Georg Friedrich Haendel: El músico ciego

 

Sello postal de 1985 de la República Federal de Alemania para conmemorar el 300 aniversario del nacimiento del compositor.

El compositor alemán Georg Friedrich Haendel (1685-1759) sufrió a los 52 años un ataque de apoplejía que le paralizó la mano izquierda, casi al mismo tiempo que perdió totalmente la vista. Sin embargo, siguió componiendo hasta su muerte, ocurrida veintidós años después.

Georg Friedrich Händel fue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado inglés, considerado una de las figuras cumbre de la historia de la música, especialmente la barroca, y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal.​ En la historia de la música, es el primer compositor moderno​ en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público,​ en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.

Considerado el sucesor y continuador de Henry Purcell,​ marcó toda una era en la música inglesa.​ Para varios expertos es el primer gran maestro de la música basada en la técnica de la homofonía​ y el más grande dentro del ámbito de los géneros de la ópera seria italiana​ y para algunos hasta en el oratorio, por delante de Johann Sebastian Bach.

Su legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época, donde 43 óperas, 26 oratorios (entre ellos El Mesías) y un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical. (W)

El Mesías, subtitulado.

Händel en la cultura popular

Georg Friedrich Händel es uno de los compositores más conocidos de la música clásica. Se ha utilizado su imagen en diversos formatos artísticos y de otra índole, como pósteres, caricaturas y postales. Se han emitido sellos postales y otros documentos filatélicos y numismáticos en numerosos países del mundo, en muchos casos para conmemorar los aniversarios de su nacimiento y muerte. También se han acuñado monedas, medallas y medallones conmemorativos. Su imagen u obras han sido utilizadas en diversos artículos de merchandising, como relojes, vitolas de puro, naipes, muñecos de juguete, platos, tazas y camisetas. Además, se han erigido estatuas y placas conmemorativas en diferentes ciudades y existen numerosos bustos y retratos con su figura.

En 1942, se estrenó la película biográfica The Great Mr. Handel, dirigida por Norman Walker y protagonizada por Wilfrid Lawson.94​ Además, se ha utilizado su música en más de 400 películas y programas de televisión.​

En su condición de autor de música religiosa, su nombre figura entre las celebraciones del Calendario de Santos Luterano y comparte fecha con Johann Sebastian Bach y Heinrich Schütz. Además, se le honra con un día festivo del Calendario de Santos de la iglesia episcopal. Se celebra el 28 de julio y lo comparte con Bach y Henry Purcell. Händel y Bach también se conmemoran en el calendario de los santos preparado por la Order of Saint Luke para uso de la Iglesia metodista unida.

El cráter de impacto en el planeta Mercurio denominado «cráter Handel» lleva su nombre, así como el piedemonte de hielo Händel, en la costa centro-occidental de la isla Alejandro I, en la Antártida.

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OTRAS CANCIONES PUBLICADAS

Gustave Moreau: El padre del simbolismo (200 años)

Gustave Moreau, figura clave en el arte francés, se erige como un precursor del simbolismo y creador de una estética decadente e irreal. Nacido en París hace 200 años, Moreau revolucionó los estilos pictóricos de finales del siglo XIX, anticipándose al simbolismo, movimiento que oficialmente se proclamaría hasta 1886.

Los 200 años de Gustave Moreau

Su formación académica, influenciada por Théodore Chassériau y Pierre Puvis de Chavannes, se complementó con viajes a Italia, donde estudió a los maestros renacentistas. En 1855, expuso junto a grandes figuras en la Exposición Universal de París. A pesar de obtener reconocimiento, su obra fue tildada de excéntrica, ya que no se ajustaba al canon del momento.

Moreau participó como voluntario en la guerra franco-prusiana y alcanzó gran éxito con su obra "Salomé bailando ante Herodes". En 1891, se convirtió en profesor en la École des Beaux-Arts, influyendo en futuros artistas como Matisse y Rouault. Su arte, entre el romanticismo y el simbolismo, evolucionó hacia la preeminencia del color. Sus últimas acuarelas, cercanas a la abstracción, demuestran una técnica inusual para la época, consolidando su legado como un artista innovador.

