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sábado, 4 de mayo de 2024

Corrie Chiswel: El desnudo del día y otras pinturas

 

Corrie Chiswel nació en Edimburgo, Escocia en 1963. Su familia es originaria de las islas occidentales, pero pasó la mayor parte de sus primeros años en la frontera escocesa y tierras altas centrales. Estudió arte en Fettes College.

En esta pintura me llama la atención el rectángulo negro de fondo que también podría interpretarse como un espacio abierto. Espacio que no compite para nada con el bello desnudo y no le resta protagonismo; al contrario...



jueves, 2 de mayo de 2024

"La Anunciación", de Dante Gabriel Rossetti




Ecce ancilla Domini (La Anunciación), 1849-1850, Dante Gabriel Rossetti.

Si bien Dante Gabriel Rossetti es un buen artista y el fundador de los Prerrafaelistas, su obra no tiene el vuelo de la pintura de Edward Burne Jones ni de la variedad productiva de John Evertt Millais. Aun así, nos ha dejado hermosas y sugerentes pinturas. Su obra más conocida es "La Anunciación".


(Londres, 1828 - Birchington-on-Sea, Reino Unido, 1882) Fue hijo de un patriota y poeta italiano exiliado en Londres, creció en un ambiente modesto pero de gran nivel cultural. Dudó entre dedicarse a la poesía o a la pintura, optando por esta última, aconsejado por un crítico que le aseguró que llegaría a enriquecerse. En 1848 fundó la Hermandad Prerrafaelista. Murió a los 53 años.

Dante Gabriel Rossetti fue el prototipo de artista romántico y contemporáneo, sus hermanos fueron también personalidades destacadas: William Michael era crítico y cronista de la hermandad prerrafaelita y Christina, célebre poetisa y escritora.
La vida de Rossetti fue agitada, con intensos romances que bordearon lo trágico. El principal fue el que mantuvo con su mujer y musa Elizabeth Siddal, también poeta, a la que retrató como prototipo de mujer fatal. Ella murió debido al consumo excesivo de láudano (opio y alcohol mezclados, usados como tranquilizante) tras dar a luz a un hijo muerto. El fallecimiento de Elizabeth supuso para el artista una catástrofe; llegó a enterrar sus poemas en la tumba. Pero al cabo de unos años regresó y “profanó” el enterramiento para recuperarlos. También vivió un romance bastante convulso con Jean Morris, la esposa del crítico William Morris.
Ecce ancilla Domini (detalle de la Virgen)

El nuevo arte religioso
Rossetti creó una nueva dimensión sentimental en la iconografía religiosa. Ofrece una visión intimista de la Virgen en una escena familiar, una aproximación de la religión a la vida cotidiana. Las figuras se disponen en primer plano y la perspectiva se aplana, pero introduce una apertura al paisaje, como los primitivos flamencos.
He aquí la esclava del Señor (Anunciación), 1849-1850. Remite a los frescos de los primitivos italianos. El enlucido blanco en bóveda y paredes crea una luminosidad extraña. Plantea un tema común de forma exótica: la Virgen no está en oración o labor, sino que es una adolescente recostada en su cama, intimidada y acongojada por el ángel, y no al revés, como era tradicional. Aquí el clima psicológico es muy distinto al habitual.
La cortina es azul celeste, tono asociado a la Virgen, y esas pocas notas de color aportan a la obra un aire exótico y misterioso. (Fuente)



Otra lectura

"Los colores predominantes de la obra son el blanco, el rojo y el azul. Si os fijáis en cualquier cuadro antiguo, comprobaréis que son los colores con los que siempre va vestida la Virgen María. Rossetti mantiene estos tres colores, repartiéndolos por todo el lienzo, pero viste a la joven con un liviano camisón blanco (lo de pintar a la Virgen en paños menores se consideró casi un sacrilegio). En las anunciaciones tradicionales, cuando el arcángel Gabriel sorprende a la Virgen, ésta suele estar rezando o leyendo (un libro sagrado, no una novela), dos labores que ennoblecen su alma y la preparan para el embarazo místico. Sin embargo, la Virgen de Rossetti no estaba haciendo ninguna de estas dos cosas, sino durmiendo, algo más propio de vagos y ociosos que de una santa mujer. Se incorpora en la cama medio aturdida. Está visiblemente confusa y turbada, no se atreve a levantar la mirada y se aparta asustada hacia la pared (nada que ver con el gesto de aceptación de las vírgenes tradicionales).
Tampoco procede que el ángel esté tan estupendo. Es demasiado masculino, enseña demasiada pierna y ni siquiera tiene alas (los únicos elementos sobrenaturales son el halo y las llamas que salen de sus pies desnudos). La vara de lirios es otro de los elementos tradicionales de la anunciación y hace referencia a la pureza de María. En el cuadro de Rossetti, se convierte en un elemento fálico con el que el ángel apunta hacia el vientre de la chica, dando a entender que va a ser fecundada (aprovechando que aún no se ha levantado de la cama). Es una escena demasiado íntima, el ambiente es claustrofóbico y provoca una sensación incómoda en el espectador. Desde luego, no da la impresión de que a esta inocente joven la vayan a embarazar por obra y gracia del Espíritu Santo…
Los modelos que posaron para el cuadro fueron la hermana del pintor, la famosa poetisa Christina Rossetti, y su hermano William Michael Rossetti, también escritor (y al que no me importaría haber conocido)." (Fuente)

martes, 30 de abril de 2024

Los exquisitos desnudos de Dmitry Kochetkov

Los rusos -en vez de estar bombardeando países- deberían dedicarse más al arte ya que lo hacen muy bien. Existen miles de artistas herederos del realismo soviético pero sin esa carga ideológica que esclaviza al arte. Dmitry Kochetkov es un buen exponente de ello.



