El Cristo "amanerado" de Sevilla

El cartel de Semana Santa de Sevilla que desató la polémica. AFP 

Sevilla -cuna y tumba de un grande como Bartolomé Murillo- está en una desatada polémica por la imagen que representa a un Cristo en un anuncio para Semana Santa. Los usuarios en las redes sociales calificaron la representación de Jesucristo como "amanerada", "homosexual" o "lejos de los valores cristianos".

La controversia dio un paso más cuando un usuario inició una recogida de firmas para reclamar la retirada de la obra de Salustiano García, que ayer lunes ya contaba con casi 10.000 adhesiones.

Sin embargo, la controversia saltó de las plataformas digitales a los programas de televisión, donde políticos, periodistas y personajes mediáticos en general muestran posiciones encontradas. Sin embargo, no es la primera vez que esto ocurre. 

En la Navidad de 2017, el pintor Manuel Peña tuvo que hacer frente a una lluvia de críticas tras realizar una representación del arcángel San Gabriel con facciones andróginas que creó para la Asociación de Belenistas. 

El rescate de la expedición Shackleton por el piloto Pardo

 

Infograma Emol

La gesta del piloto Luis Pardo Villalón en 1916 se erige como un hito de valentía y pericia en la historia marítima. En el inhóspito escenario antártico, donde la naturaleza impone sus más crudas leyes, la expedición de Ernest Shackleton se encontraba en una situación desesperada tras el naufragio de su barco, el Endurance. Aislados en la Isla Elefante, sus posibilidades de supervivencia disminuían con cada día que pasaba.

Sello conmemorativo de los 50 años del rescate.

Fue en este contexto de extrema urgencia donde emergió la figura del piloto Pardo, al mando de la escampavía chilena Yelcho. Desafiando condiciones meteorológicas adversas, con mares embravecidos y temperaturas gélidas, Pardo emprendió una misión de rescate que muchos consideraban suicida. La navegación por aquellas aguas traicioneras exigía una maestría excepcional y un coraje inquebrantable.

La pericia de Pardo y su tripulación, navegando entre témpanos y sorteando ventiscas, culminó en el exitoso rescate de los 22 hombres de Shackleton. Este acto no solo salvó vidas, sino que también grabó un capítulo indeleble de heroísmo y solidaridad en los anales de la exploración polar. La hazaña del piloto Pardo, a pesar de la limitada tecnología de la época, demostró la capacidad humana para superar los desafíos más formidables, convirtiéndose en un símbolo imperecedero de la resiliencia y el espíritu de sacrificio.

El caballo en el cómic (1) Desde la Prehistoria hasta Roma

PREHISTORIA

Tunga: El potro negro

El caballo desempeñó un papel fundamental en la Prehistoria, Sirviendo como un importante recurso para las comunidades humanas. Su domesticación, que se estima ocurrió alrededor del cuarto milenio a.C. en las estepas euroasiáticas, permitió a los grupos nómadas mejorar sus posibilidades de caza y aumentar su movilidad. Además, el equino se convirtió en un símbolo de estatus y poder, influyendo en la organización social y en el desarrollo de las primeras civilizaciones. La relación entre el ser humano y el caballo marcó un hito en la evolución cultural y económica de las sociedades prehistóricas.

A lo largo de la historia de la humanidad, el caballo ha desempeñado un papel fundamental en nuestro desarrollo y progreso. Este noble animal ha sido un compañero constante, colaborando en las conquistas y avances culturales y tecnológicos del ser humano. Desde las imponentes razas de tiro hasta las diminutas razas miniatura, como la Falabella, el caballo ha demostrado su versatilidad y valor en diversas facetas de la vida. Su presencia ha trascendido épocas y civilizaciones, consolidándose como un símbolo de lealtad y compañerismo en la historia compartida entre estas dos especies.

