Osamu Obi: El arte del siglo XXI

                                                                                        

Osamu Obi es un destacado pintor japonés nacido en la prefectura de Kanagawa en 1965. Estudió Bellas Artes en la Universidad de Arte Musashino y se especializó en pintura al óleo. Actualmente también trabaja como profesor en dicha institución.

                                                                                        

A lo largo de 20 años, Osamu ha ido puliendo su estilo hasta llegar al resultado que podemos ver hoy. Sus pinturas han alcanzado gran perfección técnica y toda la belleza del arte figurativo. En ellas busca retratar mujeres que nunca sonríen.

Obi ha realizado exposiciones tanto individuales como colectivas, además ha ganado premios importantes en su país natal como en otras regiones del mundo. En la actualidad, según menciona en su sitio web, busca desarrollar todavía más su sentido de la estética y perfeccionar su ya de por sí sublime técnica.

http://www.osamu-obi.com/

https://www.facebook.com/osamu.obi

10 increíbles retratos hiperrealistas del artista Irakli Nadar

El ilustrador georgiano Irakli Nadar se ha especializado en retratos digitales y, concretamente, en retratos femeninos. Su técnica es simple pero difícil de ejecutar para un principiante.

Tomando como referencia una foto previa, Nadar empieza a dar forma con pincel suave hasta que consigue un boceto borroso que va perfilando con luces y sombras, que deja para el final junto con los pequeños detalles. Así consigue estos retratos realistas que, según cuenta él mismo, difieren mucho de la imagen original.

El resultado son estos retratos hiperrealistas de chicas con ojos enormes más cerca del estilo manga que del realismo, de ahí lo de ‘casi’, con un nivel de detalle en la iluminación, las texturas del pelo, la ropa o la piel casi perfecto.

En sus obras, con precisión quirúrgica dibuja los detalles más pequeños, llevarlos a la perfección. Cuidadosamente se concentra en el uso de las texturas, la luz y la sombra que hace de su arte tan impresionante.

Konstantin Kacev: El surrealismo vive

 

Konstantin Kacev es otro de los grandes artistas que hemos conocido gracias a Internet. Si no fuese por este gran ingenio de la mente humana, seguirían diciéndonos que ya nadie pinta. Cuando en realidad el arte figurativo, realista y surrealista están más vigente que nunca. El que tiene talento no lo desperdicia en manifestaciones seudo-artísticas.

Así es el arte de Konstantin Kacev un artista ruso que ha hecho del Surrealismo una perspectiva renovada, en la que se siguen encontrando los ingredientes que la definen, desde una mirada muy personal y una expresión propia. Donde el gusto por el detalle se cuida al extremo, y la descontextualización de las formas se naturaliza siempre con una inevitable y melancólica belleza.

Konstantin Kacev nació en Taschent (SSSR) en 1967, donde vivió hasta el año 1983. Continuó su educación secundaria en Skopje hasta 1986, y en 1995 se gradúa en la Facultad de Bellas Artes en el departamento de pintura, conservación y restauración. Durante varios años trabajó como conservador de pintura mural independiente en el Departamento de Cultura y Conservación especializado en la protección de los monumentos de la República. Desde 1999 se ha mudado a su propio estudio y participa en numerosas exposiciones en toda Macedonia, realizando en 2005 varias exposiciones independientes en París y Nueva York. Actualmente vive y trabaja en Skopje, Macedonia.

El nos dice que :

La eficiencia tal vez radica en la velocidad de la información electrónica que intercambiamos a diario a través de la Internet... Sin embargo, la potencia y la calidad de comunicarse es dentro de nosotros mismos, en nuestras emociones, las que cada uno de nosotros expresa de diferente manera, con una "escritura a mano" muy personal e irrepetible, a través de un cuadro, una película, un libro, una carta, una caricia o simplemente una conversación simple.

Es muy importante que sintamos la emoción como un fluido real. Debemos tener la sensación de que estamos presentes aquí y ahora, y no sólo como una célula electrónica. Pero al igual que los seres humanos reales que están conectados espiritualmente, la naturaleza nos ha creado a todos con el propósito de dejar a nuestro paso las mejores cosas, para que las disfruten quienes vengan después, hasta el fin de los tiempos.

Artículo original

¿Quién conoce a Pravda, la superviviente?