El pintor ruso Dmitry Kochetkov es reconocido por su habilidad para capturar la belleza y la sensualidad a través de sus exquisitos desnudos. Sus obras muestran una combinación única de técnica y expresión artística, que han cautivado a críticos y amantes del arte por igual.

Kochetkov logra transmitir una sensación de intimidad y vulnerabilidad en sus pinturas, utilizando colores vibrantes y pinceladas precisas para resaltar la forma y la textura de la piel. Sus modelos parecen cobrar vida en el lienzo, con una naturalidad y una elegancia que reflejan la maestría del artista.

Los desnudos de Kochetkov no solo son visualmente impactantes, sino que también invitan a la reflexión sobre la belleza del cuerpo humano y la conexión entre el arte y la sensualidad. A través de sus obras, el pintor ruso nos recuerda la importancia de apreciar y celebrar la diversidad y la individualidad en todas sus formas.


Un desnudo de Jaroslaw Kukowski y otras pinturas

No es primera vez que publico una obra de este pintor polaco. Esta pintura especialmente (¿Las tres Gracias?) tiene esa moderada fantasía, mezcla de arte clásico y surrealismo. Si vemos el conjunto de su obra, quizá encontremos que ha surcado por tantos caminos como tantos senderos tiene la imaginación. Esto me resulta lo más atrayente.




Jarosław Kukowski (nacido el 11 de abril de 1972 en Tczew) pintor contemporáneo polaco que trata temas morales y sociales de manera controvertida. La mayoría de las pinturas de Kukowski fueron catalogadas en los álbumes publicados por las casas de subastas, galerías y editoriales.
En la primera etapa de su carrera artística el clima de sus obras, consideradas simbólicas, se llena de dramatismo y tristeza. Llenas de dolor, figuras humanas deformes junto con criaturas místicas se representan sobre el fondo de paisajes surrealistas. Esta serie de obras fue definida como Udreams por su autor. Durante otro período, Kukowski iluminó definitivamente su paleta; el artista se interesó por los desnudos, sin embargo, incluso aquí un espectador puede percibir la marca de la desintegración y el paso del tiempo. Estas obras fueron pintadas en forma de frescos destruidos por el tiempo y revelando otras imágenes que parecían haber sido pintadas detrás de ellas. En otra etapa de su carrera artística, Kukowski volvió a sus primeros trabajos, pero a pesar de un color más claro, sus obras se volvieron cada vez más irónicas y provocativas. En 2001, algunas de las obras de Kukowski fueron retiradas de la exposición en The Gallery SD debido al resentimiento de la audiencia.


Web

Más obras:



Las grandes huertas de Xue Zhiguo

 



Si a usted le gusta el arte y quiere ser un pintor realista (y un buen pintor realista) le advierto que su personalidad poco a poco puede sufrir ciertas y extrañas patologías.
Estos son artistas que en el ánimo de procurar la perfección no descansan hasta conseguir lo que se han propuesto y, en este afán, pueden quedar retazos de salud resentidas. Por lo general los pintores realistas son obsesivos y su quehacer más que un relax placentero se convierte en un sufrimiento.


Por Rubén Reveco, editor





Sin embargo, no me atrevo a afirmar (aunque lo parezca) que este sea el caso de Xue Zhiguo. Nuestro artista chino de hoy nació en la  provincia de Shandong, en 1957. Se graduó en el departamento de pintura al óleo en Luxun Academia de Bellas Artes en 1983. Es miembro de la Asociación de Artistas de China, vicepresidente de la Asociación de Artistas de Heilongjiang y director de la pintura al óleo de Arte Comité. Fue editor de arte del Diario de Heilongjiang en 1983 y fue transferido a la Asociación de Arte de Heilongjiang en 1992. Él es el director del estudio creativo en el Salón de Arte de Heilongjiang.


lunes, 29 de abril de 2024

Thomas Richman Blackshear


Thomas Richman Blackshear II es un ilustrador artista afroamericano, muchas de cuyas pinturas adornan iglesias evangélicas. También es escultor y diseñador de adornos, a menudo de temática afroamericana.

Blackshear nació en Waco, Texas en 1955. Creció en Atlanta, Georgia. Blackshear asistió al Art Institute of Chicago y luego a la American Academy of Art en Chicago. Blackshear trabajó para Hallmark Cards durante un año después de graduarse en 1977 de la Academia Estadounidense de Arte.