La figura del caballo en la representación artística y en el cómic

El caballo, un animal que ha acompañado al ser humano a lo largo de su historia, no solo ha sido un compañero en la vida diaria y un símbolo de fuerza y nobleza, sino que también ha dejado una huella indeleble en el ámbito del arte y, más recientemente, en el cómic. A lo largo de los siglos, su representación ha evolucionado, reflejando perspectivas culturales, filosóficas y estéticas diversas. En este ensayo, se examinará la figura del caballo en la representación artística, desde su presencia en las pinturas clásicas hasta su manifestación en el cómic contemporáneo, analizando cómo su simbolismo ha cambiado y se ha adaptado en diferentes contextos.

Todos somos un poquito hipocondriacos

La hipocondría, entendida como la preocupación excesiva por la salud y el temor constante a padecer enfermedades graves, ha sido un fenómeno que ha acompañado a la humanidad desde tiempos inmemoriales. En la actualidad, la creciente disponibilidad de información médica y la proliferación de plataformas digitales han acentuado esta tendencia, llevando a que muchos de nosotros experimentemos, en algún momento, síntomas de hipocondría.

   EN SERIO   

Es innegable que vivimos en una era donde la salud ocupa un lugar preponderante en nuestras vidas. La conciencia sobre estilos de vida saludables y la prevención de enfermedades han fomentado una cultura enfática en el bienestar. Sin embargo, esta misma preocupación puede tornarse en ansiedad cuando se convierte en un escrutinio excesivo de nuestro propio estado físico. La búsqueda de información en línea, por ejemplo, a menudo lleva a interpretaciones erróneas sobre síntomas comunes, ocasionando que lo trivial se magnifique.

El impacto de esta hipocondría colectiva se manifiesta tanto a nivel individual como social. En lo personal, puede generar angustia y malestar constante, afectando la calidad de vida. A nivel comunitario, se traduce en un aumento en la demanda de servicios médicos y recursos sanitarios, lo que puede afectar la atención de pacientes con verdaderas urgencias. De esta manera, aunque la preocupación por la salud es fundamental, es preciso encontrar un equilibrio que nos permita cuidar de nuestro bienestar sin caer en la trampa de la ansiedad hipocondríaca.

El arte, la fotografía, el arte digital y la IA

A lo largo de la historia del arte, la evolución de las técnicas y herramientas ha marcado un camino de transformaciones significativas en la forma en que los humanos expresan su creatividad. En un primer momento, los pintores establecieron las bases de la representación visual, empleando pigmentos y pinceles para plasmar su percepción del mundo. Este arte manual, impregnado de simbolismo y técnica, fue fundamental para la comunicación visual en sus respectivas épocas.

La historia del arte es una crónica de evolución y transformación, un relato que presenta cómo las diferentes formas de expresión han ido sucediéndose a lo largo del tiempo. Desde la pintura hasta la fotografía, pasando por el arte digital y el surgimiento de la inteligencia artificial (IA) como una nueva herramienta de creación, el camino del arte ha estado marcado por innovaciones que desafían las nociones convencionales de la creatividad y la autoría. En este ensayo, exploraremos cómo cada fase de esta evolución ha influenciado no solo la práctica artística, sino también la percepción que la sociedad tiene sobre el arte y su relación con las nuevas tecnologías.

Por Rubén Reveco - Editor

En primer lugar, es esencial reconocer el papel fundamental de los pintores en el desarrollo del arte. Desde las pinturas rupestres en las cavernas prehistóricas hasta las obras maestras del Renacimiento, la pintura ha sido durante siglos la forma predominante de expresión artística. Los pintores, a través de la utilización del color, la forma y la perspectiva, han logrado transmitir emociones, contar historias y reflejar la realidad de su tiempo. Artistas como Leonardo da Vinci y Vincent van Gogh no solo han creado obras icónicas, sino que también han planteado interrogantes sobre la técnica, el subjetivismo y la percepción visual. La pintura ha sido el medio en el que el ser humano se ha confrontado con su propia existencia y ha expresado sus pensamientos y sentimientos más profundos.

