Augusto Ferrer-Dalmau: El pintor de batallas

El género histórico en la pintura tan popular y necesario hasta el siglo XIX, desapareció completamente en el siglo XX. En este siglo XXI aparecen artistas como Augusto Ferrer-Dalmau dispuesto a reivindicarlo.

Entrevista de Luis H. Goldáraz

FUENTE

En algún momento de la historia la guerra dejó de ser pintada, hasta que llegó Augusto Ferrer-Dalmau (Barcelona, 1964). Porque su obra dialoga perfectamente con la de otros artistas enormes, que dejaron constancia de las hazañas de su tiempo y terminaron de consolidar el arte pictórico como la mejor herramienta para representar la historia. Ferrer-Dalmau llegó para rellenar el vacío que dejaron esos gigantes cuando, una vez desaparecidos, nadie vio necesario continuar con su estela.

Para reconocer su trabajo, y viendo en él la percha perfecta para acercar la historia a la gente, el Instituto de Estudios Históricos de la Universidad CEU San Pablo presentó el pasado jueves el documental titulado Augusto Ferrer-Dalmau, pintor de batallas. En el acto estuvo el artista, y también allí concedió una entrevista a este medio, de manera animada. La conversación sucedió como sigue:

P: ¿Cómo es que hagan un documental sobre ti?

Bueno, más que un documental sobre mí, es un documental sobre la pintura y sobre la historia de España. Yo sólo me limito a pintar unos hechos que acontecieron y que son de todos. Entonces, no es un documental sobre mí. Yo soy la herramienta que pinta nuestra historia, nada más.

P: Hombre, pero es indudable que el documental está centrado en tu figura…

Sí… En mi obra… Pero tampoco yo lo veo así, sinceramente. Yo no creo que sea un homenaje, sino más bien un punto de vista divulgativo de la historia, o de las imágenes de la historia de España. Para mí eso es lo bonito. Todo lo que sea difundir la historia de España lo es.

El tranquilo naturalismo de Émile Friant

"La Toussaint" (detalle)

Émile Friant, pintor francés, nacido en Dieuze de 1863, considerado uno de los más representativos artistas naturalistas incluidos en la Escuela de Nancy y autor de la obra que reproducimos "Les amoureux", fechada en 1898.

Émile Friant nació en Dieuze, pero después de la Guerra Franco-Prusiana y la anexión de Alsacia-Lorena al Imperio alemán en 1871, su familia se traslada a la ciudad de Nancy donde se instala. Allí asiste al colegio Loritz antes de ser admitido en la Escuela de Bellas Artes de Nancy, en cuyos salones exhibe sus obras desde la edad de 15 años.

Sus exposiciones en los salones de la escuela de Bellas Artes fueron pronto remarcadas y el artista se ve recompensando por una bolsa de estudios en la Escuela de Bellas Artes de París, allí frecuenta al pintor Alexandre Cabanel del cual se convierte en discípulo.

Émile Friant consigue el segundo Premio de Roma en 1883 por su obra "Edipe maudissant son fils Polynice". En 1889, con ocasión de la exposición universal, recibe la medalla de oro por su pintura "La Toussaint". Su futuro está asegurado y su trabajo por fin reconocido, a partir de este momento le comenzaran a llegar encargos de cuadros desde diferentes partes del mundo.

Françoise de Felice

Françoise de Felice, pintora de ascendencia italiana por su padre y madre francesa, nació en 1952 en París, donde pasó sus primeros 20 años. Su abuela le introdujo en el arte gráfico que había asistido a un taller de la publicidad.

En 1982 dejó Francia y se estableció en Sicilia. El esplendor del barroco siciliano y la luz de la isla le ayudaron a encontrar un estilo propio, alejado del impresionismo francés.

Después de muchas idas y vueltas entre el Mediterráneo y Francia, finalmente se estableció en Bretaña.

Varias historias breves de Moebius

Conocer la obra de este dibujante en los años ´80 significó para mi uno de los eventos más importantes de mi vida artística. Además de su prolífera producción, permitió que el cómic pase de una etapa adolescente (entretención para niños) a una etapa adulta. Después de Moebius, ya nada sería como antes.

Jean Giraud (1938-2012) fue un historietista e ilustrador francés, que se dio a conocer con el seudónimo Gir y el western El Teniente Blueberry en 1964, para luego revolucionar la historieta de ciencia ficción de los años 1970 y principios de los 1980 con el seudónimo de Mœbius y obras como El garaje hermético (1976-1979) o El Incal (1980). Tal fue su fama, que los medios de comunicación de su país llegaron a clasificarlo como compañero de los llamados nuevos filósofos franceses (nouveaux philosophes).

Anatoliy Kalugin: Suave y áspero

No sabemos qué mirar primero de esta pintura de Anatoliy Kalugin (artista ruso), el exquisito trabajo de la sábana con sus pliegues, luces y transparencias o a la modelo que yace de espalda al espectador. 

Me gusta la obra de este artista, pero tengo dudas hasta dónde tiene incidencia la fotografía en sus pinturas. Sea como sea, el resultado me parece muy logrado y sugerente: Una perfecta mezcla entre repuración académica y gesto liberador.

Anatoliy Kalugin nació en 1959. Vive en Moscú, Rusia. Se graduó del Instituto de Arquitectura de Moscú y comenzó a trabajar como artista. Luego se interesó en el procesamiento informático de fotografías para obtener bocetos de sus futuras pinturas. 

