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miércoles, 14 de octubre de 2026

Cuatro obras (mías) sobre Santiago de Chile

 

"La niña que sonríe". Dibujo sobre cartulina. 

Representar a la ciudad que se habita es un atractivo muy importante para cualquier artista plástico.


Representar la ciudad que se habita es un atractivo muy importante para cualquier artista plástico. Este acto no solo implica la plasmación de elementos visuales, sino que se convierte en un diálogo profundo entre el creador y su entorno. La ciudad, con su pulso, sus texturas, sus luces y sus sombras, ofrece un lienzo inagotable de inspiración.



Por Rubén Reveco - Editor

Para el artista, la urbe se transforma en una extensión de su propia identidad, un reflejo de vivencias y percepciones. Cada calle, cada edificio, cada rincón, puede ser interpretado y reinterpretado a través de la subjetividad del pincel, el lápiz o la cámara. Esta representación va más allá de la mera mímesis; busca capturar la esencia, el alma del lugar, revelando aspectos que a menudo pasan desapercibidos en la rutina diaria.

Asimismo, al representar su ciudad, el artista se erige como un cronista visual, un intérprete de la memoria colectiva. Su obra puede documentar cambios, preservar la historia o proyectar visiones de futuro. Se convierte en un puente entre el pasado y el presente, entre lo tangible y lo intangible. En este sentido, la representación artística de la ciudad no es solo un acto estético, sino también un compromiso social y cultural que enriquece tanto al creador como a la comunidad que lo observa."



Realicé este dibujo en 1984 cuando intentaba ser un artista hiperrealista. Cometí un gran error al pensar que solo era cuestión de tiempo lograrlo.
En ese momento, descubrí la admiración por el trabajo de estos artistas, que va más allá de la habilidad técnica. Requiere una gran fuerza espiritual y dedicación. Además, es fundamental encontrar un tema que te inspire o darle tu propio estilo al tema. Es importante no dejarse llevar por los elogios del tipo "¡parece una foto!", ya que no siempre son positivos para un hiperrealista, ni tampoco críticas. Por último, es necesario enfrentarse a quienes cuestionan si tu obra refleja el espíritu de la época, si es válido invertir meses en un dibujo, si es anacrónico, entre otros aspectos. Ser un artista hiperrealista no está al alcance de cualquiera, por eso son tan escasos.

martes, 13 de octubre de 2026

Nick Alm: Sociales de gente linda

"Escena de café / Cafe Scene", óleo sobre lienzo.

Nick Alm es un reconocido pintor sueco nacido en 1985, que vive y trabaja en Estocolmo.

Cuenta que dibuja desde que tiene memoria, y que una visita al Museo de Goteburgo tuvo un gran impacto sobre él, lo que le animó a comenzar a pintar al óleo.

Nick entró en la Academia de Arte de Florencia en 2007, donde también ocupó un puesto como asistente de enseñanza. Después de graduarse en 2010, recibió una beca para unirse a la Hermandad del Río Hudson. Al año siguiente estudió con Odd Nerdrum en Noruega y Francia antes de regresar a Suecia.


FUENTE

Después de su instrucción formal pintando estrictamente del natural, empezó a utilizar otras fuentes para crear sus composiciones (fotografías de referencia, su imaginación, experimentos en photoshop). Nick comenta este proceso: "Fue gradual. Era problemático depender siempre de modelos del natural. No sentía que era necesario trabajar siempre a partir del natural, ya que a menudo me desviaba bastante de la naturaleza. Trabajar con fotos y la imaginación reduce mucho el estrés, pero tiene sus pros y sus contras, ya que el estrés tiene el beneficio de hacerte más eficiente".

«El proceso creativo varía, pero principalmente involucra pequeños bosquejos en miniatura con lápiz y papel, y experimentos en photoshop.