Mientras estuvo allí, conoció al famoso ilustrador Mark English y se convirtió en su aprendiz durante varios meses. En 1980, trabajaba como ilustrador jefe de Godbold/Richter Studio. Se convirtió en ilustrador independiente en 1982 y ha trabajado por cuenta propia desde entonces.

Blackshear ha recibido muchos premios por su obra de arte, incluida la codiciada Medalla de Oro de la Sociedad de Ilustradores. Apareció en The Living Canvas, una revista de arte de las ondas que se mostró en la televisión pública, y ha aparecido en Ebony/Jet Showcase y The 700 Club, y en The Saturday Evening Post. Una exhibición de sus obras originales para la serie de sellos Black Heritage se estrenó en 1992 en el Museo Nacional de Historia Estadounidense del Smithsonian y posteriormente realizó una gira por los Estados Unidos.




domingo, 28 de abril de 2024

El extraño realismo plástico de Susannah Martin

Susannah Martin es una artista nacida en Estados Unidos y radicada en Alemania. Su trayectoria artística se caracteriza por una profunda exploración de la intersección entre la naturaleza y la tecnología, creando obras que desafían las nociones tradicionales de arte y que invitan al espectador a reflexionar sobre su relación con el entorno.
Desde una edad temprana, Martin mostró un talento innato para las artes visuales, destacándose por su habilidad para capturar la belleza y la complejidad del mundo que la rodea. A lo largo de los años, ha experimentado con una variedad de medios y técnicas, desde la pintura y la escultura hasta la instalación y el arte digital, siempre buscando nuevas formas de expresión que le permitan transmitir su visión única del mundo.
Su obra ha sido exhibida en galerías y museos de todo el mundo, recibiendo elogios por su originalidad y su capacidad para conmover y provocar al espectador. Sus instalaciones interactivas, en particular, han sido aclamadas por su habilidad para involucrar al público de una manera que va más allá de lo puramente visual, creando experiencias inmersivas que desafían las percepciones y estimulan los sentidos.
A pesar de su éxito internacional, Susannah Martin sigue manteniendo un fuerte vínculo con su país de origen, encontrando inspiración en sus raíces estadounidenses y en la diversidad cultural que caracteriza a su país adoptivo, Alemania. Esta fusión de influencias se refleja en su obra, que combina elementos tradicionales y contemporáneos en una síntesis única que desafía las fronteras entre lo local y lo global.




sábado, 27 de abril de 2024

Michael Hutter en el país de los monstruos

Michael Hutter: religión, erotismo y fantasía histórica. Imposible no pensar en El Bosco.

El primer contacto de Michael Hutter (Colonia, 1963) con el arte, en concreto con el surrealismo, ha sido para él una suerte de epifanía. El artista ya era desde muy joven interesado en la religión, pero según él esto era mucho mejor.

Con humor, él cuenta que esa primera experiencia con el surrealismo le hizo elegir entre arte y el fanatismo religioso. Se quedó con el primero y de 1983 a 1986 estudió pintura libre en la Universidad de Ciencias Aplicadas de Colonia. A partir de ahí su trabajo ha empezado circular por el mundo.

Llenos de detalles como construcciones antiguas, personajes de otras épocas y monstruos gigantes, los cuentos de Hutter sorprenden continuamente. En general, el artista trabaja con óleo, témpera y acuarelas aunque también realiza fotomontajes con fotografías antiguas y con otros medios como los libros y los videos.

La temática no suele variar, lo que no quiere decir que aburra. Hutter deriva la mayor parte de los elementos que utiliza del ocultismo, la mitología y la fantasía histórica. También de la literatura –ha recreado la ciudad de Carcosa, de Ambrose Bierce–, de la ciencia, la pseudo-ciencia y del erotismo. Hay que verlo.


jueves, 25 de abril de 2024

John Larriva: Pintar con obsesión

 


John Larriva es un pintor de Estados Unidos que lleva trabajando más de 15 años. Crea sus pinturas al óleo y sus temas incluyen a personas, animales y paisajes.


John Larriva nació en la isla jardín de Kauai, Hawái, en 1981. Desde temprana edad, sus padres artistas lo alentaron a explorar el dibujo y la pintura. Quizás más importante aún, el apoyo en su exploración artística continuó más allá de la escuela primaria. John se graduó de la escuela secundaria en el rural Valle de San Luis del sur de Colorado, luego de mudarse allí en 1994. Estudió arte en el College of Santa Fe, donde se especializó en grabado. Aunque no obtuvo un título allí, continuó aprendiendo sobre dibujo y pintura a través de otros recursos, incluyendo libros y foros en internet.

Las pinturas del joven John Larriva exploran la impresión y la expresión. Su enfoque directo en la pintura captura rápidamente la apariencia esencial de sus sujetos, mientras que los rostros expresivos y las pinceladas infunden emoción. Sus influencias incluyen a maestros del trazo audaz y la creación de marcas, como Joaquín Sorolla, Giovanni Boldini, Tamara de Lempicka, Käthe Kollwitz, John Singer Sargent, Frank Duveneck, Rembrandt van Rijn, Helene Schjerfbeck, Lucian Freud y Alice Neel.

Actualmente, Larriva reside en Owego, Nueva York.