Tal como señaló J. K. Huysmans, su maestría en la acuarela le permitió extraer de pigmentos químicos esplendores comparables a gemas y vitrales. Su imaginería, poblada de figuras andróginas, mujeres fatales y seres monstruosos, se manifiesta en obras como La aparición, Júpiter y Sémele y sus evocaciones del arte hindú. Motivos cristianos como la Piedad y San Sebastián también ocuparon un lugar en su producción, destacando su Vía Crucis y La flor mística. Moreau, al rebelarse contra el impresionismo y la realidad burguesa, anticipó la abstracción y la libertad cromática que caracterizarían las vanguardias del siglo XX, consolidándose como un artista visionario cuyo legado perdura en la historia del arte.

La estética decadente (relacionada con el simbolismo) se manifiesta en una mirada artística y filosófica que celebra la belleza en el deterioro, el desmoronamiento de valores y la corrupción moral. Influenciada por el decadentismo del siglo XIX, enfatiza lo sensorial, lo exótico y lo morboso, transformando la decadencia en objeto de admiración estética. Es una reacción contra el positivismo y el realismo, priorizando la subjetividad, el arte por el arte y el culto a lo efímero. Esta estética permea la literatura, el arte visual y la música, donde la fragilidad y el fin simbolizan profundidad emocional y sensualidad intelectual.

Edipo y la esfinge (1864).

5 de abril de 1818: El abrazo de Maipú (la pintura)

"El abrazo de Maipu". Óleo sobre tela pintado en 1909 por Pedro Subercaseaux. El original se encuentra en Exhibición en el Museo Histórico Nacional de la República Argentina.

Esta es una pintura que representa el epílogo de la Batalla de Maipú, el 5 de abril de 1818, en que, sellada la victoria sobre las fuerzas realistas, el general Bernardo O’Higgins y el general San Martín se encuentran en el campo de batalla, y se van abrazar, como gesto de unidad permanente entre Chile y Argentina. En la escena, O’Higgins reconoce como líder vencedor a San Martín y éste alaba a actitud del chileno de ir a la lucha aun estando herido.

Pedro Subercaseaux (1880-1956)

Perteneciente a una influyente familia de inmigrantes franceses y vascos, con fuertes conexiones con la clase política chilena, Pedro Subercaseaux Errázuriz nació en Roma en el año 1880. Producto de los viajes de su padre, el pintor y diplomático Ramón Subercaseaux...

Las ilustraciones de Ben Newman (Ampliado)

 

Ben Newman es un ilustrador inglés que cultiva la temática zombie y mujeres sensuales como fuente de inspiración. Al mirar sus obras nos damos cuenta de ello; al encontrar a sus protagonistas en situaciones comprometedoras y  bastante eróticas.

Descubrí a este artista gracias a una ilustración que realizó referida al clásico cuento infantil Caperucita Roja. Su obra golpea directo a un erotismo digno de esa inocencia perdida. Su trabajo lo ha llevado a colaborar en la revista Front, también tiene a la venta impresiones de sus trabajos. El arte de Ben Newman conjuga perversión, travesura, erotismo y elegancia. El trabajo de este pintor e ilustrador hipnotiza, entre otras cosas, porque cada obra cuenta una historia…

Su pincelada (como se aprecia en el detalle de la imagen bajo estas líneas) es más pictórica que ilustrativa, lo que lo libera de la factura depurada típica de los ilustradores.

El Cristo de San Juan de la Cruz, de Salvador Dalí

Cristo de San Juan de la Cruz (1951)

San Juan de la Cruz, místico y poeta del siglo XVI, vivió su propia transformación espiritual en una noche dedicada a la oración. Durante ese momento de profunda reflexión, experimentó una revelación que lo impactó de tal manera que sintió la necesidad de plasmarla en un dibujo. La imagen que emergió de su experiencia espiritual fue la de un Cristo crucificado, una representación que capturaba la esencia del sufrimiento y la redención, marcando un hito en la tradición mística cristiana.

FUENTE

Siglos más tarde, el icónico surrealista Salvador Dalí se encontró con el humilde dibujo de San Juan de la Cruz y, en ese instante, se vio atravesado por una profunda influencia. En medio de su propia búsqueda mística, Dalí soñó con una interpretación que se alejaba de la iconografía habitual del Cristo. En su visión, Cristo no presentaba heridas ni clavos, sino que era una manifestación pura de la belleza metafísica, un Dios que trasciende el dolor humano.

Dalí, en su obra “Cristo de San Juan de la Cruz”, realizó una ruptura con las representaciones tradicionales de la crucifixión. La figura de Jesús aparece contra un fondo negro, despojándose de todos los signos asociados con la Pasión, lo que brinda al espectador una nueva perspectiva sobre la divinidad. La cabeza de Cristo se inclina hacia abajo, ocultando su rostro y, con ello, despojándolo de la melena típica y de la corona de espinas. Esta elección estética y simbólica parece sugerir que la esencia divina de Cristo va más allá de su sufrimiento físico.