Hasta hace unos días nada sabía de esta heroína motorizada de los años ´60. Pravda (Pravda, la superviviente) es un cómic erótico dibujado por Guy Peellaert y escrito por Pascal Thomas, publicado en 1967.

"Pravda" representa un hito en la narrativa visual de la cultura pop y la rebeldía juvenil. A través de una estética audaz y un uso innovador del collage, la obra captura la esencia de una generación en busca de identidad y expresión. Peellaert y Thomas yuxtaponen imágenes icónicas de la cultura popular con elementos subversivos, creando una narrativa fragmentada que refleja la complejidad y la ambigüedad de la juventud. 

El cómic se erige como un testimonio visual de una época marcada por la experimentación, la contestación y la búsqueda de nuevos ideales, consolidándose como una referencia clave para comprender la iconografía y las aspiraciones de la rebeldía juvenil en el contexto de la cultura pop.

Pravda, inspirada en la cantante francesa Françoise Hardy, pero que originalmente se llamaría Prava en honor al movimiento provo neerlandés, es la líder de una banda de motociclistas que recorre una ciudad futurista. Sus integrantes, de pelo largo y ataviadas únicamente con cinturones de cuero, aterrorizan al público. Sus oponentes no son solo la policía, sino también una banda de motociclistas.

El editor francés Eric Losfeld publicó "Pravda, la superviviente" como álbum en la revista satírica mensual Hara-Kiri en 1967. La edición alemana, traducida por Ingrid Eichler, fue publicada por Schünemann en 1968 con prólogo de Peter Zadek. En 1973, le siguió otra publicación alemana como serial en la revista de cómics Pip.  También se publicó una traducción al neerlandés en 1968.

En 1968, Der Spiegel consideró a Pravda como "una mezcla de Marlon Brando y Coca-Cola", que era "violenta y antiautoritaria sin ninguna ideología política". En Die Zeit, Siegfried Schober escribió en 1969 que "cuando uno se cansa de los bonitos colores, las ideas visuales a veces encantadoras y, finalmente, de la propia señorita Pravda", el cómic "ya no es tan gracioso, sino más bien serio y aburrido". Tomando Pravda como ejemplo, Andreas C. Knigge ve "miedo a la censura, de la cual uno quería protegerse mostrando claramente sus estándares artísticos". (W)

Dino Valls: "El ser humano siempre ha convivido con lo desconocido"

Dueño de una inquietante pintura atravesada por el estudio del cuerpo el artista -médico de profesión- se refiere aquí a las grandes paradojas que atraviesa su arte.  Se trata de uno de los más consagrados pintores de nuestro tiempo.

Fuente revista

El pintor español Dino Valls (Zaragoza, 1959) es, sin duda, uno de los máximos exponentes de la figuración contemporánea y, a través de su arte, nos introduce a un dialogo revelador entre lo alegórico y lo poético.

Distanciado de las tendencias contemporáneas, muchas de ellas, pobres en oficio y carentes de imaginación, el español tiene una obra sólida –totalmente alejada de cualquier tipo de  improvisación-. Valls le presta atención tanto a la técnica, como al concepto y lo hace de forma precisa y minuciosa.

“Mi trabajo, mi atención y respeto por soportes y técnicas tradicionales, son sentidos por mí como un deber de honestidad deontológica”, explica.

En su caso, nos referimos a un concepto denso, insondablemente psíquico y a su vez intrigante: sus cuerpos están atravesados por la angustia y el dolor, conviven allí patologías físicas y mentales donde puede olerse una densa atmósfera que incomoda y a su vez interpela.

Al artista no le interesa, de ninguna forma, ser complaciente. Su trabajo es fuerte, intenso, agudo y está vivo, aunque nos haga agonizar  por las “zonas oscuras de (nuestra) mente”. Allí están sus cuadros para recordarnos nuestras propias miserias, nuestras más profundas contradicciones, y para ponernos delante los fantasmas que todos llevamos dentro.

Miho Hirano: Leve naturaleza femenina

Mujeres y naturaleza se funden en los retratos al óleo de Miho Hirano. En todas su obras busca dejar el estado natural de sus personajes, que casi siempre están adornados con accesorios orgánicos, vivos como: flores, pájaros, peces y agua.

