Realismo romanticón

 

No se trata de una denominación totalmente peyorativa ya que todos tenemos algo de "dulzón", pero lo importante es no ser empalagoso. El caso es que existe mucha obra pictórica circulando en la Red que está realizada con una factura impecable pero cuando de concepto se trata reitera hasta el hartazgo una temática "bonitilla". Donde, además de bellas mujeres, abundan niños, flores, aves y hermosos paisajes, vestidos, ensoñación y mucho, pero mucho amor. He aquí algunos  ejemplos.

Por Rubén Reveco - Editor

En el vasto y dinámico mundo del arte contemporáneo, una tendencia que ha captado la atención de críticos y amantes de la pintura es el "Realismo Romanticón". Si bien el término puede sugerir una connotación peyorativa, la realidad es que todos, en cierta medida, poseemos una veta "dulzona" dentro de nosotros. La clave radica en evitar caer en la trampa de la empalagosidad, manteniendo un equilibrio sutil entre la belleza y la profundidad.

Otro que no conocía: Blas Olleros y Quintana

"El Baño Persa" de Blas Olleros Quintana. 

¿Qué morboso encanto producía en el siglo XIX el tema del harén y por qué mostraba a cautivas blancas posando felices como esclavas sexuales?

Blas Olleros y Quintana fue un artista prolífico, experto en varios estilos, desde la pintura de género hasta el paisaje y el arte marino. Sus pinturas aparecen regularmente en subastas, pero poco se sabe de él, aparte del hecho de que se mudó a Florencia, Italia, al principio de su carrera y pasó el resto de su vida allí.

Nació en Piedrahita, en la provincia de Ávila en el centro-oeste de España en 1851. En 1874, el Ayuntamiento de Ávila concedió una beca a Olleros para que pudiera continuar su formación artística en Roma. En su primer año en Roma, completó la obra Nerón En un Jardin Recitando Rodeado de su Corte. Después de completar sus estudios, se mudó a París durante tres años. Durante este período, conoció al retratista y pintor de género español, Palmaroli, quien influyó en la obra de Olleros.

En 1881 regresa a Roma donde conoce al pintor español Agustín Salinas y ambos se hacen grandes amigos. Durante gran parte de la década de 1880, Olleros residió en Nápoles, donde fue conocido como “Il Improvvisatore” (El improvisador). Adoptó Italia como su nueva patria, permaneciendo allí durante la mayor parte de su vida adulta.

En 1883 vendió dos obras, Una Pompeyana ("Una mujer de Pompeya") y Una Marina ("Paisaje marino"), a través de Hernández en Madrid, una galería comercial especializada en la venta de acuarelas. Después de eso, su obra se vendió principalmente a través de Hernández, aunque algunas obras también se vendieron a través de comerciantes extranjeros, en particular agentes alemanes y franceses.

Su temática fue variada e incluyó paisajes, marinas, figuras, género y escenas históricas. Gran parte de su trabajo se centró en el paisaje napolitano, especialmente en las escenas del puerto. Trabajó en óleo y acuarela y típicamente firmaba sus obras "Blas Olleros". Su pintura más conocida es Harem Scene y ha sido reproducida en muchos textos.

En sus últimos años, residió en Florencia y murió allí en 1919.

La tumultuosa vida de Mesalina: La emperatriz ninfómana

Mesalina, esposa del emperador Claudio, ha sido retratada a lo largo de la historia como una figura controvertida y compleja. Se la describe con una belleza innegable: piel blanca, cuerpo perfecto, ojos negros de mirada intensa, cabellera voluptuosa y una boca sensual con dientes pequeños y perfectos. Sin embargo, esta imagen de perfección física contrasta con la reputación que la acompaña: la de una mujer ambiciosa y ninfómana.

Desde temprana edad, Mesalina pareció comprender el poder que su atractivo ejercía sobre los hombres, utilizando el sexo como una herramienta para la supervivencia y, posteriormente, para la conquista del poder. Se dice que disfrutaba de sus encuentros sexuales, lo que sugiere una dimensión vocacional en su comportamiento. Este enfoque en el placer y el control a través de su sexualidad la posiciona como una figura transgresora para su época, desafiando las normas sociales y de género

Su historia, aunque teñida de escándalo y dramatismo, invita a reflexionar sobre la dinámica del poder en la antigua Roma y el papel que las mujeres, incluso en posiciones privilegiadas, podían desempeñar. Mesalina, más allá de la moralidad de sus acciones, representa un caso extremo de cómo la astucia, la ambición y la explotación de los propios atributos pueden ser utilizadas para navegar y manipular las estructuras de poder. Su legado perdura como un testimonio de la intrincada relación entre la belleza, el deseo y la autoridad en la historia.

