Apeles: Zapatero a tus zapatos

Un zapatero le indica a Apeles un error de diseño de una sandalia pintada por el artista. Apeles fue uno de los más queridos y afamados pintores de la Edad Antigua. Nació en Colofón, en el año 352 a. C.; y falleció en Cos el 308 a. C.

 Se cuenta de Apeles que era bastante receptivo y abierto a la crítica constructiva. Según recoge Plinio el Viejo,​ en una ocasión un zapatero se dio cuenta de un error cometido por el pintor en los zapatos de una figura de un cuadro y lo criticó. Apeles corrigió el error de inmediato. Envanecido el zapatero, hizo otra observación sobre las piernas, a lo que el artista contestó: «Ne supra crepidam sutor judicaret», es decir «El zapatero no debe juzgar más arriba de las sandalias», frase que ha quedado reducida al dicho español: «Zapatero, a tus zapatos».

Pintura mural de Pompeya donde se cree que se representa la Venus Anadiomena del pintor Apeles.

Se pensó, basándose en los escritos de Ovidio y de Plinio el Viejo,​ que habría nacido en Cos el año 352 a. C., aunque según Estrabón era de Éfeso​ y, según la Suda, habría nacido en Colofón. Fue discípulo del artista Pánfilo de Anfípolis, en Sición. Apeles fue el pintor elegido por Alejandro Magno para perpetuar su imagen. Alejandro era consciente del poder de propaganda que puede tener el arte y supo muy bien controlar la reproducción de su efigie, cuya realización sólo autorizó a tres artistas: un escultor, un orfebre y un pintor. Los biógrafos de Alejandro cuentan que este tenía en gran aprecio al pintor, y que visitaba con frecuencia su taller y se sometía a sus exigencias.

Alejandro el Grande visita a Apeles mientras está pintando a Campaspe. Cuadro de Giambattista Tiepolo.

La dama del tren

Cada mes recibo un resumen por correo de los contenidos de Selecciones el Readers Digest. En la edición de febrero, encontré este relato completo escrito por la autora holandesa Rima Datta.

En un viaje a lo largo de la campiña austríaca, hicimos una conexión extraordinaria. Ella se sube al tren en Salzburgo. Al tiempo que este sale de la estación, la veo parada en el pasillo afuera de mi compartimiento. Una mujer de cuarenta y tantos años, elegantemente vestida con un saco de gamuza color durazno y una falda larga de seda negra. La miro con el rabillo del ojo, deseando que halle asiento en otro sitio.

Pero se detiene, mira de un lado a otro del corredor, sin decidirse. Después, asoma la cabeza por la puerta y pregunta con vacilación, si los otros cinco asientos están ocupados. Están desocupados. Excepto en el que tengo subidos mis pies. Empiezo a bajarlos, pensando que en este país ¡uy! tan formal, no es muy propio poner mis pies descalzos en un asiento vacío.

Cuatro obras (mías) sobre Santiago de Chile

 

"La niña que sonríe". Dibujo sobre cartulina. 

Representar a la ciudad que se habita es un atractivo muy importante para cualquier artista plástico.

Representar la ciudad que se habita es un atractivo muy importante para cualquier artista plástico. Este acto no solo implica la plasmación de elementos visuales, sino que se convierte en un diálogo profundo entre el creador y su entorno. La ciudad, con su pulso, sus texturas, sus luces y sus sombras, ofrece un lienzo inagotable de inspiración.

Por Rubén Reveco - Editor

Para el artista, la urbe se transforma en una extensión de su propia identidad, un reflejo de vivencias y percepciones. Cada calle, cada edificio, cada rincón, puede ser interpretado y reinterpretado a través de la subjetividad del pincel, el lápiz o la cámara. Esta representación va más allá de la mera mímesis; busca capturar la esencia, el alma del lugar, revelando aspectos que a menudo pasan desapercibidos en la rutina diaria.

