Los robots no tienen derecho de autor en USA

La Justicia de EEUU dictaminó que el arte creado por IA no tiene derechos de autor El dictamen de la jueza federal Beryl Howell subraya que “la autoría humana es un requisito fundamental” para el copyright.

 

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En una sentencia que podría tener implicaciones significativas para la industria del entretenimiento y el floreciente campo de la inteligencia artificial (IA), la jueza federal Beryl Howell del Distrito de Columbia ha confirmado la postura de la Oficina de Derechos de Autor de EEUU de que las obras creadas con IA no pueden acogerse a la protección de los derechos de autor.

Thaler, director ejecutivo de la empresa de redes neuronales Imagination Engines, solicitó registrar un sistema de IA -la Máquina de Creatividad- como único creador de una obra de arte titulada “Una entrada reciente al paraíso”. Luego de que la Oficina de Derechos de Autor de EEUU denegara la solicitud, afirmando que la conexión entre la mente humana y la expresión creativa es un elemento vital de protección, Thaler interpuso una demanda, impugnando la denegación y el requisito de autoría humana de la oficina. Argumentó que la IA debería ser reconocida “como autora cuando cumpla los criterios de autoría”, y que la propiedad debería recaer en el dueño de la máquina.

La demanda de Thaler sostenía que la denegación de la oficina era arbitraria e infringía la Ley de Procedimiento Administrativo.

Natalie Portman: Sexualización infantil en Hollywood

Natalie Portam habló sobre la sexualización infantil el hollywood (Foto: AFP)

La actriz contó lo duro que fue para ella el ser representada como una “Lolita” y lo que le provocó ser hostigada por su apariencia. A los once años, Natalie Portman fue elegida para representar a Mathilda Lando en la película “León: The Professional”, lo que la volvió una sensación en Hollywood. Sin embargo, también hizo entrar en el delicado mundo de la sexualización infantil.

Una tras otra “Heat”, “Beautiful Girls”, “Every Say I Love you”, entre otras cintas en las que participó representaron su asenso al estrellato y la representación de su personas como un figura “Lolita”, contó Portman en el podcast Armchair Expert al hablar de la sexualización de las actrices infantiles en las cintas hollywoodenses.

Ser sexualizada cuando era niña, creo que me quitó mi propia sexualidad porque me dio miedo, y me hizo [sentir] que la forma en que podría estar segura era decir, ‘Soy conservadora’ y ‘Yo hablo en serio y deberías respetarme ‘,’ soy inteligente ‘y ’no me mires de esa manera’

A poco más de una década de haber nacido, Natalie Portman tuvo que levantar muros para protegerse a corta edad de este fenómeno. Sobre todo, “Star Wars: Episode I – The Phantom Menace” puso mucha presión durante la adolescencia porque la volvió un ícono ante el público.

Contó que las personas a su alrededor en aquel entonces se quedaron con una impresión de que era “seria y conservadores”. Pero, esta actitud no fue para la actriz más que una forma de mantenerse segura conscientemente.

Me encanta el arte de Creta (Nuevas ilustraciones)

Hubo un lugar y un momento en que la humanidad parecía bien encaminada. Vivía en paz, era amante del arte, respetaba el medio ambiente, amaba la naturaleza la que pintaba en sus viviendas, palacios y templos. Todo esto ocurrió en la isla de Creta hace 3000 años.

Sus artistas -en especial sus pintores- realizaron una obra estilizada con evidente influencia del arte egipcio: Rostros de perfil y ojos de frente. Creta tenía influencias egipcias gracias a los comerciantes de la época, fenicios y cartagineses. La pintura (fresco) decoraba los palacios tanto en el interior como en el exterior, con una gama de colores muy intensa. Las figuras aparecen también bordeadas con líneas oscuras y voluminosas. En cuanto a la representación de las figuras humanas, exageran mucho la esquematización y daban aspectos de ligereza.

En Creta, los colores de los fondos pueden resultar muy intensos (rojo intenso, verde, azul…) En estos también se utilizaba mucho la representación vegetal pero esquematizada.

La moda en la pintura cretense era muy importante, podemos ver en pinturas y esculturas, grandes y difíciles peinados junto con vestimentas con muchos detalles tanto en hombres como en mujeres.

