Las ilustraciones de Ben Newman (Ampliado)

 

Ben Newman es un ilustrador inglés que cultiva la temática zombie y mujeres sensuales como fuente de inspiración. Al mirar sus obras nos damos cuenta de ello; al encontrar a sus protagonistas en situaciones comprometedoras y  bastante eróticas.

Descubrí a este artista gracias a una ilustración que realizó referida al clásico cuento infantil Caperucita Roja. Su obra golpea directo a un erotismo digno de esa inocencia perdida. Su trabajo lo ha llevado a colaborar en la revista Front, también tiene a la venta impresiones de sus trabajos. El arte de Ben Newman conjuga perversión, travesura, erotismo y elegancia. El trabajo de este pintor e ilustrador hipnotiza, entre otras cosas, porque cada obra cuenta una historia…

Su pincelada (como se aprecia en el detalle de la imagen bajo estas líneas) es más pictórica que ilustrativa, lo que lo libera de la factura depurada típica de los ilustradores.

El Cristo de San Juan de la Cruz, de Salvador Dalí

Cristo de San Juan de la Cruz (1951)

San Juan de la Cruz, místico y poeta del siglo XVI, vivió su propia transformación espiritual en una noche dedicada a la oración. Durante ese momento de profunda reflexión, experimentó una revelación que lo impactó de tal manera que sintió la necesidad de plasmarla en un dibujo. La imagen que emergió de su experiencia espiritual fue la de un Cristo crucificado, una representación que capturaba la esencia del sufrimiento y la redención, marcando un hito en la tradición mística cristiana.

FUENTE

Siglos más tarde, el icónico surrealista Salvador Dalí se encontró con el humilde dibujo de San Juan de la Cruz y, en ese instante, se vio atravesado por una profunda influencia. En medio de su propia búsqueda mística, Dalí soñó con una interpretación que se alejaba de la iconografía habitual del Cristo. En su visión, Cristo no presentaba heridas ni clavos, sino que era una manifestación pura de la belleza metafísica, un Dios que trasciende el dolor humano.

Dalí, en su obra “Cristo de San Juan de la Cruz”, realizó una ruptura con las representaciones tradicionales de la crucifixión. La figura de Jesús aparece contra un fondo negro, despojándose de todos los signos asociados con la Pasión, lo que brinda al espectador una nueva perspectiva sobre la divinidad. La cabeza de Cristo se inclina hacia abajo, ocultando su rostro y, con ello, despojándolo de la melena típica y de la corona de espinas. Esta elección estética y simbólica parece sugerir que la esencia divina de Cristo va más allá de su sufrimiento físico.

"La pietá", de Ippolito Scalza: Otro que no conocía

Ippolito Scalza (1532-1617) fue un escultor y arquitecto italiano.

Otra vez y gracias a las redes sociales he conocido esta impresionante escultura en mármol. Tampoco conocía al artista lo que demuestra que por ser muchos los creadores a lo largo de la historia nunca alcanzaría a saber de su existencia, o, simplemente, porque no debería ignorar tanta belleza creada por el talento humano. Esta Piedad es inevitable compararla con la de Miguel Ángel.

Ippolito Scalza creció en una familia de artistas, en la que sus hermanos también fueron mosaiquistas, escultores y arquitectos. Aunque no hay excesiva información, sabemos que en 1554 colaboraba en diferentes obras para la catedral de Orvieto. Como arquitecto se encargó de las obras y diseño de la Catedral de Montepulciano, la Iglesia del Crucifijo de Todi y la Iglesia Parroquial de Ficulle. En 1564 realizó el sepulcro Farratini en Amelia, pero su trabajo se centró sobre todo en las capillas laterales de la catedral de Orvierto.

La "Pietá"

De esas obras, destaca especialmente su espectacular "Pietá" realizada entre 1575-79. Con un lenguaje diferente al de Miguel Ángel, es mucho más dramática pero muy interesante por la escenografía, más teatral. Contemplamos justo el  momento en el que Cristo ha sido descendido de la cruz, podemos ver la escala y el tamaño de los clavos y las tenazas con las que éstos se han extraído. La Virgen María mira a su hijo mientras alza la mano y María Magdalena inclina su cabeza para apoyar su rostro en la mano de Cristo. Una emotiva obra llena de fuerza y teatralidad que nos habla de la espectacular calidad técnica de Ippolito Scalza.

