El caballo en el cómic (1) Desde la Prehistoria hasta Roma

PREHISTORIA

Tunga: El potro negro

El caballo desempeñó un papel fundamental en la Prehistoria, Sirviendo como un importante recurso para las comunidades humanas. Su domesticación, que se estima ocurrió alrededor del cuarto milenio a.C. en las estepas euroasiáticas, permitió a los grupos nómadas mejorar sus posibilidades de caza y aumentar su movilidad. Además, el equino se convirtió en un símbolo de estatus y poder, influyendo en la organización social y en el desarrollo de las primeras civilizaciones. La relación entre el ser humano y el caballo marcó un hito en la evolución cultural y económica de las sociedades prehistóricas.

A lo largo de la historia de la humanidad, el caballo ha desempeñado un papel fundamental en nuestro desarrollo y progreso. Este noble animal ha sido un compañero constante, colaborando en las conquistas y avances culturales y tecnológicos del ser humano. Desde las imponentes razas de tiro hasta las diminutas razas miniatura, como la Falabella, el caballo ha demostrado su versatilidad y valor en diversas facetas de la vida. Su presencia ha trascendido épocas y civilizaciones, consolidándose como un símbolo de lealtad y compañerismo en la historia compartida entre estas dos especies.

La figura del caballo en la representación artística y en el cómic

El caballo, un animal que ha acompañado al ser humano a lo largo de su historia, no solo ha sido un compañero en la vida diaria y un símbolo de fuerza y nobleza, sino que también ha dejado una huella indeleble en el ámbito del arte y, más recientemente, en el cómic. A lo largo de los siglos, su representación ha evolucionado, reflejando perspectivas culturales, filosóficas y estéticas diversas. En este ensayo, se examinará la figura del caballo en la representación artística, desde su presencia en las pinturas clásicas hasta su manifestación en el cómic contemporáneo, analizando cómo su simbolismo ha cambiado y se ha adaptado en diferentes contextos.

Hermafrodita en el arte

No existen muchas obras de arte con el tema que nos convoca hoy. La más famosa (sin duda la más bella) es la copia de una escultura griega, llamada "Hermafrodita durmiente" que se encuentra en el Louvre. Escultura en mármol de estilo griego, copia romana del siglo II a.c, de un original helenístico del siglo II a.c, restaurada en el 1619 por David Larique. Bajo la escultura: un colchón en mármol de Carrara realizado por Gianlorenzo Bernini en el 1619 a petición del Cardenal Borghese.

El vocablo griego hermaphróditos, cuya terminación está influida por Afrodita (nombre de la diosa griega del amor), llegó al latín como hermaphrodītus. El concepto arribó a nuestro idioma como hermafrodita, un adjetivo que alude a quien tiene los dos sexos (femenino y masculino).

En la zoología y la biología, un organismo hermafrodita es aquel cuyo aparato reproductivo es mixto y, por lo tanto, puede generar gametos femeninos y masculinos. La autofecundación, de todos modos, es muy inusual.

Las lombrices de tierra son ejemplos de animales hermafroditas. Disponen de órganos reproductores femeninos y masculinos y se reproducen a través del apareamiento. Lo mismo ocurre con los caracoles, que producen óvulos y espermatozoides y se acoplan para lograr la fecundación. (Fuente)

Una de las representaciones de Hermafrodita más conocidas en la historia del arte es "El hermafrodita dormido" de la colección Borghese que se encuentra en el Louvre. La estatua original fue descubierta cerca de las termas de Diocleciano alrededor de 1608, cuando se la mostraron al cardenal Borghese quedó tan impresionado por la belleza de la escultura que encargó a Bernini que le realizara un almohadón a la altura de la pieza, desde ese momento se convirtió en una de las piezas más admiradas de su colección. 

Entrevista al pintor Modesto Trigo Trigo

13.000 kms. es la distancia que nos separa de la obra del pintor español Modesto Trigo Trigo y sin embargo la sentimos cercana, familiar, nuestra, comprensible. Son representaciones de Madrid, pero bien podría ser Buenos Aires, Sao Pablo, Santiago de Chile. La gran ciudad con sus habitantes anónimos que circulan de prisa, tal vez después de una jornada de trabajo y en la necesidad de llegar pronto a sus hogares.

La obra del artista es siempre superar distancias para que los de allá y los de acá se unan en el arte.

