"Mea Culpa (Part II)" es el segundo sencillo publicado por Enigma de los cuatro extraídos de MCMXC a.D. Llegó al Nº7 en Alemania, al Nº21 en Austria, al Nº10 en Suiza y al Nº55 en el Reino Unido.
El tema está cantado en francés y latín. El texto en francés está interpretado por Sandra, artista pop de los años 1980 y 1990, y que era entonces esposa de Michael Cretu, el creador del proyecto musical Enigma.
La estrofa en latín hace referencia a una oración antigua en las palabras de "Kyrie Eleison", expresión griega de edad precristiana que fue transliterada posteriormente al latín, y que significa "Señor, ten piedad".
La lluvia al comienzo de "Mea Culpa" es un sample tomado de la introducción al tema "Black Sabbath" del álbum homónimo del grupo Black Sabbath.
Un viaje de culpa y deseo
'Mea Culpa' es una fusión de sonidos ambientales, cantos gregorianos y ritmos electrónicos que crean una atmósfera mística y envolvente. La letra, que combina frases en latín y francés, juega con la idea de la confesión y el arrepentimiento, elementos típicos de la tradición cristiana, mezclados con un intenso deseo carnal y emocional.
El uso de 'Kyrie eleison' y 'Christe eleison', que significa 'Señor, ten piedad' y 'Cristo, ten piedad' respectivamente, remite a la liturgia cristiana y establece un tono de súplica y búsqueda de perdón. Sin embargo, la narradora de la canción confiesa no solo su culpa sino también su incapacidad para resistirse a sus deseos ('Je ne dors plus', 'Je te desire'), lo que sugiere una lucha interna entre sus impulsos y su conciencia. La repetición de 'Mea culpa', que significa 'mi culpa', subraya la aceptación de responsabilidad personal por los deseos prohibidos que confiesa.
La canción puede interpretarse como una exploración de la dualidad humana, donde la espiritualidad y la carnalidad se encuentran en conflicto. Enigma, conocido por abordar temas esotéricos y espirituales en su música, utiliza 'Mea Culpa' para sumergir al oyente en un viaje introspectivo, donde la culpa y el deseo se entrelazan en una danza que es tanto sagrada como profana. La canción invita a reflexionar sobre la naturaleza del arrepentimiento y la complejidad de las emociones humanas. (F)
Helen Folasade Adu; Ibadán, 16 de enero de 1959, conocida profesionalmente como Sade Adu es una cantante y compositora británica de origen nigeriano, vocalista principal de su banda Sade. (W)
El 'beso de la vida' es una metáfora poderosa que representa no solo el amor físico y emocional, sino también la revitalización y la nueva energía que el amor trae a la vida de una persona. Es como si el amor del otro tuviera el poder de revivir y dar un nuevo propósito a la existencia.
"Kiss of Life", una canción de Sade, encapsula la naturaleza agridulce del amor y la devoción. Su melodía sobria pero evocadora, combinada con la voz melodiosa y característica de Sade Adu, crea una atmósfera de intimidad y melancolía. La letra profundiza en las complejidades de una relación donde el amor es esencial y, quizás, fuente de dolor. La metáfora del "beso de la vida" sugiere una fuerza vital que sustenta la vida, pero la canción insinúa el potencial de esta misma fuerza para infligir heridas. En esencia, "Kiss of Life" es una conmovedora reflexión sobre la dualidad del amor: su capacidad de nutrir y herir, de dar vida y, potencialmente, de arrebatársela. El atractivo perdurable de la canción reside en su capacidad de conectar con las propias experiencias del oyente sobre la naturaleza intrincada y, a menudo, paradójica del amor.
Lo triste en la música suele ser muy bello y esta es una canción triste. Cuenta la historia de un viejo carpintero que construye una mesa para los niños.
Y como dice la introducción, "es un sueño de un hombre viejo que se muere solo y deja un regalo...".
Me gusta particularmente la presencia de Neil Diamond en un parque en el cual se reúnen ancianos a jugar ajedrez.
Cuando vi por primera vez el video de esta canción me sentí identificado más con el joven cantante que con el viejo ajedrecista. Hasta que pasaron 40 años volando.