Bill Bate: Watercolor Woman

Bill Bate nació en Liverpool en 1962 y es licenciado en Bellas Artes por la Escuela Central de Arte de Londres (ahora conocido como el Central Saint Martins). Su trabajo se centra en la figura humana. Mediante el uso de la luz, los brillos y los reflejos sus pinturas son las respuestas emocionales del cuerpo en movimiento bajo el agua. "Me esfuerzo para escapar de los límites que el realismo puede imponer, logrando más expresión y menos restricción", expresa.

Información del artista

"Mi trabajo se encuentra en un estado de cambio entre la libertad de la pintura expresiva y la disciplina del realismo. Espero que esta lucha produzca algo visualmente llamativo".

Bill Bate es un artista afincado en el Reino Unido que ha expuesto sus obras a nivel nacional, así como en Estados Unidos. Siempre le ha fascinado la figura humana y los efectos de la luz sobre ella.

Brasil: Pintores realistas del siglo XIX

 

Río de Janeiro. 1889

Un rápido recorrido -a modo de introducción- por el arte realista del siglo XIX en Brasil. Como podrán ver, no todo es fútbol, playa y carnaval.

Moema, 1866.

Victor Meirelles

Victor Meirelles (Florianópolis, Santa Catarina 18 de agosto de 1832 - Río de Janeiro 22 de febrero de 1903) fue un pintor y profesor brasileño.

Fue discípulo en la Academia de Bellas Artes de Río de Janeiro, de Félix Taunay. Se dedicó a la pintura de escenas históricas y de batallas. En 1852 obtuvo una pensión de estudio para perfeccionarse en Europa, trabajando en Italia en los estudios de Minardi y Canzoni y en la Escuela de Bellas Artes de París. Al regresar a su patria (1862) fue nombrado profesor de la Academia.

Pintó varios retratos de la emperatriz de Brasil y algunos cuadros de historia (Combate de Riachuelo y Paso del Humaytá). En colaboración con el pintor belga Langerock pintó los panoramas de Río de Janeiro, el descubrimiento del Brasil, el primero de los cuales se expuso en París en 1899. El lienzo La primera misa en Brasil pasa por ser la obra capital del artista.

Los paisajes de Peder Mork Monsted

 

A este artista nunca lo vamos a encontrar en los libros de arte del siglo XX, sin embargo su propuesta simple y bella llega hasta nuestros días con una vigencia tal que hace recordar a los grandes maestros.

El danés Peder Mork Monsted, fue conocido por el espectacular realismo de sus paisajes.

La suya es una visión romántica y poética de la naturaleza; era un artista que representa la grandeza y la monumentalidad del paisaje, con un ojo notable para el detalle y color.

Monsted nació en Balle sur de Grenå en la parte más oriental de la Jutlandia, en el oeste de Dinamarca. Posteriormente se trasladó a Copenhague, donde estudió desde 1875 hasta 1879 en la Academia de Copenhague. Monsted tuvo una larga carrera y viajó por toda Europa, Norte de África y el Medio Oriente.
Gustaba para pintar de sombríos rincones a la orilla de los ríos, arroyos, estanques, placenteros mediodías soleados entre frondosos arbustos y árboles y campos pastorales. La de días apacibles que debió vivir pintando estas maravillas.

Entrevista al pintor argentino Alejandro Rosemberg

 

El pintor Alejandro Rosemberg se refirió, en una entrevista en el suplemento Cultura del diario Los Andes, de Argentina, al escenario actual de las artes plásticas y el lugar que ocupa la belleza. Interpelador y agudo, el artista cordobés indaga sobre el concepto de “arte contemporáneo”. Su testimonio es una clara defensa del oficio como valor intrínseco de la obra de arte.

Por Camila Reveco (Diario Los Andes)

Pintar es pensar 

Alejandro Rosemberg es uno de los pintores más personales y vibrantes de nuestro país. Su propuesta pictórica es simple y contundente: trabaja el realismo; y con su obra la excusa de la realidad se transforma en un lugar plagado de belleza. El artista, de gran dominio técnico, nació en Córdoba hace treinta tres años y se radicó en la ciudad de Buenos Aires hace siete. En su provincia natal obtuvo la licenciatura en artes y más tarde continuo sus estudios de pintura clásica basada en la gran tradición italiana con el maestro Claudio Bogino. 

En sus telas se destacan las series de figuras con paños de color sobre sillones y sus dibujos de retratos en tonos anaranjados. 

Alejandro Rosemberg alimenta una fe inquebrantable en el poder de la pintura y su obra crece como una gran verdad. “La pintura nunca se fue”, dice el artista que en su trabajo concentra lo más potente del realismo. 

En charla con Cultura el pintor su refirió, primero, a su obra y los temas que representa; y en segundo lugar -a partir del actual panorama en el que reinan múltiples tendencias estilísticas- se animó a escarbar en los aspectos más sensibles y espinosos del circuito del arte. 

Es que ser pintor no sólo es agarrar los pinceles, sino también, tener una postura crítica frente a los sucesos que acontecen y nos atraviesan,e implica pensar sobre el mundo en que se vive.  

Nos preguntamos junto a él: ¿Por qué se insiste en hablar de “democratización” en el arte del nuevo milenio, si la inmensa mayoría de pintores que siguen apostando por el realismo no integran el grupo de “artistas contemporáneos”? ¿Qué tan contemporáneos son los contemporáneos del siglo XXI si sus propuestas de ruptura o “vanguardia” son las mismas de hace cien años atrás? 

Alejandro Rosemberg: un pintor “de corte racional y analítico.