La imaginación conlleva un importante ejercicio de abstracción que algunos afortunados llevan a cabo de manera intuitiva y casi sin esfuerzo; escapar de la realidad, soñar o fantasear no es nada fácil y, mucho menos aún, plasmar lo soñado y lo fantaseado.

Esos seres llenos de creatividad que poseen el talento de imaginar y materializar lo que sus mentes componen, dotándolo, además, de absoluta belleza, nos abren los ojos y el alma a lugares que no están en nuestras cabezas porque solo habitan en las suyas.

En ese grupo de criaturas privilegiadas está Miho Hirano, una pintora japonesa que pinta al óleo retratos delicados de mujeres que parecen haber escapado de algún sueño y se mezclan con la naturaleza, los animales y la simbología de la tradición nipona más profunda.

El uso de las tonalidades pastel y los trazos suaves, convierten sus obras en imágenes llenas de fuerza y delicadeza que nos transmiten el rompedor poder que puede causar en nosotros la fragilidad.

Sus mujeres tienden a tener la mirada perdida en la lejanía mientra,  los peces y las mariposas pululan alrededor y las flores de cerezo, las enredaderas y otros elementos crecen abriéndose paso entre los mechones del cabello.

Hirano describe la misión de su trabajo como "Expresar la situación cambiante de la fealdad y la madurez de la vida".

La inspiración de Hirano, dice residir en la educación que ha recibido ya que, su madre se preocupaba por la naturaleza y, es un valor que logró transmitirle de manera tan férrea que ahora es la temática y el concepto predominante de su fantástica obra.

Confiesa haber encontrado siempre en la pintura una tabla de salvación que le permite expresar sus pensamientos, explorar ideas y escapar de la realidad y, por lo tanto, hacer que nosotros también escapemos sumidos en su universo de ninfas de inspiración manga.

Formada en Bellas Artes y graduada en el Departamento de Pintura al Óleo de la Universidad de Arte Musashino, la artista actualmente reside en Chiba (Japón).

Ha conseguido mostrar su creatividad fuera de sus fronteras; su primera exposición individual en los EEUU fue en la Galería Corey Helford en 2017 y va a participar en una exposición colectiva a finales de este año en Los Ángeles. (Fuente)

Historia de una pintura: La ejecución de Lady Jane Grey

Retrato de Paul Delaroche, por Eugène-Ferdinand Buttura.

La ejecución de Lady Jane Grey es una pintura al óleo, obra de Paul Delaroche realizada en 1833 y exhibida en la National Gallery de Londres.

Enormemente popular en las décadas inmediatamente posteriores, esta obra, al igual que otras pinturas realistas de temas históricos, perdió el favor de la crítica durante el siglo XX, permaneciendo almacenada durante décadas y llegando a considerarse una obra perdida. Restaurada y exhibida de nuevo desde 1975, la pintura volvió a ganar popularidad, especialmente entre el público joven.

La obra fue ejecutada después de la revolución de julio de 1830, la cual había provocado el exilio de Carlos X, último rey Borbón de Francia. La pintura posee similitudes con la ejecución de Luis XVI de Francia, hermano de Carlos, y, sobre todo, con la ejecución de María Antonieta, causando sensación y siendo altamente popular en el Salón de París durante su primera exhibición en 1834.

Originalmente adquirida por Anatole Demidov, I príncipe de San Donato, como parte de la colección Demidov, pasó a manos en 1870 de Henry Eaton, I barón Cheylesmore. A su muerte en 1891, la obra alcanzó un valor de 1.574 libras tras su venta por la casa Christie's al año siguiente, representando dicha cifra menos de la cuarta parte del precio inicial de la obra El monarca de la cañada (7.245 libras), de Edwin Landseer, una de las pinturas más famosas de la época. Fue adquirida por su hijo William Eaton, II barón Cheylesmore, quien legó la obra a la National Gallery de Londres en 1902 junto con otras cuatro pinturas, incluyendo dos cuadros de Landseer de la colección de su padre.