Morningside
El viejo murió
Y nadie lloró
Ellos simplemente se alejaron
Y cuando murió
Dejó una mesa hecha de uñas y orgullo
Y con sus manos talló estas palabras en el interior
"Para mis hijos"
Luz de la mañana
Mañana brillante
Pasé la noche
Con sueños que te hacen llorar
Tiempo de la mañana
Lava la tristeza de estos ojos míos
Porque recuerdo las palabras que el anciano firmó
"Para mis hijos"
Y las piernas fueron formadas con sus manos
Y la parte superior hecha de madera de roble
Y los niños se sentaron alrededor de esta mesa
Tocado con su risa
Ah, y eso fue bueno
Morningside
Un anciano murió
Y nadie lloró
Él seguramente murió solo
Y la verdad es triste
Porque ningún niño reclamaría el obsequio que tenía
Las palabras que talló se convirtieron en su epíteto
Esta canción es tan hermosa como el video por su estética. La versión de Nouvelle Vague es una de las más bellas. No creo que el video (un guiño a Pinocho) sea el oficial de la canción pero la historia que vemos calza justo con la letra de la canción.
"In a Manner of speaking" fue compuesta por Martin Gore (Depeche Mode), y versionada por varias bandas, entre esas Tuxedomoon. La canción está en el E.P. lanzado en 1989 "Counterfeit".
Imagen de la película Ghost con la música de la canción Unchained Melody.
«Unchained Melody» (Melodía desencadenada) es una de las canciones con más versiones del siglo XX (hasta 500 se han registrado).
La música fue escrita por Alex North con letras de Hy Zaret para la película de 1955 Unchained, en la cual fue interpretada por Todd Duncan. Ese año, la canción fue nominada al Óscar como mejor canción.
“Unchained Melody” es una canción que, en realidad, se escribió para otra película cuyo argumento nada tenía que ver con Ghost. Esa fue la que inspiró el nombre de la canción. Dirigida por Hall Bartlett, se estrenó en 1955 como Unchained. Y cuenta, justamente, la historia de un hombre que es juzgado y culpado por un crimen. A pesar de su carácter violento es enviado a una prisión donde no hay rejas ni cadenas. Si bien planea una fuga, es influido por el resto de los detenidos, que se adaptan a ese modelo no represivo y decide cumplir su condena. El tema, que fue ternado en los premios Oscar como mejor banda de sonido original, se escuchaba en la voz de un preso que se acompañaba sólo por su guitarra.
Righteous Brothers, los responsables de la versión más famosa de "Unchained Melody"
Michael Ochs Archives - Michael Ochs Archives
Sobre cómo se gestó la canción, una de las versiones dice que Alex North, el compositor, le encargó a Hy Zaret, letrista de Tin Pan Alley, una letra que incluyera la palabra “unchained”. Cuenta la leyenda que Zaret primero se negó pero luego aceptó con la condición de que se descartaría el pedido de North. Y así fue, la palabra “unchained” no aparece en los versos.
La canción tiene un comienzo pequeño intimista, que va creciendo a medida que pasan los compases hasta alcanzar formas corales o sinfónicas. Por eso es común que las versiones tengan esa dinámica que va desde esa declaración íntima hasta el gesto musical grandilocuente. En el final de su carrera se pudo ver a Elvis Presley cuando se sentó al piano, rodeado por sus músicos, para interpretarla. Hay un registro en vivo, de 1977, en su último concierto, donde se lo escucha agitado, pero entregando toda su fuerza canora, desde el comienzo.
Hay secuencias del cine y melodías que conforman matrimonios perfectos. Tanto que algunos films sobreviven a su propio tiempo por esos breves minutos o segundos. Como esa secuencia de la película Ghost en la que Demi Moore enciende un torno para cerámica, se moja las manos, comienza a modelar y al cerrar sus ojos aparece su “fantasma” (Patrick Swayze), que la abraza apasionadamente. Todo eso ocurre mientras detrás se escucha la voz de los Righteous Brothers con la clásica modulación de las baladas de la década del cincuenta: “Woah, my love, my darling / I’ve hungered for your touch / A long, lonely time”. “Unchained Melody” (aquí conocida como “Melodía desencadenada”) fue famosa por las voces de este dúo, en la década del cincuenta, y volvió a tener otro momento de fama gracias a esta película de 1990 que dirigió Jerry Zucker. Pero tuvo muchas otras versiones, incluso de ilustres como Elvis Presley y Bono de U2, en mas de medio siglo.
