de clase mundial.
Complicada época es ésta en que nos toca vivir, donde la opinión dominante en el mundo del arte nos asegura que el llamado arte contemporáneo es el verdadero, el único que cuenta, porque su exuberante banalidad abolió todos los límites para diversificarse en múltiples direcciones, ninguna de las cuales admite a la pintura figurativa, y mucho menos la pintura dedicada al viejo impulso de recrear la belleza con una mirada única y personal...
Sin embargo...
Sin embargo, la realidad, siempre refractaria a los mandatos inviolables de los intelectuales con vocación de legisladores, nos dice que John Neil Rodger, nacido en 1941 en Mowbray, Ciudad del Cabo, Sudáfrica, pertenece a la resistente raza de los pintores realistas que siguen su propia inspiración. Para decirlo de otra manera, el arte de John Neil Rodger se caracteriza por su búsqueda de la universalidad, la atemporalidad y la armonía que se encuentra en todas las grandes obras de arte, independientemente de la época o el lugar donde fueron realizadas.
Se trata de un arte discernible, que se instala en el corazón a través del intelecto, y que se desarrolla sin prestar atención a las revoluciones, las modas o los cambios de paradigma que arrastran a los débiles y los inseguros. A riesgo de ser considerado blasfemo, debo decir que la atemporalidad clásica y contemplativa que distingue a las obras de John Neil Rodger es inconfundiblemente contemporánea, y muy fácil de realizar, aunque resulte difícil de creer, porque para lograrla basta con tener un dibujo preciso, colocar diestramente las luces y poseer un sugestivo manejo del color. Nada más que eso.
Con esa sencilla gama de recursos, que se levanta sobre un sólido piso de dones naturales y los rigores de un largo y arduo aprendizaje, Rodger aborda la pintura de interiores, paisajes, retratos, desnudos y naturalezas muertas, lo que le ha valido ser uno de los artistas más populares, respetados y admirados de su generación. Aquí, una pequeña selección de sus obras para que cada uno pueda emitir su propio juicio. (F)
Una mujer sentada, mirando a la distancia. En cambio, contempla algo que nunca sabremos, mira más allá de nosotros. Ella aprieta su cuerpo, parece indefensa. Esto casi parece un reflejo de su entorno, estos también carecen de límites claros: pestañas pictóricas envuelven su imagen mientras se desvanecen y gotean en la nada. Las pinturas de Johnny Morant son formas figurativas bellamente concebidas que generan una flexibilidad de ensueño. El uso de colores pastel, soporíferos, contrastados con tonos de piel profundos y sombras cálidas aluden a una sensación de luz envolvente. La figura, cuya mirada siempre se nos escapa, se disipa en el fondo liberando la forma en nuevas dimensiones del espacio.
Johnny Morantes un pintor que vive actualmente en Amsterdam. Asistió a la escuela de arte en Bristol y Bournemouth.
Johnny Morant es un artista visual que explora temas de naturaleza, sustentabilidad e impacto humano influenciados por sus viajes y experiencias. Está ganando reconocimiento rápidamente por sus pinturas que invitan a la reflexión, y su trabajo reside en un número creciente de colecciones corporativas y privadas. Morant asistió a la escuela de arte en Bristol y Bournemouth y ha vivido y trabajado en Londres, Wiltshire y Amsterdam.
Trabajando principalmente en óleo y en un estilo figurativo, el artista reflexiona y amplía sus interacciones y experiencias, su trabajo apunta a desarrollar momentos del pasado reciente para crear respuestas personales y exploratorias.
Después de asistir a la escuela de arte en Bristol y Bournemouth, Morant reside desde entonces en Londres y Amsterdam. Cuando se le pidió que comentara sobre su última exposición, explicó: "Al jugar en la frontera entre la claridad y la sugerencia, mi trabajo prioriza la aplicación intuitiva de la pintura y tiene como objetivo describir la viscosidad de la luz y la fragilidad de la forma".
Su reciente colección de 'Alegorías del futuro pasado, presente y trabajo explora la capacidad de la humanidad para conocer y desafíos de cara a nuestro futuro.
Este es un gran pintor italiano que descubrí especialmente por sus naturalezas muertas. Pero hace un tiempo me encontré con sus desnudos, igualmente bellos.
Luciano Ventrone nació en Roma en 1942 y se trasladó a Dinamarca a la edad de seis años. Volvió a Italia después de su educación obligatoria y en 1960 se las arregló para asistir a la escuela Artes de Roma. Después de graduarse en 1964, estudió Arquitectura hasta 1968 y luego se unió a las protestas de los estudiantes y decide abandonar sus estudios y dedicar su vida a la pintura - que nunca abandonó y fue su única fuente de ingresos desde ese momento.
Sus dibujos del natural fueron publicados en el libro Académico ( "La anatomía humana - el sistema nervioso central"), escrito por el profesor de la Universidad Católica de Roma Gastone Lambertini.
Ventrone se enfrenta a sí mismo con todos los principales movimientos del arte contemporáneo, hasta anclar en el realismo. Con un artículo publicado en 1983, siguiendo la sugerencia del crítico Federico Zeri, toma un nuevo camino con la naturaleza muerta. A partir de ahora, Ventrone inicia un viaje que tiene por objeto todos los aspectos de la naturaleza, siempre captura más y más detalles que son casi invisibles a nuestros ojos, lo que hoy en día están expuestos en miles de imágenes.
Como le gustaba decir a sus alumnos seleccionados: “La pintura no se trata de la mera representación de un objeto, se trata de color y la luz. Las proporciones correctas entre estos dos elementos logran una forma en el interior del espacio. El sujeto no puede ser visto como es, sino como un elemento abstracto”.
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