"La pietá", de Ippolito Scalza: Otro que no conocía

Ippolito Scalza (1532-1617) fue un escultor y arquitecto italiano.

Otra vez y gracias a las redes sociales he conocido esta impresionante escultura en mármol. Tampoco conocía al artista lo que demuestra que por ser muchos los creadores a lo largo de la historia nunca alcanzaría a saber de su existencia, o, simplemente, porque no debería ignorar tanta belleza creada por el talento humano. Esta Piedad es inevitable compararla con la de Miguel Ángel.

Ippolito Scalza creció en una familia de artistas, en la que sus hermanos también fueron mosaiquistas, escultores y arquitectos. Aunque no hay excesiva información, sabemos que en 1554 colaboraba en diferentes obras para la catedral de Orvieto. Como arquitecto se encargó de las obras y diseño de la Catedral de Montepulciano, la Iglesia del Crucifijo de Todi y la Iglesia Parroquial de Ficulle. En 1564 realizó el sepulcro Farratini en Amelia, pero su trabajo se centró sobre todo en las capillas laterales de la catedral de Orvierto.

La "Pietá"

De esas obras, destaca especialmente su espectacular "Pietá" realizada entre 1575-79. Con un lenguaje diferente al de Miguel Ángel, es mucho más dramática pero muy interesante por la escenografía, más teatral. Contemplamos justo el  momento en el que Cristo ha sido descendido de la cruz, podemos ver la escala y el tamaño de los clavos y las tenazas con las que éstos se han extraído. La Virgen María mira a su hijo mientras alza la mano y María Magdalena inclina su cabeza para apoyar su rostro en la mano de Cristo. Una emotiva obra llena de fuerza y teatralidad que nos habla de la espectacular calidad técnica de Ippolito Scalza.

El Cristo de Velázquez

 

El "Cristo de San Plácido", pintado por Diego Velázquez.

 

                       

Diego Velázquez es sin duda uno de los pintores más destacados de la historia del arte español, y su obra ha sido objeto de estudio y admiración por generaciones. En particular, el "Cristo de San Plácido" es una de sus obras más emblemáticas y enigmáticas. La simplicidad y la profundidad de esta pintura han intrigado a críticos y espectadores durante siglos, y mi análisis detallado de esta obra buscaba arrojar luz sobre su significado y su impacto en el espectador. En esta semana tan significativa para los cristianos, me parece oportuno compartir nuevamente mis reflexiones sobre esta obra maestra de Velázquez. La manera en que el pintor logra transmitir la serenidad y la humanidad de Cristo a través de una composición tan sencilla es verdaderamente admirable, y creo que es importante seguir reflexionando sobre la relevancia y el poder de esta obra en la historia del arte.

Por Rubén Reveco, editor

Semana Santa

La obra a la que me refiero es "El Cristo Crucificado" de Diego Velázquez, una pintura que ha sido objeto de admiración y estudio por siglos. Su belleza artística y su profundo simbolismo místico la convierten en una pieza única en la historia del arte. Sin embargo, lo que realmente destaca en esta obra es el desnudo masculino que representa, considerado por muchos como el más hermoso jamás pintado. Se dice que Velázquez, en un momento de frustración, arrojó sus pinceles a la cara de Cristo, creando una mancha que luego transformó en la abundante melena que cubre parte de su rostro. Esta anécdota, aunque posiblemente apócrifa, refleja la intensidad y el genio creativo del artista. La combinación de técnica magistral y emotividad en esta obra la convierten en una verdadera joya del arte universal.

Ricardo Maffei: Un viaje por el objeto humilde pero bello.

“Mi pintura no es política ni conceptual, se ciñe estrictamente a la verdad de un pintor actual y realista”, expresa el pintor chileno Ricardo Maffei. Construye un lenguaje personal a partir de objetos que en sí mismos carecen de belleza, que pasan inadvertidos, y en su propuesta adquieren belleza y alcanzan la mirada atenta del observador.

Los objetos representados en las obras de Ricardo Maffei son a menudo separados de su fin  original, y siempre transmiten su verdadera esencia. En estas obras, Maffei ennoblece cada objeto a través de una cultivada sensación de austeridad. Al trabajar con luz natural, el artista consigue reflejar  las sutiles variaciones de la luz que se manifiestan a través del día.

Web del artista