Asimismo, al representar su ciudad, el artista se erige como un cronista visual, un intérprete de la memoria colectiva. Su obra puede documentar cambios, preservar la historia o proyectar visiones de futuro. Se convierte en un puente entre el pasado y el presente, entre lo tangible y lo intangible. En este sentido, la representación artística de la ciudad no es solo un acto estético, sino también un compromiso social y cultural que enriquece tanto al creador como a la comunidad que lo observa."

Torres de San Borja

Realicé este dibujo en 1984 cuando intentaba ser un artista hiperrealista. Cometí un gran error al pensar que solo era cuestión de tiempo lograrlo.

En ese momento, descubrí la admiración por el trabajo de estos artistas, que va más allá de la habilidad técnica. Requiere una gran fuerza espiritual y dedicación. Además, es fundamental encontrar un tema que te inspire o darle tu propio estilo al tema. Es importante no dejarse llevar por los elogios del tipo "¡parece una foto!", ya que no siempre son positivos para un hiperrealista, ni tampoco críticas. Por último, es necesario enfrentarse a quienes cuestionan si tu obra refleja el espíritu de la época, si es válido invertir meses en un dibujo, si es anacrónico, entre otros aspectos. Ser un artista hiperrealista no está al alcance de cualquiera, por eso son tan escasos.

Nick Alm: Sociales de gente linda

"Escena de café / Cafe Scene", óleo sobre lienzo.

Nick Alm es un reconocido pintor sueco nacido en 1985, que vive y trabaja en Estocolmo.

Cuenta que dibuja desde que tiene memoria, y que una visita al Museo de Goteburgo tuvo un gran impacto sobre él, lo que le animó a comenzar a pintar al óleo.

Nick entró en la Academia de Arte de Florencia en 2007, donde también ocupó un puesto como asistente de enseñanza. Después de graduarse en 2010, recibió una beca para unirse a la Hermandad del Río Hudson. Al año siguiente estudió con Odd Nerdrum en Noruega y Francia antes de regresar a Suecia.

FUENTE

Después de su instrucción formal pintando estrictamente del natural, empezó a utilizar otras fuentes para crear sus composiciones (fotografías de referencia, su imaginación, experimentos en photoshop). Nick comenta este proceso: "Fue gradual. Era problemático depender siempre de modelos del natural. No sentía que era necesario trabajar siempre a partir del natural, ya que a menudo me desviaba bastante de la naturaleza. Trabajar con fotos y la imaginación reduce mucho el estrés, pero tiene sus pros y sus contras, ya que el estrés tiene el beneficio de hacerte más eficiente".

«El proceso creativo varía, pero principalmente involucra pequeños bosquejos en miniatura con lápiz y papel, y experimentos en photoshop.

La primera visión es una gran inyección de dopamina, y ver la imagen cobrar vida tiene algo de magia. Sin embargo, rara vez es un paseo por el parque. A menudo me quedo atascado con la composición, sin saber cómo resolver el problema. Sin embargo, es peor descubrir un problema una vez que el cuadro ya está pintado."

«La inspiración puede venir de libros, películas y otros artistas, o los motivos aparecen en el entorno inmediato: la luz, un incidente, un gesto expresivo. Sin embargo, la inspiración es a menudo un proceso subconsciente que es difícil señalar. Todos llevamos un banco de memoria que trabaja constantemente bajo el radar y nos proporciona ideas extrañas. No hay ideas que simplemente ande esperando, pero la mejor manera es tomar el bolígrafo y empezar a bocetar. El carácter indefinido y abstracto del bosquejo de la idea deja un gran margen para las asociaciones, y por lo tanto, las nuevas ideas suelen surgir en esta etapa.»

Nick con su obra "Escena de café"

Homenaje al primer músico

Con los dibujos de Themo Lobos ilustramos esta historia-ficción. ¡Gracias maestro!

La música es una de las manifestaciones más hermosas del arte. A pesar de ser abstracta en todas sus formas, tiene la característica de ser masiva y popular, ya que el sonido, tanto para el hombre antiguo como para el moderno, genera sensaciones asociada con lo intangible.
Asegurar como nació la música puede resultar aventurado, pero sugiriendo las prioridades del hombre de la prehistoria -hace 50.000 años- he especulado sobre el primer músico, a antes que eso, el primer compás que dio forma a esta maravillosa expresión artística.