Malcolm McDowell, que había alcanzado una gran fama por la película «La naranja mecánica», interpretó al emperador Calígula, en el filme estrenado en 1979; la imagen corresponde a esa cinta.

Homenaje entre artistas: El "Triple autorretrato" de Norman Rockwell

"Triple autorretrato" de Norman Rockwell, 1960.

Tamaño: 113 cm x 88,3 cm

Técnica: Óleo sobre lienzo

Norman Rockwell Museum, Stockbridge, Massachusetts.

Este cuadro ilustró la portada del 13 de febrero de 1960 del Saturday Evening Post. El autor se retrata a sí mismo de espaldas mientras pinta un autorretrato. Pero más allá de los tres retratos, obvios, hay mil detalles en los que fijarse: el casco que preside el caballete, los estudios previos que tiene colgados del lado izquierdo y el homenaje a quienes él consideraba grandes de la pintura en el derecho: Van Gogh, Durero, Rembrandt o Picasso. Por cierto, ha sido mil veces homenajeada.

Cuando Rockwell consolida su carrera y adquiere cada vez más fama, empiezan a tocar cada vez con mayor frecuencia temas como la conciencia social, la libertad de pensamiento, los derechos, la tolerancia religiosa y la lucha contra el racismo, así como a ensalzar valores y virtudes de su país y su gente.

Portada de Moon Knight 15 pintada por Arthur Suydam.

Consejos que debe tener en cuenta un pintor animalista

Pintura de Daniel Smith

Ser un pintor de tema animalista no es fácil (por eso existen tan pocos). Se debe tener nervios de acero y una capacidad de trabajo a toda prueba.

Por Rubén Reveco, editor

Ser pintor 

Amar, por sobre toda las cosas, el oficio de pintar. Amar el olor a la trementina y el estudio académico. Saber qué colores debe mezclar para obtener ese verde tornasolado de las plumas de un loro, por ejemplo.

Ser ecologista 

No basta con ser un pintor apasionado, se debe ser un ecologista apasionado. Elegir a la naturaleza como tema y pretender reproducirla con una técnica hiperrealista implica mucho esfuerzo, si el artista no está sustentado ideológicamente, es presumible que al poco tiempo cambie de tema, estilo y técnica. O, lo que es peor, no pinte más.

Ser paciente 

El quehacer del pintor animalista es lento y agotador. El que tenga prisa que se dedique a ser un pintor de temas abstractos, por ejemplo. 

Ser riguroso

El ideal es que el animal pintado debe ser del hábitat en el que vive el artista. Esto requiere analizar la flora con los ojos de un científico. Conocer y estudiar lo que se va a representar. En especial la fauna regional; del lugar donde le toca vivir y hacer su obra. Si pinto un puma debo tener en cuenta el lugar en que vive ese animal.

Ser modesto 

El ser pintor animalista no es nada original. Desde hace 40 mil años que existen, y siempre han sido artistas anónimos o de segundo orden. Los críticos de arte creen que no es importante lo que hacen. 

Deben ser conscientes de que no aparecerán en los libros de historia del arte.

Ser educador 

Lo que hacen es didáctico y ayuda a preservar a los animales en vías de extinción. A través del impacto que generan sus obras, crean consciencia ecológica. Más que ningún otro, un pintor animalista debe respetar la vida de sus modelos.

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OTRAS CANCIONES PUBLICADAS

Johanna Van Gogh

La responsable de que el trabajo de Vincent Van Gogh sea reconocido.

Johanna Van Gogh nació en 1862 en Ámsterdam. Era la quinta de 7 hermanos. Pudo estudiar, viajó, aprendió idiomas, y se casó con Theo Van Gogh (el hermano de Vincent Van Gogh) en 1889. Tuvieron un hijo al año siguiente.

Ese mismo año, 1890, murió Vincent de un disparo en el pecho. Siempre se dijo que fue un suicidio. Pero desde hace unos años hay una nueva tesis que dice que no se suicidó, sino que murió por el disparo accidental de dos adolescentes que jugaban con una pistola.. 

Seis meses después, su marido, Theo, falleció a causa de sífilis. 

Johanna quedó viuda, con un hijo que mantener y 200 cuadros de su cuñado que, en aquel momento, no tenían ningún valor.