La primera visión es una gran inyección de dopamina, y ver la imagen cobrar vida tiene algo de magia. Sin embargo, rara vez es un paseo por el parque. A menudo me quedo atascado con la composición, sin saber cómo resolver el problema. Sin embargo, es peor descubrir un problema una vez que el cuadro ya está pintado."
«La inspiración puede venir de libros, películas y otros artistas, o los motivos aparecen en el entorno inmediato: la luz, un incidente, un gesto expresivo. Sin embargo, la inspiración es a menudo un proceso subconsciente que es difícil señalar. Todos llevamos un banco de memoria que trabaja constantemente bajo el radar y nos proporciona ideas extrañas. No hay ideas que simplemente ande esperando, pero la mejor manera es tomar el bolígrafo y empezar a bocetar. El carácter indefinido y abstracto del bosquejo de la idea deja un gran margen para las asociaciones, y por lo tanto, las nuevas ideas suelen surgir en esta etapa.»


Nick con su obra "Escena de café"

sábado, 10 de octubre de 2026

Adrian Gottlieb: El desnudo de hoy (y otras pinturas)



Este es un pintor de Estados Unidos que se destaca por el dibujo y la factura impecable de sus obras. Pinta -además de desnudos- retratos y paisajes con igual maestría. Este es un tema con un tinte oriental típico del romanticismo. Ella fuma adormecida mientras un baño de luz recorre por su espalda y caderas. El artista no tiene dudas sobre como resaltar una de las partes más sensuales de su cuerpo.




The title, Flight, is meant to describe the freedom the painting inspires. Pure fantasy, Flight creates a dreamscape in which to indulge and delight one’s imagination. The viewer is transported to a psychological landscape, where lush textures and soft light are at play. One’s mind is set free to wander through this highly sensuous piece. (Web)


viernes, 9 de octubre de 2026

Susana Salinas: "Ser mujer en el arte no es un camino sencillo"

 





Dueña de un dialogo artístico íntimo donde predomina la visión de lo interior y de la psique, la joven artista mexicana nos evidencia en  esta entrevista el carácter y la búsqueda de su trabajo pictórico; una verdadera oda a la femeneidad: “Me resultan muy atractivas e interesantes las contradicciones de mi yo femenino”, confiesa.



Por Abigail Huerta
ahuerta@revistaophelia.com


Zacatecas, situada justo en el corazón de México, es una ciudad de establecida referencia artística en el país Azteca, llamada cuna natural de artistas; y ha sido  hogar, academia y taller para  Susana Salinas quién, nacida en Querétaro en 1982 se traslada junto a su familia con sólo tres años a este lugar en el que vive y trabaja.
Los ocres, rojos y óxidos han llegado a ser en muchos casos una manifestación reiterada en la paleta de pintores y pintoras de la mencionada región; y Salinas no escapa a esta tendencia: “Mi paleta me elige por lo regular a mí, no hago más que traducir en colores lo que veo en la naturaleza, en mi cotidiano, una tierra colorada y un sin fin de azules que este cielo me permite experimentar”.

Nuestra pintora aborda las circunstancias de la femeneidad en una narrativa emocional de evidente gusto por la  fantasía; pasan a develar sus composiciones elementos figurativos como aves, mujeres y plantas, y también hay espacios de vacío y  objetos físicos de recurrente representación surrealista, tales como hilos, jaulas o ramas. Objetos que tienen una significación más allá del plano material, convirtiéndose su obra, en una verdadera metáfora donde conviven escenas de ensueño y reflexión, angustia e incluso temor.

Nos dice congeniar con el trabajo de realistas contemporáneos como el mexicano  Edgar Noe Mendoza (Durango, 1967)  y a su vez, con expresionistas de lo bello y lo perturbador como Mónica Cook (Georgia, 1974), entre otros. Susana Salinas es una pintora que asume sus influencias, explora a su vez un sello propio, y sabe asumir riesgos: “Creo que el arte está en un constante movimiento, me gusta ir de su mano, probar, arriesgarme…  volver a los espacios de confort y luego desbaratar de nueva cuenta”.
Se trata de una artista que está en constante movimiento y contacto con su entorno, una mujer inquieta e interpeladora de su realidad que mimetiza y recoge en su obra multiplicidad de técnicas; participa e incursiona en diferentes actividades decorativas y manuales sin dejar de ser creadora de las llamadas artes menores. Logra, en cada situación,  cederle otro carácter a su mundo expresándolo de manera subjetiva.
Mencionó la reconocida crítica de arte Avelina Lésper, con motivo de una muestra de la joven artista: “Esta exposición es un reflejo imposible y verdadero de la femineidad, reúne la metáfora en la que las mujeres habitamos, y es la visión sincera y rebelde de Susana la que le da vida”.  Y es cierto.