Es pintura al fresco, aplicada cuando el muro ya está estucado. Se realiza con colores minerales disueltos en agua. También hay algo de relieve. Sólo hay un ejemplo en donde se hace una labor similar a la marquetería, con incrustaciones, que es el ejemplo del mono azul.

Se empleaban colores vivos, llamativos, limpios, claros y, a veces, ideales (como el mono azul o delfines de un tono azul totalmente distinto al real). Se trata de colores planos, sin matices. Tienen una gama cromática bastante reducida: predominaba el azul y el verde, con el blanco y el ocre. También utilizaban el negro.

Sus precedentes están en Egipto, especialmente en la pintura del imperio nuevo y en Mesopotamia, especialmente en el palacio de Mari. Es semejante en técnica y en ejecución a estas pinturas, pero es diferente en los temas y en la ausencia de tantos convencionalismos, rigidez y no encontramos una jerarquización tan marcada.

Alissa Monks: Una hiperrealista muy especial

 

Es muy especial la pintura de Alissa Monks. Pero a la vez es muy simple, del hogar, lúdica y cotidiana. Ella capta esos detalles que para nosotros pasan desapercibidos. Baño, agua, calor, valor, vidrio, reflejo. Todo creado con una técnica impecable. La elección de los motivos y la sensibilidad con la que enfoca sus trabajos no nos deja indiferente.

Por Rubén Reveco, editor

Vapor de arte

Alyssa Monks es una pintora de Ridgewood, New Jersey; nacida en 1977. Estudió en la New School de New York y en Montclair State University y obtuvo su licenciatura de Boston College en 1999.

Homenaje a Gigino Falconi: Ellas en el puerto esperan

Gigino Falconi (1933-2026), nació en Giulianova, Italia.

Lamento enterarme tardíamente del fallecimiento este año del maestro italiano Gigino Falconi, cuya obra siempre he admirado profundamente. Este breve estudio sobre su trabajo pretende ser un homenaje a su legado.

Por Rubén Reveco. Editor

Falconi, a lo largo de su carrera, demostró un dominio excepcional de la técnica del claroscuro y la representación de la figura humana. Su enfoque, caracterizado por una sensibilidad particular hacia la luz, una búsqueda constante de la perfección formal, una profunda reflexión sobre la condición humana, lo distingue dentro del panorama artístico del siglo XXI, de la pintura italiana contemporánea.

Arte, trabajo y realismo

 

Juan F. Millet.

Las artes plásticas han sido uno de los medios más utilizados para representar de un modo fiel el mundo del trabajo. Esta relación del arte con lo laboral surge en Europa a mediados del siglo XIX con la propuesta de Juan F. Millet y Gustavo Courbet. Es cuando irrumpe el realismo como tendencia estilista y conceptual, proponiendo representar del modo más fiel las miserias de los trabajadores rurales, en especial.

Por Rubén Reveco. Editor

Con el advenimiento del impresionismo, el arte se frivoliza. La temática  vuelve a la ciudad y -salvo excepciones- se interesa más por el mundo de las luces, naturales o artificiales. París es la primera ciudad que tiene iluminación pública y esto impacta en la sociedad en su conjunto.

Gustavo Courbet.

En defensa del talento en el arte

Istvan Sandorfi

¿Qué importancia tiene el talento en el arte? Ustedes que disfrutan de las diferentes manifestaciones del arte figurativo de nuestros días comprenden que esas pinturas, dibujos e ilustraciones son las obras de artistas que aún consideran a las artes plásticas una profesión de esfuerzo y trabajo.

Talento vs. mediocridad

Una metáfora poética para empezar: Sabemos que una semilla de rosa -por ejemplo- es portadora de una futura flor, pero para que crezca y florezca debe ser regada, si no muere antes de nacer.

Del mismo modo el talento debe ser cultivado y orientado. No basta con “dejarlo ser”, se debe encauzar hacia la creatividad. Y ésta debe tener componentes de exclusividad para que sea verdaderamente original.
Pero siempre poniendo los caballos adelante del carro. Primero el talento, después el trabajo y finalmente el objeto producto del esfuerzo creativo.

