Osamu Obi: El arte del siglo XXI

                                                                                        

Osamu Obi es un destacado pintor japonés nacido en la prefectura de Kanagawa en 1965. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Arte Musashino y se especializó en pintura al óleo. Actualmente también trabaja como profesor en dicha institución.

                                                                                        

A lo largo de 20 años, Osamu ha ido puliendo su estilo hasta llegar al resultado que podemos ver hoy. Sus pinturas han alcanzado gran perfección técnica y toda la belleza del arte figurativo. En ellas busca retratar mujeres que nunca sonríen.

Obi ha realizado exposiciones tanto individuales como colectivas, además ha ganado premios importantes en su país natal como en otras regiones del mundo. En la actualidad, según menciona en su sitio web, busca desarrollar todavía más su sentido de la estética y perfeccionar su ya de por sí sublime técnica.

http://www.osamu-obi.com/

https://www.facebook.com/osamu.obi

Jeremy Mann: El arte del siglo XXI

Jeremy Mann es un pintor nacido en 1979 en San Francisco. Se graduó en la Universidad de Ohio con un Cum Laude en Bellas Artes en pintura y más tarde en la Academia de Artes de la Universidad de San Francisco donde obtendría un Master en honores. Elogiado por críticos y coleccionistas por igual, su trabajo apareció recientemente en la portada de la revista American Art Collector.

Jeremy Mann cubre una amplia gama de temas, destacando sus pinturas urbanas claramente influenciadas por su vida en el centro de San Francisco y sus escenas de interior de solitarias mujeres. Mann pinta con confianza y estilo, impregnando cada obra con cierto drama y gran personalidad. Sus composiciones son complejas y llenas de un color vivo y atmosférico desarrollando unas atmósferas hipnóticas como si fuesen un encantamiento.

Pinta sobre paneles de madera, superficie que le permite rasgar, acuchillar, aplicar disolventes para difuminar e incluso rodillos de pintura para conseguir texturas arenosas. 

Ejecutados en paneles de formato medio y grande, cada excitante trabajo demuestra el inconfundible estilo del artista. Los paneles de madera ofrecen un fuerte soporte en el cual Mann puede utilizar una variedad de técnicas: tinturas, aplicación de disolventes y amplias marcas arenosas con rodillo de tinta. Mann pinta con confianza y estilo. Apunta a composiciones complejas con mirada madura y colores vívidos y atmosféricos.

Siempre ambicioso, Mann abarca un amplio rango temático más allá de los paisajes ciudadanos: escenas interiores con mujeres jóvenes y solitarias, tan sorprendentes e inquietas como la ciudad misma; un atrevido e intrigante autorretrato, magistrales bodegones y escenas campestres que evocan los paisajes de su tierra natal.
"Con la Revolución Industrial, la ciudad en sí misma se ha convertido en una entidad que ha fascinado a los artistas; de hecho, los Impresionistas sacudieron y escandalizaron a sus audiencias no tanto con por temas urbanos como por lo que hicieron con sus vívidos colores y libertad de pincelada". No siendo evidentemente un impresionista, Mann es claramente su heredero.

FUENTES:

Uno de los nuestros

El Hurgador

Konstantin Kacev: El surrealismo vive

 

Konstantin Kacev es otro de los grandes artistas que hemos conocido gracias a Internet. Si no fuese por este gran ingenio de la mente humana, seguirían diciéndonos que ya nadie pinta. Cuando en realidad el arte figurativo, realista y surrealista están más vigente que nunca. El que tiene talento no lo desperdicia en manifestaciones seudo-artísticas.

Así es el arte de Konstantin Kacev un artista ruso que ha hecho del Surrealismo una perspectiva renovada, en la que se siguen encontrando los ingredientes que la definen, desde una mirada muy personal y una expresión propia. Donde el gusto por el detalle se cuida al extremo, y la descontextualización de las formas se naturaliza siempre con una inevitable y melancólica belleza.

Konstantin Kacev nació en Taschent (SSSR) en 1967, donde vivió hasta el año 1983. Continuó su educación secundaria en Skopje hasta 1986, y en 1995 se gradúa en la Facultad de Bellas Artes en el departamento de pintura, conservación y restauración. Durante varios años trabajó como conservador de pintura mural independiente en el Departamento de Cultura y Conservación especializado en la protección de los monumentos de la República. Desde 1999 se ha mudado a su propio estudio y participa en numerosas exposiciones en toda Macedonia, realizando en 2005 varias exposiciones independientes en París y Nueva York. Actualmente vive y trabaja en Skopje, Macedonia.

El nos dice que :

La eficiencia tal vez radica en la velocidad de la información electrónica que intercambiamos a diario a través de la Internet... Sin embargo, la potencia y la calidad de comunicarse es dentro de nosotros mismos, en nuestras emociones, las que cada uno de nosotros expresa de diferente manera, con una "escritura a mano" muy personal e irrepetible, a través de un cuadro, una película, un libro, una carta, una caricia o simplemente una conversación simple.