miércoles, 7 de octubre de 2026

Humanos vs IA ¿Quién es quién en la ilustración de fantasía?

 


Cada día hay más y mejores. Y si bien los dispositivos tecnológicos se perfeccionan y se superan, muchos ilustradores buscan que sus trabajos tengan un toque pictórico que los "humanice" un poco. ¿Ahora bien, estamos hablando de una obra realizada por un humano o por una máquina?¡Miren ustedes!



La IA ha demostrado ser una herramienta valiosa para los artistas que buscan nuevas formas de expresión y exploración creativa. Desde la producción de arte generado por algoritmos hasta la interacción entre humanos y robots, la IA se ha posicionado como una herramienta para abrir nuevos caminos en el mundo del arte.


martes, 6 de octubre de 2026

Mujeres: Historia, pintura e instrumentos




Stephen Gjertson


La mujer ha sido la principal fuente de información y transmisión de la tradición oral musical desde los tiempos más antiguos. Pero también desde la antigüedad se tienen noticias de mujeres intérpretes que componen sus danzas y cantan.


La música como liberación femenina

Aunque la música ha formado parte de la condición humana desde los tiempos del hombre primitivo, y así se constata en algunas pinturas rupestres, y se reconoce a la mujer, mayoritariamente, como la transmisora oral por excelencia de la música y las canciones, no sería hasta los siglos XVI al XVIII que la enseñanza de la música supondría una ayuda para la mujer, independientemente de su condición social.
A las chicas de familias humildes que tuvieran cierta disposición para la música y la danza les servía para que pudieran labrarse un futuro. Además, en España hay constancia de que en algunos hospitales y los centros de beneficencia se enseñaban los principios de canto llano y canto de órgano con lo que muchas muchachas pobres o huérfanas podían tener la oportunidad de ejercer de maestras de música en conventos, y tener su correspondiente sueldo, o convertirse en cantantes y actrices ambulantes. 
Las mujeres de las clases altas también recibían educación musical para un buen matrimonio. Además, muchas de estas mujeres de la nobleza y la alta burguesía contribuyeron en esta época a la divulgación de la música, e influyendo en los gustos musicales de su entorno, mediante las tertulias musicales que organizaban en sus casas.

domingo, 4 de octubre de 2026

Las delicadas sugerencias de John William Godward

 


John William Godward fue un pintor inglés difícil de catalogar. Algunos lo consideran un prerrafaelista, otros un neoclásico tardío y otros un clásico victoriano. Nació en 1861 y murió en 1922. Fue testigo de las profundas transformaciones de estilos en el arte, tanto que al decidir morir a los 61 años, expresó que "el mundo no era bastante grande para él y un Picasso".
En todos los rostros de las mujeres que pintó existe una moderada expresión de tristeza.


VER TAMBIÉN:


Prefiero a John William Godward que a Pablo Picasso

Por Rubén Reveco - Editor

Optar por Godward frente a Picasso es preferir la belleza serena, el detalle minucioso y el dominio técnico del clasicismo sobre la ruptura, la abstracción y la deconstrucción del arte moderno.

Hay varias razones por las que la obra de Godward resulta tan cautivadora en comparación con la vanguardia de Picasso:

  • La maestría en las texturas: Godward tenía una habilidad prodigiosa (casi hipnótica) para pintar superficies. El peso visual del mármol frío, el brillo del bronce y la transparencia de las telas de seda o chifón en sus figuras femeninas logran una sensación táctil que pocos pintores alcanzaron.

