La canción evoca una imagen poderosa del mar, personificado como una entidad en perpetuo conflicto. Lejos de ser una simple masa de agua salada, el mar anhela trascender su naturaleza inherente. Clama por liberarse de las ataduras que lo confinan, expresando su frustración a través del estruendo incesante de sus olas.
La jaula de cristal, metáfora de sus limitaciones físicas, contrasta con el deseo vehemente de volar y soñar, de transformarse en algo etéreo como la neblina o alcanzar la inmensidad del cielo estrellado. Esta aspiración se ve obstaculizada por el peso de la noche y las tinieblas, fuerzas opresivas que desgastan tanto al mar como al alma humana.
Finalmente, la imagen del mar llorando su propia herida sugiere una profunda melancolía. Abandonado por la luz de la Luna, se enfrenta a la oscuridad existencial, revelando una vulnerabilidad inesperada tras su fachada de fuerza indomable. En resumen, la letra presenta al mar como un símbolo de la lucha constante por superar las limitaciones y alcanzar un estado de plenitud que siempre parece elusivo.
Esta es una alegre canción y una declaración de principios de Zaz, cantante francesa. Nos habla de cómo rechaza los valores materiales como el lujo, las posesiones o el servicio porque ella lo que quiere es el amor, la felicidad y el buen humor. Plantea que el dinero no la hace feliz si no saber que morirá con la mano en el corazón. Y habla fuerte, come con las mano, y las buenas maneras se la traen tan al fresco como odia la hipocresía o las palabras vacías. Ella quiere ser así.
La cantante francesa es un ejemplo de constancia y de querer aprender el oficio desde abajo. Con veinte años consigue una beca para estudiar música moderna y al año siguiente empieza a recalar en varias bandas de jazz, blues, folk, recorriendo Francia y el norte de España, actividad que simultaneaba con ser corista de estudio. En 2010 lanzó su primer disco al mercado, en el que estaba esta canción, y que fue se fue colando poco a poco en las listas galas, lo que le permite realizar una gira por toda Europa y Canadá. Sus conciertos son una mezcla de sus propias canciones y de versiones de sus intérpretes favoritos, atreviéndose con música en español que aprendió de su madre que es profesora de ese idioma. En este año ha publicado su segundo trabajo de estudio que de nuevo le ha reportado un gran éxito.
La canción despliega una actitud de indiferencia ante diversos aspectos de la existencia, simbolizados por la noche y el desierto. El yo lírico rechaza la trascendencia de los signos nocturnos, el enigma de la luz, y el temor inherente al vacío. Esta negación se extiende al nombre de la nada, cuyo poder evoca angustia y opresión.
La imagen de las estrellas en el desierto, representando deseos inalcanzables, subraya la futilidad de la búsqueda. El cielo amenazante y el desierto infinito, interiorizado como una "lengua de fuego," refuerzan la idea de una realidad hostil e inescapable. La voluntad o el azar, personificados como manipuladores de un destino incierto, contribuyen a la sensación de agotamiento y falta de control.
A pesar de la omnipresente aridez y la sed insaciable, la canción culmina con una declaración de resistencia. El "eco funerario" es confrontado con un latido más fuerte, simbolizando la persistencia de la vida. La indiferencia inicial se transforma en una determinación activa, donde el pulso individual se convierte en guía y la experiencia, marcada por el "golpe a golpe," en un camino propio. En última instancia, celebra la capacidad de encontrar un sentido, una ruta, incluso en la más absoluta desolación.
Hoy -desde donde escribo estas líneas- se conmemora el Día de la Madre. Fecha plagada de nobles sentimientos y buenos deseos. Está bien que sea así porque la mayoría de las madres son buenas personas, aunque algunas parten muy jóvenes. A esas está dedicada esta canción.