Sobre amor y sexualidad: Los mejores videos

                                                                                        

Este no es un blog que trate temas de amor (salvo contadas ocasiones) y sexualidad (algo más). Lo que pasa es que los cómics, en especial, predomina temas relacionados con la aventura, la ciencia ficción, el terror y la acción, quedando los temas del corazón relegados a un discreto segundo o tercer plano.

Husmeando en YouTube me encontré con esta conferencia de Marían Rojas Estape (española) que me resultó muy ilustrativa y entretenida. Esto me llevó a Darío Sztajnszrajber (argentino) y a Alejandro Jodorowsky (chileno), todos intentando ilustrarnos sobre esa magia llamada amor.

Y como pasa con todo lo que me gusta, también deseo compartirlo con la esperanza de que tenga una buena recepción. De amoroso nomás que soy.

                                                                                        

Psiquiatra Marian Rojas Estape.

Entrevista a Boris Vallejo (Revista Comix Internacional N°13)

Una de las primeras entrevistas realizadas en español (1981) al gran ilustrador peruano Boris Vallejo, cuando el artísta tenía 40 años. Nos resulta una curiosidad por eso la reproducimos. 42 años después, sigue trabajando.

Boris Vallejo (Lima, 8 de enero de 1941)​ es un dibujante peruano estadounidense.​ Vallejo emigró a Estados Unidos en 1964, donde reside actualmente en Allentown, Pensilvania. Con frecuencia trabaja con Julie Bell, su esposa, pintora y modelo.

Vallejo dibuja casi exclusivamente para los géneros fantásticos y eróticos.​ Sus dibujos han ilustrado la portada de docenas de obras de ciencia ficción y han sido presentados en unas serie de calendarios que se han convertido en best-sellers. Vallejo ha creado póster para películas, como Barbarian Queen and National Lampoon's Vacation. Tiene dos hijos de un matrimonio anterior, uno de los cuales, Dorian Vallejo, también ha trabajado en el género de fantasía.

Los dibujos de Vallejo muestran típicamente a dioses, monstruos y/o musculados bárbaros (hombres o mujeres) en plena batalla. Muchos de las figuras masculinas se basan en el propio Vallejo, mientras que muchas de las femeninas se basan en su esposa. Sus últimas historias se inclinan más hacia el lado erótico, aunque siguen conservando los temas de fantasía.

Famosas son sus portadas para The Savage Sword Conan, entre las que destacan los números 1 y 10. (W)

Web

Boris Vallejo

America’s premier fantasy artist. His works are known and loved around the world. Boris is famous for his illustrations of Tarzan, Conan the Barbarian, Doc Savage and many other fantasy characters, as well as movie poster illustration, advertisement illustration, and artwork for collectibles, trading cards, and sculpture.

Julie Bell

A world renowned, award winning fantasy artist and wildlife painter. Julie has won two Chelsea Awards and was the designer of the popular and award-winning Dragons of Destiny series. She also has won numerous first place awards in the Art Renewal Center’s International Salon and has been named as a Living Master.

Boris Vallejo and Julie Bell are married and the two often collaborate on projects. They have worked on many paintings together for advertising campaigns such as Nike, Inc., Coca-Cola, and Toyota.

¿Qué necesitamos los artistas para ser artistas?

                                                                                        

Muchas veces he pensado por qué escogí un oficio tan difícil. Elegir ser artista plástico es, en términos prácticos, un suicidio profesional. Si es casi imposible poder vivir del arte, entonces, ¿por qué querer dedicarse a él?

                                                                                        

FUENTE

El amor al arte

Al artista no sólo le gusta el arte. El artista se siente enamorado del él. El pintor ama la pintura. La necesita así como cualquier persona corriente necesita el aire, su tasita de café mañanero, el periódico en su sofá, o ver el futbol los domingos. El arte es su necesidad. Pero más allá, también es, quizá, su razón para vivir.