  • Serenidad vs. agitación: Mientras que Picasso buscaba provocar, romper esquemas y reflejar el caos y la tensión del siglo XX, Godward construyó un refugio de calma, armonía y nostalgia por un mundo Greco-Romano idealizado.

  • La melancholy en la mirada: A diferencia de la sensualidad alegre o idealizada de otros neoclasicistas, las mujeres de Godward suelen tener una expresión contemplativa, reservada y con un matiz de melancolía que le da mucha profundidad a sus cuadros.

Resulta irónico y poético que la célebre frase atribuida a Godward antes de quitarse la vida —"el mundo no es lo suficientemente grande para mí y para Picasso"— sintetice justamente el fin de una era en el arte: el choque entre la devoción por la belleza clásica tradicional y el arrollador avance de la modernidad.


sábado, 3 de octubre de 2026

Lady Death ilustrada por Juan José Ryp

 



Lady Death ha pasado en su historia por varias editoriales. Esta malvada y sádica diosa fue creada por Brian Pulido en 1991, publicado por Eternity Comics. Aquí les presentamos algunas miniseries y apariciones compartidas.



La Lady Death original era la villana del cómic en cuestión, que se le aparecía a un niño llamado Ernest Fairchild en medio de alucinaciones, prometiéndole amor eterno.
Pero este concepto cambió, cuando el personaje se convirtió en principal de un título “regular”: Hope, una chica que vive en la Suecia medieval, es hija de Matthias, un aristócrata que forzaba a los campesinos a prestarle servicios de armas como pago de sus impuestos, y que, secretamente, es descendiente de los ángeles caídos que se rebelaron contra Dios.
Por el contrario, su madre es un espíritu puro cuyos lazos de sangre la enlazan con el cielo. Ésta muere siendo Hope una jovencita, teniendo que vivir con su padre, ignorando su ambígua ascendencia.
La crueldad de éste desencadenó una sublevación de campesino, que acabó con Mathias huido y Hope capturada y acusada de brujería. Ya al borde de ser quemada en la hoguera, Hope invoca un encantamiento, que oyó por casualidad a su padre, por el que convocó a un demonio que le ofrece salvación a cambio de servir a los poderes del infierno. Ella acepta y es transportada al reino infernal.
Una vez allí, se ve envuelta en una guerra civil entre Lucifer y demonios renegados capitaneados por un hechicero que resulta ser su propio padre.


Lady Death es una antihéroe sobrenatural que empuña una espada y lucha contra el mal. Originalmente, era Hope, una adolescente engañada por demonios que cambió su mortalidad por la vida eterna en el Infierno. Para asegurar su supervivencia, recurre a la oscuridad que reside en su interior y comienza su transformación en Lady Death.



VER TAMBIÉN:

Juan José Ryp (nacido en Algeciras, España, en 1971) es un dibujante e ilustrador de cómics reconocido internacionalmente por su estilo hiperdetallado, recargado y dinámico, a menudo comparado con autores como Geof Darrow o Moebius por su nivel de densidad en cada viñeta.

Trayectoria y Trabajos Destacados

  • Inicios y Mercado Independiente: Tras iniciarse en el cómic underground español y en revistas eróticas y de fantasía (donde ilustró personajes como Lady Death para Chaos! Comics / Avatar Press), dio el salto al mercado estadounidense a comienzos de los años 2000 a través de la editorial Avatar Press.

  • Colaboraciones de Renombre: En Avatar Press se convirtió en un artista clave, ilustrando adaptaciones de guiones de leyendas del cómic como:

  • Marvel, DC y Valiant: Posteriormente dio el salto a las grandes editoriales norteamericanas:

    • Marvel Comics: Ha trabajado en títulos como Wolverine, Ghost Rider, Moon Knight, The Punisher, X-Men: Blood Hunt y variadas portadas alternativas.

    • Valiant Entertainment: Fue un pilar fundamental en la etapa moderna de la editorial, dibujando series emblemáticas como BRDK, X-O Manowar, Ninjak y Britannia.