"Mother" es una canción del músico británico John Lennon. Aunque el título del tema sea "Madre", supone un grito a sus padres, quienes le abandonaron durante su infancia: su padre, Alf Lennon, abandonaría a la familia cuando John era niño, mientras que su madre, Julia Lennon, murió cuando fue atropellada por un conductor ebrio cuando John tenía la edad de 17 años. Lennon lamenta la pérdida de sus padres a través del tema, contraponiendo sus sentimientos a la realidad en versos como "Mother, you had me/but I never had you" ("Madre, tú me tuviste/pero yo nunca te tuve") o "Father, you left me/but I never left you" ("Padre, tú me dejaste/pero yo nunca te dejé"). Supone el segundo tema de Lennon dedicado a su madre, siendo el primero de ellos la canción "Julia", que aparecería en el Álbum Blanco de The Beatles. El tema comienza con un tañido de campanas, introduciendo el tema de la muerte desde el principio.
Si bien Lennon dijo que "Mother" era la canción que "parecía quedar en mi cabeza", tenía ciertas dudas sobre su interés comercial, por lo que en un principio consideró publicar como sencillo el tema "Love".1 "Love" sería publicado como sencillo en 1982, dos años después de la muerte de Lennon.
Lennon se inspiró en la terapia primal, que trabaja con el fin de desnudar al paciente de todas su defensas para revelar la "persona real", para componer la canción. La viuda de Lennon, Yoko Ono, trabajó en la terapia con el doctor Arthur Janov, primero en su hogar de Tittenhurst Park durante tres semanas, y posteriormente en California, donde la pareja pasaría cuatro meses. Lennon describiría la terapia como "algo más importante para mí que The Beatles.".
Otras canciones nacidas por la ayuda de la terapia primal serían "Working Class Hero" e "Isolation".
En la canción que abre el disco Plastic Ono Band (1970), un dolido John Lennon ajustó cuentas con su pasado. Inspirado tras seguir una terapia psicológica con el doctor Arthur Janov, el músico miró atrás en busca de su dolor más profundo: el abandono de Fred, su padre marino mercante, y la separación de Julia, su jovial madre, que le significó ser criado por una severa tía. Aunque años después se reencontró con ella, la perdió definitivamente tras su trágica muerte. Con el triste final de los Beatles, aún latente, Lennon superó su hora más compleja con un descarnado cancionero confesional y crudo. (F)
La canción evoca una sensación de conflicto cósmico y profundo anhelo personal. Las estrofas iniciales describen un desolado campo de batalla interestelar, donde "lanzas de luz" y "armaduras despiadadas" se enfrentan en medio de "cráteres helados." Esta imaginería establece un universo vasto e indiferente, aparentemente gobernado por fuerzas invisibles y malévolas ("¿Qué mala estrella cierra el paso?").
Yuxtapuesta a este telón de fondo de guerra cósmica, hay una súplica por la conexión. El hablante, a la deriva en el aislamiento terrenal ("Perdido entre mares y desiertos"), busca desesperadamente una presencia guía, dirigiéndose a una "noctámbula" y "dadora de infinito" ausente. Esta búsqueda se asemeja a una pluma que cae en la oscuridad, girando sin rumbo en un vacío.
Las estrofas finales cambian a un entorno más íntimo, aunque igualmente desolado: "esta torre de frío." Aquí, el hablante intenta encontrar consuelo en los recuerdos, aferrándose a la "sal de tus labios." Estos recuerdos, sin embargo, solo amplifican la sensación de anhelo, empujando al hablante aún más a un estado de anhelo inmóvil, un "velero inmóvil sin poder anclar," buscando para siempre a la amada ausente. La canción, por lo tanto, explora la tensión entre el vasto e indiferente cosmos y la necesidad profundamente personal de conexión, destacando la profunda soledad que puede surgir de ambos.
«Karma Chameleon» es una canción del grupo británico de new romantic Culture Club. Fue lanzada inicialmente en Reino Unido en 1983 y forma parte de su segundo álbum de estudio Colour by Numbers. Fue compuesta por todos los integrantes de la banda y producida por Steve Levine.