Durante décadas se creyó que la pintura había resultado destruida debido a la desastrosa inundación de la Tate Gallery como consecuencia del desbordamiento del Támesis en 1928, siendo descubierta en 1973 por Christopher Johnstone, curador de la galería, quien estaba escribiendo un libro por aquel entonces sobre el pintor John Martin. Tras revisar los lienzos dañados a consecuencia de la inundación en busca de una pintura de Martin, Johnstone halló una obra suya, La destrucción de Pompeya y Herculano, en óptimas condiciones de conservación, enrollada dentro de la obra de Delaroche, también en óptimas condiciones, siendo esta última transferida a la National Gallery, lugar al que debería haber sido trasladada cuando las colecciones de arte nacionales fueron repartidas tras la fundación de la Tate Gallery.

Fred Beltran, ilustrador del futuro

Sus mujeres pocas veces sonríen con esos gruesos labios y te miran sin pestañar con esos bellos y grandes ojos. Sus atributos sexuales son resaltados generosamente a través de provocativos escotes. Así son las heroínas del futuro dibujadas por Fred Beltran.

Nacido el 15 de septiembre de 1963 en Levallois-Perret (Francia), tras suspender el Bachillerato, pasa fugazmente por el taller Met de Penningen y por la École Supérieure d´Arts Graphiques, ambos de París. Efectúa sus primeros trabajos gráficos en los campos de la ilustración, la animación y la arquitectura, y en 1985 realiza su primer cómic, La pyramide bleue, historia de 44 páginas con influencias de Moebius que permanecerá inédita. En 1990 aparece su primer álbum, Le ventre du Minotaure, publicado por Les Humanoides Asociés, participando asimismo en varios álbumes colectivos para la misma editorial. En 1995 forma parte del grupo de autores europeos contratados por la importante editorial japonesa Kôdansha, para cuya revista Comic Morning crea el personaje de Nina, una camarera. Al mismo tiempo descubre el Macintosh y comienza a experimentar con el cómic realizado por ordenador. Dos años después conoce a Alejandro Jodorowsky; fruto del encuentro de ambos será la serie Megalex, en torno a una ciudad futurista poblada íntegramente por androides, elaborada totalmente con técnicas informáticas, y cuyo primer álbum aparece en 1999, seguido de un segundo en 2002. Megalex ha sido traducido en numerosos países, incluido Estados Unidos, a cargo de DC.

Beltran se ha responsabilizado además del color de los álbumes de Los Tecnopadres, escrita por el mismo Jodorowsky e ilustrada por Janjetov, así como de Después del Incal, con el mismo guionista y dibujos de Moebius. Entre 1994 y 1998 realiza ilustraciones para las revistas Jeune et Jolie y Jazz Magazine, una selección de las cuales se recoge en el volumen Pin-up Girls (Humanoides, 2002), además de elaborar portadas para discos. Paralelamente a su carrera artística, ha cultivado la música como guitarrista para diversos grupos de rock, incluyendo Stylbop, Duck 6 Cover, The Snails y Washington Dead Cats.

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Entrevista al pintor Félix Pablo Villagra

En su edición del sábado 16 de agosto, de 2014, el diario Los Andes, de Mendoza, Argentina, le dedica una página en su suplemento cultural al pintor Félix Pablo Villagra. El artista cordobés radicado en Neuquén, Argentina centra su obra en los mecanismos de funcionamiento de la humanidad. En esta entrevista habla de sus influencias, de los problemas de la creación y del protagonismo que ha tenido la imagen en la historia del hombre.

Por Camila Reveco, editora de la revista

Recordando antiguas entrevistas

Engranajes en acción
 

Quien recuerde la genial escena de la película “Tiempos Modernos”, de 1936, en la cual Charles Chaplin, el protagonista, es atrapado por los engranajes de una gran máquina, no podrá dejar de relacionar ese momento con la obra del pintor Félix Pablo Villagra. 

Esos engranajes que permiten el funcionamiento de las máquinas siguen vigentes y son la forma y el contenido de la obra de este artista cordobés, radicado en Neuquén hace más de 20 años. 

“En realidad -explica- llegué a Neuquén en 1988, estuve un tiempo y me fui, luego me radiqué definitivamente en 1990. Soy maestro ayudante de taller en función de bibliotecario en la Escuela Provincial de Bellas Artes”. 

-¿Reconoce algún tipo de influencia es su obra?

-No, al menos en la última muestra que realicé en Buenos Aires. La temática fue una cuestión de preferencias, me gustan los fierros. También he hecho esculturas con chatarra y piezas mecánicas que me han posibilitado ganar algunos premios.