La historia de un estafador de poca monta que de a poco se convierte en un psicópata asesino.
Ripley es una serie de televisión estadounidense de suspenso psicológico de 2024, basada en la novela policial de 1955 de Patricia Highsmith El talento de Mr. Ripley. Protagonizada por Andrew Scott como Tom Ripley, Johnny Flynn como Dickie Greenleaf y Dakota Fanning como Marge Sherwood, la serie de duración limitada de ocho episodios fue creada, escrita y dirigida por Steven Zaillian. Es la primera adaptación en serie de la novela de Highsmith, después de las versiones cinematográficas "A pleno sol", de 1960, y "The Talented Mr. Ripley", estrenada en 1999.
Ripley estaba originalmente programada para emitirse en el canal de televisión Showtime, pero en febrero de 2023 la serie se trasladó a Netflix. Finalmente se estrenó el 4 de abril de 2024.
En la Nueva York de los años 60, Tom Ripley, un estafador poco exitoso, quien vive en un hotel destartalado, es contratado por un hombre rico para convencer a su hijo pródigo de que regrese a casa desde Italia. Pero la introducción de Tom a la cómoda y tranquila vida de Dickie Greenleaf en el extranjero "es el primer paso hacia una vida compleja de engaño, fraude y asesinato".
Comentarios
La serie es muy buena. Merece sin duda alguna un reconocimiento por muchos aspectos; su cuidada estética filmada en blanco y negro que es todo un acierto; las localizaciones en su mayoría en Italia tanto en interiores como en exteriores son sublimes, desde los ambientes barriobajeros napolitanos a los lujosos palacios con accesos náuticos privados y vistas al Gran Canal veneciano; la minuciosa ambientación en los años sesenta que sumerge al espectador en el período, la caracterización de todos los personajes principales, especialmente Tom Ripley, como sociópata calculador y su antagonista, el inspector Pietro Ravini, con su fría mirada analítica sobre el comportamiento criminal, y personajes secundarios, como los recepcionistas de hotel, que constituyen todo un estudio sociocultural de la sociedad italiana.
La fascinación del protagonista con el maestro Caravaggio, primero en su faceta artística y posteriormente en su faceta criminal, dotan de un aire aristocrático a sus actos desalmados.
Ni que decir tiene que, de manera sutil, hay elementos que cobran un protagonismo palpable, como las escaleras que se hacen muy presentes en todo momento u objetos como los ceniceros, convertidos en el arma de un crimen.
En definitiva, una serie muy recomendable para un público saturado ante tanta mediocridad y ordinariez. (Manuel V.)
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Muy buena miniserie donde se hace una propuesta completamente renovada y distinta a lo que vimos en la película de 1999.
En esta nueva versión de ocho capítulos conocemos a un Tom Ripley más calculador, metódico y sangre fría, incluso pareciera un personaje de thriller policíaco. Dickie Greenleaf, Marge y Freddie Miles también muestran una personalidad más fría, que combina con lo gris de los ambientes europeos de la miniserie.
Hay que destacar la idea de rodarla en blanco y negro le otorga a cada escena una estética que semeja a una obra de arte más de las tantas que se pueden ver durante la trama que nos lleva a visitar Atrani, Nápoles, San Remo y Roma.
Lo único negativo es que el último capítulo deja varios detalles que no van en concordancia con lo que se propuso desde el episodio uno al siete, si bien el detective queda al debe, sería interesante si se continuara una segunda parte donde este vaya en una persecución en contra de Tom / Dickie. (Gustavo Pérez)
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Que Satisfacción mas grande poder observar y deleitarme esta fascinante Serie, La Película fue muy buena, sin embargo me gusto mas la serie....
La Calidad fotográfica es inigualable, La Dirección de Zaillian fue estupenda, sus planos, los espacios, locaciones, el aspecto metafórico , los tiempos en cada escena, las interpretaciones de cada personaje, sobre todo Scott , el exquisito gusto por el arte, en especial El Artista Caravaggio, sus obras, que invitan a que el espectador se deleite observando sus obras, los constantes brindis con Vino, que nos invita a celebrar las pequeñas y valiosas cosas que nos da la vida, pasear por distintos y bellos espacios de Italia, que nos incitan a Viajar...
Por otra parte, valorar El Poder de Observación del personaje principal y la complejidad de las emociones a la que esta expuesto cualquier ser humano, las mentiras y ambiciones....RECOMENDABLE (Orlando Valero)
"El nacimiento de Venus", de Sandro Botticelli, 1484. Temple sobre lienzo. 278.48 cm, por 172.48 cm. Galería Uffizi, Florencia, Italia.
Muchos artistas (pintores e ilustradores) en este siglo hemos reinventado el mito de Afrodita o Venus y de alguna manera también ayudado a su permanencia. Pintar el nacimiento de Venus (la diosa de la belleza) es una metáfora a lo que muchos pretendemos que el arte vuelva a ser un homenaje a la belleza.