Es muy importante que sintamos la emoción como un fluido real. Debemos tener la sensación de que estamos presentes aquí y ahora, y no sólo como una célula electrónica. Pero al igual que los seres humanos reales que están conectados espiritualmente, la naturaleza nos ha creado a todos con el propósito de dejar a nuestro paso las mejores cosas, para que las disfruten quienes vengan después, hasta el fin de los tiempos.

Artículo original

El buen oficio de Sharon Sprung

Sharon Sprung nació en 1953, en Estados Unidos. Es una excelente retratista pero también realiza hermosos desnudos.

Sharon Sprung, pintora estadounidense, con sede en Brooklyn, que estudió en Cornell, The Art Students League de Nueva York y la Academia Nacional de Diseño. 

Además de su práctica creativa, Sprung también enseña dibujo y pintura en el Museo Nacional de la Academia y de la Escuela de Bellas Artes y la Art Students League. 

Su trabajo ha ganado numerosos premios y es ofrecido en colecciones públicas prominentes, entre ellos los Estados Unidos Cámara de Representantes, Bell Laboratories, ATandT, la Universidad de Princeton, Sherman y Sterling y el Chase Manhattan Bank.

Web

Dino Valls: "El ser humano siempre ha convivido con lo desconocido"

Dueño de una inquietante pintura atravesada por el estudio del cuerpo el artista -médico de profesión- se refiere aquí a las grandes paradojas que atraviesa su arte.  Se trata de uno de los más consagrados pintores de nuestro tiempo.

Fuente revista

El pintor español Dino Valls (Zaragoza, 1959) es, sin duda, uno de los máximos exponentes de la figuración contemporánea y, a través de su arte, nos introduce a un dialogo revelador entre lo alegórico y lo poético.

Distanciado de las tendencias contemporáneas, muchas de ellas, pobres en oficio y carentes de imaginación, el español tiene una obra sólida –totalmente alejada de cualquier tipo de  improvisación-. Valls le presta atención tanto a la técnica, como al concepto y lo hace de forma precisa y minuciosa.

“Mi trabajo, mi atención y respeto por soportes y técnicas tradicionales, son sentidos por mí como un deber de honestidad deontológica”, explica.

En su caso, nos referimos a un concepto denso, insondablemente psíquico y a su vez intrigante: sus cuerpos están atravesados por la angustia y el dolor, conviven allí patologías físicas y mentales donde puede olerse una densa atmósfera que incomoda y a su vez interpela.

Al artista no le interesa, de ninguna forma, ser complaciente. Su trabajo es fuerte, intenso, agudo y está vivo, aunque nos haga agonizar  por las “zonas oscuras de (nuestra) mente”. Allí están sus cuadros para recordarnos nuestras propias miserias, nuestras más profundas contradicciones, y para ponernos delante los fantasmas que todos llevamos dentro.

Miho Hirano: Leve naturaleza femenina

Mujeres y naturaleza se funden en los retratos al óleo de Miho Hirano. En todas su obras busca dejar el estado natural de sus personajes, que casi siempre están adornados con accesorios orgánicos, vivos como: flores, pájaros, peces y agua.

La imaginación conlleva un importante ejercicio de abstracción que algunos afortunados llevan a cabo de manera intuitiva y casi sin esfuerzo; escapar de la realidad, soñar o fantasear no es nada fácil y, mucho menos aún, plasmar lo soñado y lo fantaseado.

Esos seres llenos de creatividad que poseen el talento de imaginar y materializar lo que sus mentes componen, dotándolo, además, de absoluta belleza, nos abren los ojos y el alma a lugares que no están en nuestras cabezas porque solo habitan en las suyas.

En ese grupo de criaturas privilegiadas está Miho Hirano, una pintora japonesa que pinta al óleo retratos delicados de mujeres que parecen haber escapado de algún sueño y se mezclan con la naturaleza, los animales y la simbología de la tradición nipona más profunda.

El uso de las tonalidades pastel y los trazos suaves, convierten sus obras en imágenes llenas de fuerza y delicadeza que nos transmiten el rompedor poder que puede causar en nosotros la fragilidad.

Sus mujeres tienden a tener la mirada perdida en la lejanía mientra,  los peces y las mariposas pululan alrededor y las flores de cerezo, las enredaderas y otros elementos crecen abriéndose paso entre los mechones del cabello.

Hirano describe la misión de su trabajo como "Expresar la situación cambiante de la fealdad y la madurez de la vida".

La inspiración de Hirano, dice residir en la educación que ha recibido ya que, su madre se preocupaba por la naturaleza y, es un valor que logró transmitirle de manera tan férrea que ahora es la temática y el concepto predominante de su fantástica obra.

Confiesa haber encontrado siempre en la pintura una tabla de salvación que le permite expresar sus pensamientos, explorar ideas y escapar de la realidad y, por lo tanto, hacer que nosotros también escapemos sumidos en su universo de ninfas de inspiración manga.

