Faithful unto Death (1897) Cristianos a los leones.
El desnudo, la tortura, la crueldad, la esclavitud, el sacrificio y la muerte: O sea, el morbo. ¿Cuál era la motivación de los artistas de fines del siglo 19 cuando realizaban una pintura histórica? ¿Porqué se exhibía el cuerpo desnudo de hermosas mujeres jóvenes expuestos a ser devorados por fieras?
Por Rubén Reveco. Editor
Análisis de una pintura de Herbert Gustave Schmalz: "Fieles hasta la muerte" (1897)
La obra "Fieles hasta la muerte" del artista alemán Herbert Gustave Schmalz, creada en 1897, es una poderosa representación de la violencia, la crueldad y la opresión que prevalecían en el mundo antiguo. Esta impactante pintura al óleo capta con maestría la desolación y el sufrimiento de siete mujeres desnudas atadas a postes en la arena de un circo romano, a punto de ser devoradas por (suponemos) hambrientos leones.
La escena evoca un momento del pasado en el que el espectáculo de la tortura y la muerte se convirtió en un entretenimiento público. Las mujeres, despojadas de sus vestimentas y vulnerables, simbolizan la fragilidad de la condición humana frente a la brutalidad del poder. Sus rostros reflejan una mezcla de miedo, desesperación y, quizás, una última chispa de esperanza o determinación.
La composición de la pintura es particularmente impactante. La masa de gente, representada con pinceladas rápidas y expresivas, transmite la energía y la avidez del público, que parece absorber el sufrimiento ajeno como una forma de entretenimiento.
Este 30 de junio recordamos a los Protomártires de Roma
Pero la tragedia de esta escena no reside solo en el destino de las mujeres, sino también en la propia sociedad que las ha condenado. La pintura nos confronta con nuestra propia naturaleza humana, nuestra capacidad para la crueldad y la indiferencia ante el sufrimiento de los demás. Es una obra que nos obliga a reflexionar sobre los peligros del abuso de poder, la deshumanización y la falta de empatía.
La presencia del desnudo en la obra agrega una capa adicional de complejidad. Las mujeres, despojadas de sus ropas, se convierten en objetos de escrutinio y deseo, lo que acentúa aún más su vulnerabilidad y la naturaleza morbosa del espectáculo. El artista parece cuestionar la forma en que la sociedad ha cosificado y explotado los cuerpos de las mujeres a lo largo de la historia.
"Fieles hasta la muerte" de Herbert Gustave Schmalz es una obra que trasciende los límites del arte y se convierte en un poderoso llamado a la conciencia. Mediante la representación impactante de la violencia, la crueldad y la opresión, el artista nos desafía a confrontar nuestros propios demonios y a reflexionar sobre la naturaleza humana en toda su complejidad. Es una obra que resuena con fuerza en el presente, recordándonos la importancia de la empatía, la justicia y la humanidad.
El artista.
Herbert Gustave Schmalz (1856-1935) fue un artista británico de ascendencia alemana, conocido por sus pinturas históricas y bíblicas que capturaban una sensación de drama y emoción. Nacido en Londres, Schmalz mostró un talento artístico temprano y comenzó su educación formal en la Escuela de Arte de South Kensington.
El trabajo de Schmalz se asocia a menudo con el estilo académico que prevaleció a finales del siglo XIX y principios del XX. Obtuvo reconocimiento por su hábil ejecución de temas históricos y religiosos, inspirándose en temas y narrativas clásicas. Sus pinturas a menudo presentaban personajes de la literatura, la mitología y las historias bíblicas, retratándolos con una meticulosa atención al detalle y un enfoque en la narración narrativa.
Una de las contribuciones notables de Schmalz es su capacidad para infundir a sus obras un fuerte sentido de emoción y teatralidad. Sus pinturas, a menudo caracterizadas por una iluminación dramática y poses expresivas, tenían como objetivo evocar una profunda respuesta emocional en el espectador. Este enfoque fue particularmente efectivo en sus escenas históricas y bíblicas, donde buscó transmitir la intensidad de los momentos representados.
En particular, las pinturas religiosas de Schmalz obtuvieron un gran reconocimiento. Sus representaciones de figuras y escenas bíblicas, como "La invención de la cruz" y "La sombra de la muerte", demostraron su dominio de la composición y su habilidad para retratar las dimensiones espirituales y emocionales de sus sujetos.
A lo largo de su carrera, Schmalz expuso sus obras en importantes galerías y exposiciones de Londres y otras ciudades europeas. Su éxito también se reflejó en los numerosos premios prestigiosos que recibió por sus contribuciones al mundo del arte.