En mi opinión los verdaderos artistas (y digo "verdaderos" pues hoy día abundan los espurios), tienen presente cuatro cualidades esenciales:

"Hace un millón de años" y el bikini de piel de Raquel Welch

                                                                                        

"Hace un millón de años", película rodada en 1966, es una de las cumbres del arte pop, del kitsch y de la cultura trash. Y no precisamente por su virtudes cinematográficas, que tiene unas cuantas, empezando por unas divertidas batallas entre saurios, fruto de la imaginación y el talento de ese gran genio que era Ray Harryhausen y de sus maravillosas maquetas artesanales.

                                                                                        

Si por algo "Hace un millón de años" se ha hecho con un lugar en la historia del cine, es por su rompedor, imaginativo y perverso diseño de vestuario, que se plasma en los escotados y ceñidos biquinis que llevan las miembros de la imaginaria tribu de las Conchas, con una impresionante Raquel Welch, en su mejor momento físico y profesional, a la cabeza. La rotunda y exuberante imagen de la actriz estadounidense embutida en sus diminutas pieles queda como un icono imborrable de la cultura popular y como uno de los más grandes símbolos sexuales de todos los tiempos.

La mezcla de dinosaurios y bellas, jóvenes y rubias mujeres ligeras de ropa funcionó como un tiro en la época y la película se convirtió en el mayor éxito comercial de la productora británica Hammer, especializada en cine de terror pero que aquí dio, y cómo, en el blanco, cambiando de registro. Nada es ni mínimamente creíble y no se puede decir que el paso de los años le haya sentado excesivamente bien pero, aun así, se mantiene, y se seguirá manteniendo, como un título de culto. Y con la virtud añadida de que nada, pero nada, de lo que sale en ella está retocado digitalmente…

El la Prehistoria las preferían rubias.

Historia del Arte (1 y 2) Revista Machete

 

La revista Machete es una histórica publicación educativa y cultural originaria de Neuquén, Argentina, editada por Pangea Editora.

Nacida a finales de la década de 1990 (circa 1997/1998) bajo el lema de ser la "Revista Educativa de la Patagonia", su propósito principal ha sido servir como recurso pedagógico y de divulgación para docentes y estudiantes de la región.

Eje Educativo y la Historia del Arte en la Revista

Dentro de su propuesta pedagógica, el área de Historia y Arte ha ocupado un rol central en sus entregas:

• Abordaje de la Historia Nacional y Regional a través del Arte: La revista incluye láminas, ilustraciones y textos didácticos que utilizan el arte plástico y visual para enseñar historia. Ha destacado obras de artistas plásticos argentinos (como el muralista Rodolfo Campodónico) para ilustrar hechos históricos significativos (efemérides como el 9 de Julio, el Día de la Bandera, etc.).

• Contenido Didáctico Adaptable: Ofrece análisis de movimientos artísticos, biografías de artistas locales e internacionales, y guías de trabajo para el aula adaptadas a los diseños curriculares de las escuelas primarias y secundarias de Neuquén y Río Negro.

• Identidad e impronta Patagónica: A diferencia de las publicaciones educativas centralizadas en Buenos Aires, Machete rescata las expresiones artísticas y culturales de la Patagonia, visibilizando a creadores locales y la historia de las comunidades originarias y pioneras de la región.

Impacto y Reconocimiento Institucional

• Declaraciones de Interés: Ha sido declarada de Interés Municipal por el Concejo Deliberante de la ciudad de Neuquén y de Interés del Poder Legislativo por la Legislatura de la Provincia del Neuquén (Declaración 2179 en 2017), por su labor continua en el fortalecimiento de la cultura regional y la educación pública.

• Formato y Evolución: Publicada regularmente de forma impresa durante más de dos décadas, también ha migrado a formatos digitales para continuar estando al alcance de la comunidad educativa neuquina y patagónica.

La escultura de Yves Pires

 

Yves Pires es un escultor nacido en París, Francia. Su pasión por el arte comenzó en los bancos de la escuela primaria en Choisy-le-Roi, una pequeña ciudad en el suburbio parisino donde vivía con los padres. 