Tradicionalmente se ha creído que esta obra, como "La Primavera", fue encargada por Lorenzo di Pierfrancesco de Médici, primo de Lorenzo el Magnífico, para adornar Villa di Castello en la campiña florentina. La idea parte de que fue allí donde las contempló Giorgio Vasari años después. Estudios recientes indican otra cosa: la Primavera se pintó para la casa de Lorenzo en la ciudad de Florencia y El nacimiento de Venus fue un encargo de otra persona para un lugar diferente. Por lo tanto, no se conoce la fecha exacta de su composición, ni tampoco el comitente para el cual fue ejecutado. Actualmente se considera que debió pintarse entre 1482 y 1484, en cualquier caso, después de la estancia romana de Botticelli. Sólo está documentado por Botticelli que Venus fue interpretada por, Simonetta Cattaneo de Candia, llamada Simonetta Vespucci o simplemente "la bella Simonetta", una musa Florentina elegida por los Medici. Estos documentos de pictografía indican que para el año 1499, ambas estaban instaladas en Castello, entonces propiedad de esta rama secundaria de los Médicis.
El Nacimiento de Venus, del griego Apeles (352 a. de C - 308 a. de C.) Copia romana.
Artículo publicado hace un tiempo por el diario La Nación, de Argentina. Debo aclarar que la autora de la nota (Celina Chatruc) parece estar en sintonía con los entrevistados sobre cómo enseñar arte y para qué.
¿Se puede enseñar a ser artista y cuál es el rol del docente?
Enseñar o educar requiere esfuerzo. De no ser así el resultado puede ser toda una generación de "hijos malcriados".
(Introducción de Rubén Reveco)
En la actualidad, nos encontramos con una preocupante situación en el ámbito educativo, especialmente en las escuelas de artes y facultades. Muchos docentes parecen estar desorientados, limitándose únicamente a cumplir con su trabajo y cobrar su salario al final de mes.
Esta falta de profesionalismo se justifica bajo el concepto de libertad, el cual ha sido malinterpretado y utilizado para igualar hacia abajo. La generación "ni" representa esta tendencia de no comprometerse ni con el aprendizaje ni con la enseñanza, lo cual pone en riesgo la labor del docente al permitir que los alumnos se sitúen en el centro de la escena.
La idea de fomentar la expresión individual, la búsqueda del yo interior y la no condicionante de la creatividad ha generado una generación carente de conocimientos básicos en áreas como historia, color, equilibrio, entre otros. La falta de formación en técnicas fundamentales como dibujo y pintura ha llevado a una degradación en la calidad artística.
Es fundamental reflexionar sobre la importancia de una educación sólida y estructurada en las artes, que promueva el desarrollo de habilidades técnicas y creativas. No podemos permitir que la falta de compromiso y profesionalismo de los docentes afecte la formación de las futuras generaciones de artistas.
De Milo Manara poco nuevo podemos contarles a estas alturas, ya que es posiblemente uno de los dibujantes e historietistas más famosos de todos los tiempos, con una más que merecida reputación, especialmente gracias a la sensualidad y el erotismo que impregnan toda su obra. Manara es un maestro indiscutible en su campo y, sin duda, uno de los artistas favoritos de muchos admiradores del arte visual.
Nacido en Luson, provincia de Bolzano, en Italia en 1945, Manara ha dejado un legado artístico enorme que ha perdurado a lo largo del tiempo. Su estilo distintivo y su enfoque único hacia temas de sensualidad y erotismo lo han establecido como una figura icónica en el mundo del arte gráfico y la historieta. A lo largo de su carrera, ha demostrado una habilidad excepcional para combinar la belleza estética con la profundidad emocional, creando obras que cautivan a la audiencia y provocan reflexiones sobre la naturaleza humana y la sociedad.
A pesar de que en el pasado se ha rendido homenaje a la obra de Manara, es importante destacar que la relevancia y el impacto de su trabajo continúan resonando en el mundo del arte contemporáneo. En esta ocasión, nos adentramos en su serie sobre los 7 Pecados Capitales, una exploración fascinante y provocativa de aspectos fundamentales de la condición humana.
Cada una de las obras que componen esta serie revela la maestría de Manara en la representación visual de conceptos abstractos y complejos. A través de sus ilustraciones, logra transmitir la esencia de la lujuria, la gula, la avaricia, la pereza, la ira, la envidia y la soberbia de una manera que despierta la imaginación y desafía las convenciones establecidas. Su capacidad para capturar la sensualidad y el erotismo en sus creaciones es incomparable, y su enfoque en los aspectos más oscuros de la naturaleza humana revela una profundidad emocional que trasciende lo superficial.
La foto fue tomada el 20 de septiembre de 1932 en el piso 69 del edificio RCA (el futuro Rockefeller Center) en los últimos meses de construcción.
Charles Ebbets, (1905-1978) fue un fotógrafo estadounidense de Alabama, famoso por la fotografía “Almuerzo en la cima de un rascacielos”. Trabajó en los principales periódicos de todo el país, incluyendo el New York Times. En 1932, fue nombrado director de fotografía para el Rockefeller Center, edificio que estaba en construcción en Nueva York, donde tomaría esta instantánea.