Hoy en día, Herbert Gustave Schmalz es recordado como un artista talentoso y consumado, especialmente reconocido por sus pinturas históricas y religiosas que combinaban la excelencia técnica con una profunda resonancia emocional. Sus obras siguen siendo apreciadas por su capacidad de transportar a los espectadores a las narrativas dramáticas y los paisajes emocionales que creó hábilmente sobre lienzo.
VER TAMBIÉN:
Los duros inicios del cristianismo
Otras obras de otros artistas
Una mujer cristiana martirizada bajo Nerón en una recreación del mito de Dirce (pintado por Henryk Siemiradzki , 1897, Museo Nacional de Varsovia ).
El morbo en el arte histórico del siglo XIX
Durante finales del siglo XIX, una notable tendencia se manifestó en el campo de las artes visuales: la representación de temas oscuros y morbosos en las pinturas históricas. Conceptos como el desnudo, la tortura, la crueldad, la esclavitud, el sacrificio y la muerte, parecían ejercer una fascinación casi mórbida en los artistas de la época.
¿Cuál era la motivación subyacente detrás de esta inclinación hacia lo sórdido y lo violento? Una posible explicación reside en el contexto social y cultural de la época. El siglo XIX fue testigo de profundos cambios políticos, científicos y sociales que desafiaron las certezas del pasado. En medio de esta turbulencia, el arte se convirtió en un espacio para explorar los aspectos más oscuros de la condición humana.
Los artistas, influenciados por las teorías filosóficas y el auge del Romanticismo, buscaban capturar la cruda realidad de la existencia, incluyendo sus facetas más desgarradoras. La representación del cuerpo desnudo, en particular el de mujeres jóvenes y bellas, se convirtió en un vehículo para evocar sentimientos de vulnerabilidad, sufrimiento y, en ocasiones, una inquietante sensualidad.
Asimismo, la exhibición de estos temas morbosos respondía a una demanda del público. La sociedad de la época, cada vez más urbanizada y fascinada por los avances tecnológicos, desarrolló un apetito por lo espectacular y lo sensacional. Las pinturas que mostraban escenas de violencia, tortura y sacrificio humano satisfacían esta sed de lo macabro, permitiendo a los observadores experimentar una mezcla de horror y fascinación.
En última instancia, la presencia recurrente de lo morboso en el arte histórico del siglo XIX refleja una profunda ambivalencia de la época. Por un lado, los artistas buscaban explorar los aspectos más sombríos de la condición humana, desafiando las nociones convencionales de belleza y moralidad. Por otro lado, respondían a las expectativas de un público ávido de experimentar lo espeluznante y lo sublime a través de la contemplación de estas obras.
La última oración de los mártires cristianos (Jean-Léon Gérôme)
Este 30 de junio se recuerda a los Protomártires de Roma: Con la falsa acusación de haber provocado el incendio de Roma, los cristianos fueron perseguidos, encarcelados, torturados, escarnecidos y crucificados.
Interesante que hayas incluido el video, en que se pone en duda esa supuesta matanza de cristianos, en el Coliseo. Y la insinuación que podrían haber estado entre en el público. De la crueldad de los cristianos, Hipatia de Alejandría llegaría ser testigo.
ResponderEliminarHubo más persecuciones con emperador Marco Aurelio, filósofo estoico, que con Nerón, quien era más temible en su vida personal.
El morbo puede inspirar al arte, ser una de sus motivaciones.
Que esas mujeres estén desnudas puede hacer que se vean muy vulnerables, expuestas a un público cruel, que seguramente incluía mujeres. Y también representa a la belleza, en todo su esplendor antes de ser destruida por la violencia.
Hay algo de eso en la pintura de la mujer cristiana en poder de Nerón, con esa pose tan de modelo vivo.
El cristianismo es una religión que vive gracias al martirologio. El cristianismo, como sistema de creencias y prácticas religiosas, se ha forjado a lo largo de los siglos a través de un profundo sentido del martirologio. La persecución y el sufrimiento de los creyentes, desde los primeros seguidores de Jesús hasta nuestros días, han configurado una parte fundamental de la identidad cristiana. Ciertamente, la resistencia y el sacrificio de innumerables mártires han servido como testimonio inquebrantable de la fe, alimentando la devoción y la supervivencia del cristianismo en diversas épocas y contextos históricos. Esta tradición de martirologio, lejos de ser un mero conjunto de narrativas trágicas, representa la capacidad del cristianismo para prevalecer frente a la adversidad y convertir el sufrimiento en una fuente de fortaleza espiritual y renovación constante. Nos guste o no.
Eliminar