    • DC Comics: Ha colaborado en diversos proyectos especiales y portadas para títulos del universo DC.

Estilo Característico

  • Barroquismo y Nivel de Detalle: Sus viñetas destacan por no dejar apenas espacios en blanco; diseña con precisión meticulosa armaduras, pliegues de ropa, texturas, tecnología futurista y escenarios urbanos.

  • Acción y Violencia Visceral: Es un especialista en secuencias de acción coreografiadas al detalle, con gran manejo de la anatomía, el movimiento y el impacto visual explícito. (Gemini)


viernes, 2 de octubre de 2026

Johnny Depp, el pintor



El actor (y ahora pintor) regresa a la esfera pública con la exhibición “Amigos y Héroes”, en la galería británica Castle Fine Art.


Luego de su escandaloso divorcio de la actriz Amber Heard, Johnny Depp volvió a inaugurar una exposición de su autoría con retratos de personajes famosos que se puede ver por estos días en la galería británica Castle Fine Art. El envión para esta nueva presentación su el éxito que tuvo el año pasado donde logró recaudar tres millones de euros por sus cuadros en su debut como artista plástico.

Amigos y Héroes se titula, otra vez, la nueva producción de obras del actor de Piratas del Caribe. Se trata de una edición limitada en la que esta vez decidió personificar a figuras fallecidas como el cantante rastafari Bob Marley, los actores River Phoenix y Heath Ledger, así como el escritor Hunter S. Thompson, autor de Pánico y locura en Las Vegas, luego adaptado a la gran pantalla con interpretación del propio Johnny Depp.



Los precios de las obras oscilan entre los 5.000 y 18.000 dólares aproximadamente. La mayoría de estas ediciones ya se agotaron según anunció la galería Castle Fine Art en su página web que había catalogado a la primera exposición del actor como “la más vendida hasta la fecha”. “¡Se agotó en horas! Hubo tanto interés en el debut artístico de Johnny que colapsó nuestra página web”, decían en aquel entonces desde la galería.

A partir de referencias fotográficas, cada imagen se redujo a un retrato más sencillo e icónico del tema, que el intérprete de El joven manos de tijera desarrolló y dinamizó con sus característicos toques a mano alzada. En estas obras, por ejemplo, Depp retrata a River Phoenix con la belleza de un rompecorazones adolescente y una cálida mirada mientras que al cantante jamaiquino lo muestra como un soñador, un hombre profundamente sincero, bendecido con los ojos de un profeta.



“Me emociona que la gente quiera mirar un poco más allá de mi trabajo diario, por así decirlo, investigando algunas de las imágenes que me interesan”, dijo el protagonista de Charlie y la fábrica de chocolate sobre el éxito de su exhibición, una entrevista con la galería, publicada en la web de Castle Fine Art.

El actor comentó: “Me gustaría ver a estas cuatro personas juntas. Sería fascinante. Absolutamente todas las leyendas. La temprana desaparición de Heath, la temprana desaparición de River, son tragedias. No tuvieron tiempo suficiente en esta tierra, pero en el tiempo que tuvieron, sin duda sembraron su individualidad, su singularidad. Así que dijeron mucho en sus cortas vidas”.

A su vez, Depp repartió elogios también para el escritor Hunter S. Thompson, icono del periodismo gonzo, corresponsal político para la Rolling Stone, y otro tanto para el legendario músico Bob Marley “quien siempre vivirá a través de su música”.

La primera muestra de Johnny Depp, también llamada Amigos y Héroes, incluía retratos de Keith Richards, Bob Dylan, Elizabeth Taylor y Al Pacino: “Tenía muchas ganas de volver a intentarlo con otros amigos y héroes. Simplemente para poder dar las gracias a toda esa gente por haber estado en mi vida, haber formado parte de mi vida o haberme afectado en la medida en que lo han hecho”, desgranó el actor en el video publicado en la web de la galería.



Además de actor, pintor, es músico. Multifacético, el hombre.

FUENTE:






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