El dibujo era su refugio, una fuente de interminables viajes al mundo interior. Sin embargo, este regalo que ejerce de manera obsesiva sobre el, no siempre fue entendida por los profesores.

Durante sus años de escuela secundaria, aún recuerda el momento en que después de haber pasado más de 2 horas trabajando duro en la ampliación de un mapa de Europa, su maestra de escuela al día siguiente lo acuso de haber "calcado" el mapa y exigiéndole cuatro horas de trabajo, como castigo. Esta experiencia no hizo mucho para inspirar su deseo de integrar el sistema escolar y lo llevó a pasar gran parte del tiempo a dibujar. Cuando tenía 16 años y terminando la escuela secundaria, su profesor de arte le animó a asistir a una Escuela de Arte para continuar sus estudios. Era la primera vez que pintaba con óleos, transformando un lienzo hecho por su padre, en una copia de la hermosa joven con un turbante de Vermeer.

Esta experiencia convenció a sus padres, a pesar de sus deseos y mejores planes, que el chico deberia desarrollar sus tendencias artísticas. Yves se inscribio en el Liceo Elisa Lemonnier, donde estaba preparándose en Artes Visuales y Publicidad. A pesar de las buenas calificaciones, abandono sus estudios después de unos meses y un episodio de "pre crisis adolescente". A los 19 años, termino el servicio militar y trabajaba en la restauración de apartamentos junto a su padre. Esto me permitió adquirir las diferentes técnicas de la restauración. (Fuente)

Yves Pirès, nacido en 1958 en París, Francia, es un escultor francés reconocido por sus esculturas en bronce expresivas y dinámicas. Sus obras capturan la esencia de la emoción humana y el movimiento, lo que lo convierte en una figura esencial de la escultura contemporánea. Su trayectoria artística comenzó desde la infancia, cuando exploró la pintura y la escultura como medios de expresión personal.

Frank Kafka y la muñeca perdida (por viajera)

 

Ilustración de José Manuel Fernández Oli

Un año antes de su muerte, Franz Kafka paseaba por el parque Steglitz, en Berlín, y encontró a una niña llorando porque había perdido su muñeca. Para consolar a la pequeña, el autor de La metamorfosis se inventó una peculiar historia: la muñeca no se había perdido, se había ido de viaje, y él tenía una carta que le llevaría al día siguiente al parque. Aquella noche Kafka escribió la primera de muchas cartas que, durante tres semanas, entregó a la niña puntualmente, narrando las peripecias de la extraordinaria muñeca desde todos los rincones del mundo.

Kafka sostuvo esta ilusión durante tres semanas, entregando en su rol de “cartero de muñecas”, una carta distinta cada día, “enviada” desde Londres, París, desde los lugares más alejados de Berlín. Kafka las leía en voz alta. Hasta que llegó el final, inevitable. Pero la niña –y su tristeza por la pérdida– ya eran otras. Entonces Kafka decidió que la muñeca se casaría. “Tu misma comprenderás que en el futuro tendremos que renunciar a volver a vernos”, le escribe la muñeca –Kafka– a la niña.

- “Por favor no me llores, he salido de viaje para ver el mundo. Te voy a escribir sobre mis aventuras ...“

Cuando él y la niña se reunían, él le leía estas cartas cuidadosamente compuestas de aventuras imaginarias sobre la querida muñeca . La niña fue consolada. Cuando las reuniones llegaron a su fin, Kafka le regaló una muñeca. Ella obviamente se veía diferente de la muñeca original. Una carta adjunta explicó:

-"Mis viajes me han cambiado …"

Muchos años más tarde, la chica ahora crecida, encontró una carta metida en una grieta desapercibida dentro de la muñeca . En resumen, decía:

"Cada cosa que amas, es muy probable que la pierdas, pero al final, el amor volverá de una forma diferente".

Franz Kafka