Formada en Bellas Artes y graduada en el Departamento de Pintura al Óleo de la Universidad de Arte Musashino, la artista actualmente reside en Chiba (Japón).

Ha conseguido mostrar su creatividad fuera de sus fronteras; su primera exposición individual en los EEUU fue en la Galería Corey Helford en 2017 y va a participar en una exposición colectiva a finales de este año en Los Ángeles. (Fuente)

Hamish Blakely, baile al desnudo

Hamish Blakely (1964), es un pintor británico apasionado por la figura humana y en especial por cuadros donde muestra a la modelo de espalda. Además de desnudos, pinta temas de parejas bailando tango o flamenco.

Inspirado por la belleza de la forma femenina, sus obras de arte insinúan fuerzas primarias más profundas. Usando una rica paleta de colores, Hamish pinta con delicadeza mientras crea una superficie táctil lograda con capa tras capa de pigmento. Cita a su esposa Gail como la musa de sus piezas.

Hamish dice: “He cambiado completamente la forma en que pinto durante décadas. De hecho, estoy orgulloso, no engreído, de decir que ahora pinto de una manera que hubiera creído imposible hace veinte o treinta años. Quiero que los espectadores disfruten primero de las pinturas y luego se enfrenten a más preguntas inquisitivas".

Entrevista al pintor Félix Pablo Villagra

En su edición del sábado 16 de agosto, de 2014, el diario Los Andes, de Mendoza, Argentina, le dedica una página en su suplemento cultural al pintor Félix Pablo Villagra. El artista cordobés radicado en Neuquén, Argentina centra su obra en los mecanismos de funcionamiento de la humanidad. En esta entrevista habla de sus influencias, de los problemas de la creación y del protagonismo que ha tenido la imagen en la historia del hombre.

Por Camila Reveco, editora de la revista

Recordando antiguas entrevistas

Engranajes en acción
 

Quien recuerde la genial escena de la película “Tiempos Modernos”, de 1936, en la cual Charles Chaplin, el protagonista, es atrapado por los engranajes de una gran máquina, no podrá dejar de relacionar ese momento con la obra del pintor Félix Pablo Villagra. 

Esos engranajes que permiten el funcionamiento de las máquinas siguen vigentes y son la forma y el contenido de la obra de este artista cordobés, radicado en Neuquén hace más de 20 años. 

“En realidad -explica- llegué a Neuquén en 1988, estuve un tiempo y me fui, luego me radiqué definitivamente en 1990. Soy maestro ayudante de taller en función de bibliotecario en la Escuela Provincial de Bellas Artes”. 

-¿Reconoce algún tipo de influencia es su obra?

-No, al menos en la última muestra que realicé en Buenos Aires. La temática fue una cuestión de preferencias, me gustan los fierros. También he hecho esculturas con chatarra y piezas mecánicas que me han posibilitado ganar algunos premios.

Pintor Harry Holland (Más imágenes)

 

La obra de Harry Holland me recuerda en especial al post que publiqué de Luis Ricardo Falero; por esa sana obsesión por el desnudo femenino en actitud de volar. No hay dudas que conocía las pinturas de este español y algún influjo ha dejado en su obra.

El pintor escocés Harry Holland (Glasgow, 1941) es un ejemplo de que la pintura figurativa se puede introducir en los recovecos emocionales del espectador con naturalidad y sensualidad, que no son un mero recordatorio de las destrezas técnicas del pasado.

En la amplia colección de obras que exhibe en su página web hay sugerentes escenas narrativas, figuras de mujeres, retratos familiares y naturalezas muertas. A pesar de que Holland es un sibarita del detalle, ninguno de sus trabajos se reduce a la simple reproducción de la realidad. Cada uno desprende el elegante misterio de quien guarda un secreto o susurra los sentimientos más profundos en lugar de atestar las redes sociales con ellos.

Entre las secciones en las que divide su producción, llama la atención Caprice (Capricho): 12 escenas de cuerpos desnudos, en grupo y en un entorno natural, sin referencias temporales ni sociales, que a veces desafían la gravedad sin que podamos saber si se elevan o caen.

Holland (uno de los pintores británicos actuales que, a pesar de su estilo figurativo, es de los más apreciados en los circuitos del arte) pinta del natural en su estudio del sur de Gales. Estos días confiesa en su blog personal que odia las vacaciones e intenta sacar provecho de la incómoda imposición haciéndo bocetos de los bañistas en la playa.

En un vídeo grabado por amigos, que lo muestra trabajando e incluye una breve entrevista, el autor dice algo que (aunque referido a los estudios preliminares y no a las obras) tal vez sea la clave para entender la pintura figurativa como una expresión artística y no como un número de circo ante el que sólo cabe exclamar “¡parece una foto!”: “No se trata de ser fotográfico, sino de ser informativo”.

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