Editó la abundante correspondencia que hubo entre su marido y su cuñado. Y se convirtió en marchante de arte. Recopiló su obra, la expuso, la dio a conocer. A ella se debe que el prestigio de Vincent Van Gogh como pintor se extendiese desde su muerte. Johanna es la responsable de que Van Gogh sea reconocido hoy como uno de los grandes maestros de la pintura de todos los tiempos. (W)

En el taller del artista todo puede suceder

 

 Pintura de Adolf Reich

No siempre en un lugar amplio y confortable, pero en el colectivo imaginario el taller del artista es un lugar en el cual la fantasía se hace realidad. Lo cierto que este espacio fue, es y será un lugar diferente, bohemio y propio de creadores. 
Pinturas y fotografías de talleres de artistas plásticos

Una caja de sueños

¿Dónde trabaja el creador de arte, en cuál horno se cuecen las obras artísticas? La respuesta es clara, en el taller.
El taller se asocia con los gremios y tiene su origen en la Edad Media. Hasta hace muy poco el término taller estaba minusvalorado y se utilizaba el afrancesado Atelier, o más eufemístico el de Estudio. Hoy el idioma español tiene cada vez más prestigio y el término taller es el preferido. Es que taller da una idea de trabajo duro, arduo y de obra trabajada minuciosamente, con amor al trabajo como el artesano medieval.

En el taller es dónde está reunida toda la parafernalia del artista, sus pinceles, pinturas, caballetes, libros, fotos, piezas recogidas en la calle, artículos de periódicos y revistas sobre él o sobre otros, y hasta objetos íntimos.

En el taller es donde vemos el comportamiento primario del individuo artista, del ser que tiene que cohabitar con objetos y personas para crear imágenes, ideas y sueños.

¿Por qué es tan famosa la Mona Lisa?

 

"Toda vida bien empleada es una larga vida"

Se ha escrito tanto sobre Leonardo y la Mona Lisa que me ha costado realizar esta entrega, promocionada con el pretencioso título de “Historia de la pintura más famosa del mundo”. Mi intención es no crear demasiadas expectativas, ya que esto no pasará de ser un esfuerzo en solitario por conocer la historia de esta pintura y las razones que la convierten en una obra de arte. 
Tampoco me considero un especialista en la vida de Leonardo, apenas un admirador más de su obra. Admiración que espero no me haga perder objetividad. Se dice que el que admira nunca podrá realizar un análisis certero del objeto que admira. Está obnubilado.

Por Rubén Reveco, editor

Señora Lisa, ¿Quién es realmente usted?                          

Aquí reproducimos tres imágenes de la Gioconda. Obviamente que no podemos acceder al original, pero no crean ustedes que la expuesta en el museo del Louvre se ve mejor que estas. En 500 años ha perdido su color original. Si la miramos en detalles muchos sectores están resquebrajados por exceso de pintura y amarillenta por exceso de aceite. Lo que vemos ahora no es lo que vieron los contemporáneos de Leonardo, pero la esencia sigue siendo la misma: el retrato de una mujer sentada en un sillón con el brazo izquierdo apoyado en el asiento. ¡Primera sorpresa, la Mona Lisa está sentada!
Cuando Leonardo de Vinci empezó a pintarla en 1503, hacía once años de que Europa había descubierto un  Nuevo Mundo y de lo que sería la Argentina (desde donde escribo estas líneas) sólo se conocía parte de la costa Atlántica. Descubrimiento que había realizado el navegante italiano Américo Vespucio. Italiano, florentino y coetáneo de Leonardo. Prácticamente nacieron en el mismo año.
En 500 años ha salido muy poco del Louvre. En 1911 se la robaron y durante dos años estuvo desaparecida. El ladrón la mantuvo oculta en Italia y aduciendo razones nacionalistas, pretendió rescatarla para su país. En la década del 60 viajó a Estados Unidos y en 1974, a Japón. Desde esos años, la Mona Lisa no va al mundo, el mundo va a la Mona Lisa.

Los prerrafaelistas (2) John Everett Millais

Existen ciertas obras que preceden al nombre de los artistas. Desde niño recuerdo a "Ofelia" sin importarme mucho quien era su autor y menos si este tenía un difícil nombre inglés imposible de memorizar y pronunciar.

La pintura -vista en pequeñas láminas- me fascinaba no sólo por el tema de una hermosa joven flotando en el agua (parecía muerta pero estaba con los ojos abiertos) sino, también, por los exquisitos detalles representados a su alrededor.

Por Rubén Reveco - Editor

"Ofelia"

Con los años descubrí que Ofelia en realidad se había suicidado, que era un personaje trágico y que William Shakespeare algo tenía que ver en todo el asunto.

La muerte de esta joven había sido motivo de inspiración de varios artistas del siglo XIX, como Arthur Hugues, Alexandre Cabanel o John Williams Waterhouse entre otros. Pero la mejor imagen que puede verse es la del famoso óleo del pintor John Everett Millais, considerado como el sucesor de Turner.

El suicidio es descrito en la obra de Shakespeare en el cuarto acto, cuando Ofelia ya inmersa en la locura, cantando e intentando ornamentar con flores la rama de un sauce que al romperse la hace caer al río.

En la obra de Millais, Ofelia aparece flotando en las aguas, rodeada de flores silvestres, que en Hamlet se mencionan repetidamente en el monólogo de Gertrude, su madre y única persona que la entendió y apoyó y que fue testigo último de su desgracia.