Por Rubén Reveco - Editor

-A los 5 años chillaba como un cerdo condenado a muerte. Sus pulmones eran tan potentes que los que estaban cerca cambiaban repentinamente de humor y se alejaban refunfuñando. Con los golpes que le daba su madre no hacía más que acrecentar su insoportable espasmo gutural.

Johnny Depp, el pintor

El actor (y ahora pintor) regresa a la esfera pública con la exhibición “Amigos y Héroes”, en la galería británica Castle Fine Art.

Luego de su escandaloso divorcio de la actriz Amber Heard, Johnny Depp volvió a inaugurar una exposición de su autoría con retratos de personajes famosos que se puede ver por estos días en la galería británica Castle Fine Art. El envión para esta nueva presentación su el éxito que tuvo el año pasado donde logró recaudar tres millones de euros por sus cuadros en su debut como artista plástico.

Amigos y Héroes se titula, otra vez, la nueva producción de obras del actor de Piratas del Caribe. Se trata de una edición limitada en la que esta vez decidió personificar a figuras fallecidas como el cantante rastafari Bob Marley, los actores River Phoenix y Heath Ledger, así como el escritor Hunter S. Thompson, autor de Pánico y locura en Las Vegas, luego adaptado a la gran pantalla con interpretación del propio Johnny Depp.

Los precios de las obras oscilan entre los 5.000 y 18.000 dólares aproximadamente. La mayoría de estas ediciones ya se agotaron según anunció la galería Castle Fine Art en su página web que había catalogado a la primera exposición del actor como “la más vendida hasta la fecha”. “¡Se agotó en horas! Hubo tanto interés en el debut artístico de Johnny que colapsó nuestra página web”, decían en aquel entonces desde la galería.

A partir de referencias fotográficas, cada imagen se redujo a un retrato más sencillo e icónico del tema, que el intérprete de El joven manos de tijera desarrolló y dinamizó con sus característicos toques a mano alzada. En estas obras, por ejemplo, Depp retrata a River Phoenix con la belleza de un rompecorazones adolescente y una cálida mirada mientras que al cantante jamaiquino lo muestra como un soñador, un hombre profundamente sincero, bendecido con los ojos de un profeta.

“Me emociona que la gente quiera mirar un poco más allá de mi trabajo diario, por así decirlo, investigando algunas de las imágenes que me interesan”, dijo el protagonista de Charlie y la fábrica de chocolate sobre el éxito de su exhibición, una entrevista con la galería, publicada en la web de Castle Fine Art.

El actor comentó: “Me gustaría ver a estas cuatro personas juntas. Sería fascinante. Absolutamente todas las leyendas. La temprana desaparición de Heath, la temprana desaparición de River, son tragedias. No tuvieron tiempo suficiente en esta tierra, pero en el tiempo que tuvieron, sin duda sembraron su individualidad, su singularidad. Así que dijeron mucho en sus cortas vidas”.

A su vez, Depp repartió elogios también para el escritor Hunter S. Thompson, icono del periodismo gonzo, corresponsal político para la Rolling Stone, y otro tanto para el legendario músico Bob Marley “quien siempre vivirá a través de su música”.

La primera muestra de Johnny Depp, también llamada Amigos y Héroes, incluía retratos de Keith Richards, Bob Dylan, Elizabeth Taylor y Al Pacino: “Tenía muchas ganas de volver a intentarlo con otros amigos y héroes. Simplemente para poder dar las gracias a toda esa gente por haber estado en mi vida, haber formado parte de mi vida o haberme afectado en la medida en que lo han hecho”, desgranó el actor en el video publicado en la web de la galería.

Además de actor, pintor, es músico. Multifacético, el hombre.

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El Príncipe de las tinieblas

El Príncipe de las Tinieblas es una de esas obras que te sorprenden, especialmente a quienes no conozcan el trabajo de Igor Kordey y Jean Pierre Pecau.