Enki Bilal

Gustave Moreau: El padre del simbolismo (200 años)

Gustave Moreau, figura clave en el arte francés, se erige como un precursor del simbolismo y creador de una estética decadente e irreal. Nacido en París hace 200 años, Moreau revolucionó los estilos pictóricos de finales del siglo XIX, anticipándose al simbolismo, movimiento que oficialmente se proclamaría hasta 1886.

Los 200 años de Gustave Moreau

Su formación académica, influenciada por Théodore Chassériau y Pierre Puvis de Chavannes, se complementó con viajes a Italia, donde estudió a los maestros renacentistas. En 1855, expuso junto a grandes figuras en la Exposición Universal de París. A pesar de obtener reconocimiento, su obra fue tildada de excéntrica, ya que no se ajustaba al canon del momento.

Moreau participó como voluntario en la guerra franco-prusiana y alcanzó gran éxito con su obra "Salomé bailando ante Herodes". En 1891, se convirtió en profesor en la École des Beaux-Arts, influyendo en futuros artistas como Matisse y Rouault. Su arte, entre el romanticismo y el simbolismo, evolucionó hacia la preeminencia del color. Sus últimas acuarelas, cercanas a la abstracción, demuestran una técnica inusual para la época, consolidando su legado como un artista innovador.

Tal como señaló J. K. Huysmans, su maestría en la acuarela le permitió extraer de pigmentos químicos esplendores comparables a gemas y vitrales. Su imaginería, poblada de figuras andróginas, mujeres fatales y seres monstruosos, se manifiesta en obras como La aparición, Júpiter y Sémele y sus evocaciones del arte hindú. Motivos cristianos como la Piedad y San Sebastián también ocuparon un lugar en su producción, destacando su Vía Crucis y La flor mística. Moreau, al rebelarse contra el impresionismo y la realidad burguesa, anticipó la abstracción y la libertad cromática que caracterizarían las vanguardias del siglo XX, consolidándose como un artista visionario cuyo legado perdura en la historia del arte.

La estética decadente (relacionada con el simbolismo) se manifiesta en una mirada artística y filosófica que celebra la belleza en el deterioro, el desmoronamiento de valores y la corrupción moral. Influenciada por el decadentismo del siglo XIX, enfatiza lo sensorial, lo exótico y lo morboso, transformando la decadencia en objeto de admiración estética. Es una reacción contra el positivismo y el realismo, priorizando la subjetividad, el arte por el arte y el culto a lo efímero. Esta estética permea la literatura, el arte visual y la música, donde la fragilidad y el fin simbolizan profundidad emocional y sensualidad intelectual.

Edipo y la esfinge (1864).

El Cristo de San Juan de la Cruz, de Salvador Dalí

Cristo de San Juan de la Cruz (1951)

San Juan de la Cruz, místico y poeta del siglo XVI, vivió su propia transformación espiritual en una noche dedicada a la oración. Durante ese momento de profunda reflexión, experimentó una revelación que lo impactó de tal manera que sintió la necesidad de plasmarla en un dibujo. La imagen que emergió de su experiencia espiritual fue la de un Cristo crucificado, una representación que capturaba la esencia del sufrimiento y la redención, marcando un hito en la tradición mística cristiana.

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Siglos más tarde, el icónico surrealista Salvador Dalí se encontró con el humilde dibujo de San Juan de la Cruz y, en ese instante, se vio atravesado por una profunda influencia. En medio de su propia búsqueda mística, Dalí soñó con una interpretación que se alejaba de la iconografía habitual del Cristo. En su visión, Cristo no presentaba heridas ni clavos, sino que era una manifestación pura de la belleza metafísica, un Dios que trasciende el dolor humano.

Dalí, en su obra “Cristo de San Juan de la Cruz”, realizó una ruptura con las representaciones tradicionales de la crucifixión. La figura de Jesús aparece contra un fondo negro, despojándose de todos los signos asociados con la Pasión, lo que brinda al espectador una nueva perspectiva sobre la divinidad. La cabeza de Cristo se inclina hacia abajo, ocultando su rostro y, con ello, despojándolo de la melena típica y de la corona de espinas. Esta elección estética y simbólica parece sugerir que la esencia divina de Cristo va más allá de su sufrimiento físico.