Por Rubén Reveco, editor

“La pintura ofrece otra forma de ver la realidad, transforma el ente subjetivo, que es muy personal; es darle una vuelta de tuerca más al concepto del realismo”, expresa Trigo Trigo. En el realismo madrileño, “que empieza con Antonio López y ya es una escuela en la que se pueden encontrar cincuenta nombres punteros”, es precisamente donde inscribe su estilo Modesto Trigo.
Considera que el realismo actual es un movimiento al que en España no se le está concediendo la debida atención, que pasa desapercibido a pesar de tener una gran potencia y de que en países como Estados Unidos y Reino Unido se desarrolla con mucha fuerza.
No obstante, va más allá y explica que en sus cuadros intenta trascender la realidad y captar emociones, que para él no tiene interés el realismo cuando se queda “en mera fotografía”, porque el pintor no puede competir con la cámara. Hay, explica, un filtro que intenta separar elementos para trasladar la emoción y “eso es lo que produce la tensión y una obra de arte no existe sin tensión”. “El hiperrealismo lo ilumina todo, no tiene misterio, le falta embrujo. En la tradición española están los detalles en la sombra”, concluye.

-¿Qué compromiso siente con la ciudad, por qué paisaje urbano? 

Llegué a Madrid en 1990, en mi trayectoria anterior, había hecho de  todo, murales retratos marinas, también tuve una época surrealista, empecé a hacer un cuadro de la Gran Vía madrileña, ante la dificulta lo tuve un año parado. Vino a mi estudio D. Santiago Sánchez Echeberría, dueño de la Galería Gastelló 120 y me dijo que le gustaba mucho como estaba manchado el cuadro, me dijo que si lo terminaba lo expondría en su galería y le haría un poster. En un principio Madrid me pareció inhóspito pero poco a poco le fui cogiendo cariño y desde entonces no he parado de hacer paisaje urbano de Madrid y otras ciudades, alternándolo con bodegones, desnudos y retratos. 

El arte, la fotografía, el arte digital y la IA

A lo largo de la historia del arte, la evolución de las técnicas y herramientas ha marcado un camino de transformaciones significativas en la forma en que los humanos expresan su creatividad. En un primer momento, los pintores establecieron las bases de la representación visual, empleando pigmentos y pinceles para plasmar su percepción del mundo. Este arte manual, impregnado de simbolismo y técnica, fue fundamental para la comunicación visual en sus respectivas épocas.

La historia del arte es una crónica de evolución y transformación, un relato que presenta cómo las diferentes formas de expresión han ido sucediéndose a lo largo del tiempo. Desde la pintura hasta la fotografía, pasando por el arte digital y el surgimiento de la inteligencia artificial (IA) como una nueva herramienta de creación, el camino del arte ha estado marcado por innovaciones que desafían las nociones convencionales de la creatividad y la autoría. En este ensayo, exploraremos cómo cada fase de esta evolución ha influenciado no solo la práctica artística, sino también la percepción que la sociedad tiene sobre el arte y su relación con las nuevas tecnologías.

Por Rubén Reveco - Editor

En primer lugar, es esencial reconocer el papel fundamental de los pintores en el desarrollo del arte. Desde las pinturas rupestres en las cavernas prehistóricas hasta las obras maestras del Renacimiento, la pintura ha sido durante siglos la forma predominante de expresión artística. Los pintores, a través de la utilización del color, la forma y la perspectiva, han logrado transmitir emociones, contar historias y reflejar la realidad de su tiempo. Artistas como Leonardo da Vinci y Vincent van Gogh no solo han creado obras icónicas, sino que también han planteado interrogantes sobre la técnica, el subjetivismo y la percepción visual. La pintura ha sido el medio en el que el ser humano se ha confrontado con su propia existencia y ha expresado sus pensamientos y sentimientos más profundos.

Ming y Mong. Los malos de Flash Gordon y Mampato

Ming -1940- junto a su hija, la Princesa Aura. 
Flash Gordon comenzó a ser publicado el 7 de enero de 1934. 

Es sabida y comprobada la influencia que tuvo Astérix (cómic francés, 1959) en el estilo del primer Mampato  dibujado por Oscar Vega (cómic chileno, 1968).
Lo que no había descubierto era el parecido entre uno de los malos del cómic chileno con otro legendario personaje de la historieta mundial. No fue hasta que publiqué una serie de cómic de Flash Gordon cuando comprobé que Mong (el malvado general de Verd) se parecía mucho a Ming, el malo del planeta Mongo.

Flash Gordon es una historieta de ciencia ficción creada por el dibujante Alex Raymond para el King Features Syndicate, como página dominical. Surgió para competir con las aventuras de Buck Rogers y rápidamente desarrolló un éxito muy superior y más perdurable en el tiempo. Fue adaptado a la televisión y el cine, y posiblemente constituyó el "icono más conocido de la ciencia ficción visual hasta la aparición de Star Wars.
Ming, el Despiadado, es un personaje que apareció por primera vez en el Flash Gordon en 1934. Desde entonces, ha sido el principal villano de la banda. Ming es representado como un tirano despiadado que gobierna el planeta Mongo.