Por José Ramón Alvarez García

Estamos ante una obra atractiva, primero por los autores, de los cuales ya hemos reseñado obras como Imperio o Marshall Bass y en segundo lugar, por lo atractivo de la temática, y es que estamos hablando de un punto de inflexión en la historia contemporánea, como fue el atentado de las Torres Gemelas.

El contexto

Siempre es aconsejable contextualizar lo que leemos, en este caso, es relativamente sencillo, pero conviene advertir que El Príncipe de las Tinieblas está originalmente publicado dentro de la colección francesa Le Jour.

Estamos ante una serie de álbumes creados por Jean Pierre Pécau, Fred Duval y Fred Blanchar en donde se nos plantean situaciones alternativas a la realidad histórica que conocemos.

Dentro de esta serie tenemos situaciones del tipo de si Colon hubiera descubierto América para el mundo árabe, Kennedy no hubiese ganado las elecciones, o situaciones alternativas a los hechos acontecidos en la II Guerra Mundial.

Podríamos imaginar una Francia liberada por los rusos, o unos acontecimientos enmarcados en la Guerra Fría como que los rusos hubiesen llegado antes a la luna.

Todo esto da un sinfín de posibilidades a los guionistas. Resumiendo, estamos ante un What if .. ? a la europea pero en mi humilde opinión mejor logrado, ya que la documentación es impresionante y las tramas están muy bien hiladas.

Mi profesor de pintura preferido

 

En la vida hay personas que influyen de una manera casi imperceptible, pero dejan huellas y de esa forma te marcan un rumbo.

Por Rubén Reveco - Editor

Entre 1976 y 1978 estudie en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Cuyo (Mendoza, Argentina) y tuve como profesor de pintura a un croata llamado Zdravko Ducmelic (1923-1989). Recuerdo que nos burlábamos un poco por su castellano trabado y por momentos incomprensible y, en especial, por la pasión incondicional que sentía por Jorge Luis Borges. En una oportunidad un compañero de facultad le hizo una caricatura que en la remera decía “Yo amo a Borges”.

La caída de los ángeles rebeldes

 

"La caída de los Ángeles Rebeldes": Una proeza escultórica inigualable

La escultura "La caída de los ángeles rebeldes", atribuida a Agostino Fasolato o Francesco Bertos y creada alrededor de 1750, representa un hito técnico sin precedentes en la historia del arte. Su singularidad radica en haber sido esculpida a partir de un único bloque de mármol de Carrara, del cual emergen sesenta figuras intrincadamente entrelazadas en una composición piramidal de 168 centímetros de altura. Esta obra desafió las limitaciones físicas y la resistencia de los materiales de su época, evidenciando una maestría técnica excepcional.

El proceso de creación de esta escultura es un testimonio de la planificación meticulosa y la habilidad del artista. Inicialmente, se elaboraron modelos tridimensionales exactos a escala real en cera o arcilla. Esta etapa fue crucial, ya que cualquier error de cálculo geométrico en una composición tan compleja habría comprometido la integridad de la obra, llevando a la fractura de las delicadas extremidades de los ángeles bajo el propio peso del mármol.

La técnica de vaciado empleada fue particularmente innovadora. Para crear los profundos huecos y los espacios negativos entre las sesenta figuras, el escultor no utilizó cinceles comunes de forma inmediata. En su lugar, se recurrió intensivamente al taladro de arco manual. Mediante esta herramienta, se perforaron decenas de agujeros profundos y estrechos en el bloque de mármol, lo que permitía debilitar el material interno sin inducir vibraciones peligrosas que pudieran fracturar las figuras. Una vez debilitada la sección, el material sobrante se retiraba con sumo cuidado.

Finalmente, para dar forma a los detalles internos, se emplearon cinceles curvos modificados y limas largas. El artista trabajaba prácticamente "a ciegas" o a través de pequeñas aberturas, esculpiendo los músculos, los rostros caóticos y las garras de los demonios en las zonas más recónditas del bloque. Esta aproximación demandaba una visión espacial y una destreza manual extraordinarias, convirtiendo a "La caída de los ángeles rebeldes" en una de las mayores hazañas técnicas y artísticas de todos los tiempos.

VER TAMBIÉN:

Ángeles en problemas

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