La canción obtuvo el Premio Brit Award, en la categoría «Mejor Sencillo Británico» en el año 2010.
La canción presenta una visión sombría de una fe moribunda, un vacío dejado por la percibida desaparición de Cristo y sus seguidores. Las líneas iniciales establecen una sensación de despertar tardío en medio de una era decadente, simbolizada por el "siglo" tosiendo sangre. Esta imaginería establece un tono de declive irreversible, que culmina con la pérdida de la corona de espinas de Cristo, un símbolo potente de sufrimiento y sacrificio.
La canción sugiere una crisis de fe, donde "dos mil años de rezos" se deshacen, dejando solo silencio. La repetición de oraciones en iglesias vacías subraya la ausencia de respuesta divina, retratando la fe como estancada y sin vida. El deseo de la figura moribunda de estar rodeada de almas y de hundirse con los templos en el agua refleja un anhelo de olvido colectivo.
La pregunta recurrente, "¿Y mañana qué pondremos aquí?" destaca el tema central del poema: la incertidumbre y la ansiedad que rodean al futuro en ausencia de sistemas de creencias tradicionales. Los versos finales enfatizan el impacto personal de esta pérdida, con la corona de espinas cayendo en el camino que el hablante alguna vez siguió. A medida que "dos mil años de sombras" se desvanecen, la duda permanece, sugiriendo un cambio permanente de perspectiva y un desafío para encontrar significado en un mundo desprovisto de marcos religiosos establecidos. Es un lamento por una fe moribunda y una exploración del vacío existencial resultante.
Canciones tristes hay muchas, y suelen considerarse aún más desgarradoras si el oyente se siente identificado con la letra, pero hay algunas que universalmente evocan pena, soledad y melancolía.
La convocatoria fue por "Las 10 canciones más tristes". Nuestros amigos de facebook nos complicaron la elección ya que nos propusieron hermosos y diversos temas que en su momento nos costó mucho dejar afuera. Aún así, espero que esta elección sea de vuestro agrado.
¿Por qué lo triste es tan hermoso?
Estas 10 canciones apuntan en su mayoría a un auditor hispano-hablante. Son historias que hablan de un amor que ya fue o imposible, de la ausencia del padre en el hogar, de la muerte de un ser querido, de la infancia maltratada o de ese sentimiento desgarrador llamado soledad. Todas son hermosas y muy tristes.
“Pones canciones tristes para sentirte mejor”, cantó Gustavo Cerati en “Adiós”, y no estaba equivocado. Cuando la tristeza nos invade, es común que una forma de canalizar ese sentimiento sea por medio de melodías y letras aún más tristes.
"Sucede que me estoy quedando triste, sucede que me canso de reír" El sentimiento de tristeza es algo inherente a todos los seres humanos. Si bien es una realidad comunitaria, también es algo que viven todos de un modo muy individual y en solitario. ¿Y qué puede significar nuestra tristeza cuando miramos el cielo y sus planetas? Nada.
Terra Incógnita es el segundo álbum de Congreso, editado en 1975, bajo etiqueta EMI Odeón. Congreso (banda), adquiere por esos años, una conciencia social y política de lo que ocurría en Chile en los últimos años de la Unidad Popular y en los comienzos de la Dictadura que se venía encima en 1973. Por efecto del Golpe de Estado de 1973, el proceso de grabación se vio truncado y el lanzamiento de este disco se retrasa dos años, siendo lanzado en 1975 con una difusión escasa debido a la censura, que impedía cualquier manifestación cultural. Sin embargo, se convierte en uno de los tres mejores discos del año, según revistas especializadas.
En abril de 2008, la edición chilena de la revista Rolling Stone situó a este álbum como el 13º mejor disco chileno de todos los tiempos.