Mong (1968)

De tan malo que era, Mong llegaba a ser un personaje simpático

Sobre amor y sexualidad: Los mejores videos

                                                                                        

Este no es un blog que trate temas de amor (salvo contadas ocasiones) y sexualidad (algo más). Lo que pasa es que los cómics, en especial, predomina temas relacionados con la aventura, la ciencia ficción, el terror y la acción, quedando los temas del corazón relegados a un discreto segundo o tercer plano.

Husmeando en YouTube me encontré con esta conferencia de Marían Rojas Estape (española) que me resultó muy ilustrativa y entretenida. Esto me llevó a Darío Sztajnszrajber (argentino) y a Alejandro Jodorowsky (chileno), todos intentando ilustrarnos sobre esa magia llamada amor.

Y como pasa con todo lo que me gusta, también deseo compartirlo con la esperanza de que tenga una buena recepción. De amoroso nomás que soy.

                                                                                        

Psiquiatra Marian Rojas Estape.

Vieron a Tom Jobim paseando en la playa de Ipanema

 

                                                                                        

La estatua en Río de Janeiro homenajea al fundador de la bossa nova es una obra de arcilla y bronce colocada en su lugar favorito de la playa que él hizo famosa.

                                                                                        

FUENTE: Diario El País

Después de casi 30 años de su muerte (8 de diciembre de 1994) a Tom Jobim lo pueden ver en Ipanema, la playa que inmortalizó con la canción sobre “esa cosa tan linda, tan llena de gracia”, un símbolo de las mujeres cariocas bronceadas que perseguía con la vista en compañía de su compañero de faenas, el poeta Vinicius de Moraes.

El Ayuntamiento de Río de Janeiro inauguró en 2014 una estatua de tamaño real, realizada en arcilla y bronce, que muestra al músico en su plenitud física, caminando y cargando una guitarra sobre el hombro derecho. Tom Jobim, como era conocido, fue emplazado en el malecón que recorre Arpoador, uno de los extremos de la playa de Ipanema, lugar favorito de surferos, pescadores y transeúntes que se sientan a ver el espectáculo diario de la caída del sol por detrás de la favela de Vidigal.

La escultora responsable de la obra, Christina Motta, eligió representar a Tom Jobim “en la cima de su éxito”, poco antes de que lanzara La chica de Ipanema, una de las canciones más grabadas de la historia de la música.

La pólvora (Machete educa y entretiene)

La pólvora es una mezcla deflagrante utilizada principalmente como propulsor de proyectiles en las armas de fuego y, con fines acústicos y visuales en los juegos pirotécnicos. La palabra pólvora se refiere concretamente a la denominada pólvora negra. Está compuesta de determinadas proporciones de carbón, azufre y nitrato de potasio, pero con la aparición de los propelentes nitrocelulósicos modernos, dicha denominación se extendió a estos, a pesar de ser productos químicamente distintos.

Fuente Editorial Océano

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Cautivas de ficción en el arte de hoy

"Conan". Dibujo de Frank Cho.

Todos en algún momento hemos cultivado alguna atracción por lo malvado. Las cautivas en el arte y en la literatura han sido un tema bastante recurrente. Hay mitos y pinturas referidas a este complejo asunto. Siempre con un justificativo de tipo romántico: se raptaba por amor y se dejaba en un segundo plano las intenciones de ejercer poder y libido.

"Cautive princess". Ilustración de Frank Frazetta.

El rojo, mata

El rojo es el más apasionado de los colores del círculo cromático. Uno de los colores primarios que más llama la atención y nos acompaña desde el principio de los tiempos. La simbología tras él es muy amplia, y engloba conceptos tan diferentes como la pasión, la alegría, el odio o lo inmoral.

Texto de Aranzazu Santana

Los efectos y sensaciones que nos evocan los colores no son algo innato. Al igual que con el lenguaje es necesario de un aprendizaje. Tras el paso de los años estos conocimientos se asumen como propios. Por ello nos encontramos con conceptos, que si los analizamos en profundidad, veremos que no han surgido por sí solos. La historia ha influido en el lenguaje del color y por ello nos encontramos que los simbolismos que se esconden tras él tienen un origen muy antiguo.

El primer color al que el hombre le puso nombre fue el rojo. En todas las lenguas existe una palabra para denominarlo. Sin embargo, nos podemos encontrar que otros no tienen ese privilegio y han adquirido el nombre de algún elemento en la naturaleza con dicho color.