En 1932, el fotógrafo estadounidense Charles Clyde Ebbets tomó una de las fotografías más famosas del mundo: el almuerzo en la cima de un rascacielos. La foto muestra a los trabajadores sentados en una viga de acero a una gran altura, casi en el cielo, sin ningún seguro o mecanismo de apoyo, y cenando tranquilamente, riéndose y hablando entre ellos. Solo 11 personas se sientan en una viga a una altura de 256 metros sobre las calles de Nueva York. La foto fue tomada durante la Gran Depresión, cuando personas desesperadas estaban listas para cualquier trabajo, independientemente de los problemas de seguridad.
La fotografía original ha sido considerada "anónima" por mucho tiempo. Solo en 2003, los investigadores acordaron que la fotografía pertenece a Charles Clyde Ebbets. De hecho, esta famosa fotografía no es única. Hay muchas fotografías que representan a personas a gran altura durante la construcción de rascacielos en Nueva York: Hay muchas de esas fotografías y están retratadas por personas verdaderamente inusuales. Las personas que carecen de uno de los más profundos temores humanos: ¡el miedo a las alturas!
Versión friki de la famosa foto de Charles Ebbets.
La flecha señala en lugar exacto de la fotografía.
Del blog amigo "Delir-arte" tomamos el minucioso trabajo de mostrarnos el original y la versión de Manara para que comparemos y critiquemos, si fuese necesario.
Los clásicos de la pintura también tienen sus cover y sus adeptos. Sin embargo, el dibujante Milo Manara (un clásico de este blog) ha sido el único que ha realizado una producción que recrea casi toda la historia del arte.
"Fryne ante el Aerópago", 1861, de Jean-León Gerome.
Versionar
El origen inglés del término "cover" está mucho más relacionado con la música popular. Una canción versionada o una versión (se usa a veces el anglicismo cover, que significa "cubierta", a pesar de su uso impropio) es una nueva interpretación (en directo, o una grabación) de una canción grabada previamente por otro artista. En español es común utilizar el término "versionar" para referirse a la acción de crear o interpretar una canción versionada. En inglés, una cover band es una banda que exclusivamente interpreta versiones. Los músicos populares pueden interpretar canciones versionadas como un homenaje al intérprete o compositor original, para ganar audiencia a la que le gusta escuchar una canción familiar, o para incrementar su oportunidad de éxito utilizando una canción ya reconocida como éxito popular, comprobado o ganando credibilidad por la comparación la versión original. aunque muchas versiones son tan buenas como las originales sin embargo otras superan a la original. Las canciones versionadas con cierta frecuencia cumplen una función de "renovación" del sonido de un tema, por lo que la nueva versión es de alguna manera presentada a una nueva generación de la audiencia que quizás no conocía antes el tema. En algunos casos una canción versionada que llega a ser muy aclamada es más asociada con el nuevo intérprete que con el intérprete original.
Hace una década, al iniciar este blog, solía compartir una historia cada tres días. Con el tiempo, la frecuencia se incrementó a una por día, lo que implicaba un esfuerzo considerable, especialmente al no contar con una herramienta como GonVisor para la descarga de cómics. De esta manera, gradualmente fui aumentando la cantidad de publicaciones hasta alcanzar un total de ocho al día, entre aquellas ya compartidas y las nuevas creaciones. Mañana, en una primicia, tengo planeado publicar 24 historias, una cada hora, marcando así el comienzo de una maratón de 24 horas que espero repetir al cierre de cada mes.
Dibujar un barco de época es todo una proeza. Además de ser hecho por un gran artista, este debe estar muy bien documentado. Estos son algunos de los cómic ambientados en los siglos XVII y XVIII que hemos publicado. En ellos aparecen hermosos barcos de guerra en pleno combate y magníficas tempestades para el deleite del lector de cómic.
Los barcos, naufragios y combates navales del siglo XVII y XVIII han sido temas recurrentes en el mundo del cómic. Dibujar un barco de época es todo un desafío, ya que no solo requiere de habilidad artística, sino también de una investigación minuciosa para asegurar la precisión histórica.
En la historia del cómic, hemos podido apreciar la representación de hermosos barcos de guerra en pleno combate, así como dramáticos naufragios y emocionantes batallas navales. Estas historias transportan al lector a una época pasada, donde la navegación era una aventura llena de peligros y emociones.
Uno de los aspectos más fascinantes de estos cómics es la recreación de las tempestades marinas, que son representadas de manera espectacular y realista. Los artistas se esfuerzan por capturar la fuerza y la majestuosidad de los elementos naturales, creando imágenes impactantes que sumergen al lector en la acción.
Además, la ambientación en los siglos XVII y XVIII permite explorar no solo la parte visual, sino también la trama y los personajes que protagonizan estas historias. Los lectores pueden adentrarse en intrigas políticas, traiciones, lealtades y amores imposibles, todo ello enmarcado en un contexto histórico apasionante.