El Cristo de Velázquez

 

El "Cristo de San Plácido", pintado por Diego Velázquez.

 

                       

Diego Velázquez es sin duda uno de los pintores más destacados de la historia del arte español, y su obra ha sido objeto de estudio y admiración por generaciones. En particular, el "Cristo de San Plácido" es una de sus obras más emblemáticas y enigmáticas. La simplicidad y la profundidad de esta pintura han intrigado a críticos y espectadores durante siglos, y mi análisis detallado de esta obra buscaba arrojar luz sobre su significado y su impacto en el espectador. En esta semana tan significativa para los cristianos, me parece oportuno compartir nuevamente mis reflexiones sobre esta obra maestra de Velázquez. La manera en que el pintor logra transmitir la serenidad y la humanidad de Cristo a través de una composición tan sencilla es verdaderamente admirable, y creo que es importante seguir reflexionando sobre la relevancia y el poder de esta obra en la historia del arte.

Por Rubén Reveco, editor

Semana Santa

La obra a la que me refiero es "El Cristo Crucificado" de Diego Velázquez, una pintura que ha sido objeto de admiración y estudio por siglos. Su belleza artística y su profundo simbolismo místico la convierten en una pieza única en la historia del arte. Sin embargo, lo que realmente destaca en esta obra es el desnudo masculino que representa, considerado por muchos como el más hermoso jamás pintado. Se dice que Velázquez, en un momento de frustración, arrojó sus pinceles a la cara de Cristo, creando una mancha que luego transformó en la abundante melena que cubre parte de su rostro. Esta anécdota, aunque posiblemente apócrifa, refleja la intensidad y el genio creativo del artista. La combinación de técnica magistral y emotividad en esta obra la convierten en una verdadera joya del arte universal.

Ricardo Maffei: Un viaje por el objeto humilde pero bello.

“Mi pintura no es política ni conceptual, se ciñe estrictamente a la verdad de un pintor actual y realista”, expresa el pintor chileno Ricardo Maffei. Construye un lenguaje personal a partir de objetos que en sí mismos carecen de belleza, que pasan inadvertidos, y en su propuesta adquieren belleza y alcanzan la mirada atenta del observador.

Los objetos representados en las obras de Ricardo Maffei son a menudo separados de su fin  original, y siempre transmiten su verdadera esencia. En estas obras, Maffei ennoblece cada objeto a través de una cultivada sensación de austeridad. Al trabajar con luz natural, el artista consigue reflejar  las sutiles variaciones de la luz que se manifiestan a través del día.

Web del artista

El descendimiento de Cristo, de Virginio Arias

 

"El descendimiento de Cristo" es obra del escultor chileno Virginio Arias y fue realizada en 1887, hace 131 años.

Ahora que los escultores amontonan escombros y pretenden que eso sea una obra de arte -y lo que es peor- son premiados, yo recuerdo con nostalgia este conjunto escultórico que formó parte de mi vida estudiantil y que dibujé in situ una y otra vez.

Por Rubén Reveco - Editor

El arte de la escultura es otra víctima del arte contemporáneo. A mediados de los años ´80 del siglo XX se empezó a premiar un rejunte de objetos realizados con desechos: latas oxidadas, hierros retorcidos, maderas podridas, neumáticos y cualquier otra materia prima que sea lo contrario a un material noble. El más odiado por los nuevos artistas fue el mármol, quizá por ser una piedra que exige grandes desafíos y que sólo unos pocos la pueden dominar.

"El descendimiento de Cristo", de Virginio Arias, en el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile es el mejor ejemplo de una obra de calidad inalcanzable para el 99% de los artistas. Es la escultura del siglo XIX realizada en mármol quizá más importante de Latioamérica.

Yo solía pedir permiso ante las autoridades del museo para dibujarla y en ferias artesanales vendía las reproducciones. Cuando me quedaba sin láminas, otra vez volvía al museo... De esa forma -día a día- fui admirándola y sobre todo reconociendo la genialidad de su creador. 

  

Craig Kosak: pintor animalista

Tenía un poco olvidado a los pintores animalistas, hasta que me topé con Craig Kosak y volvió la magia de siempre.

Salvaje Oeste                                                  

Este es un pintor estadounidense que mezcla con admirable maestría la forma y el color, transmitiendo esa atmósfera de los grandes espacios. Es un colorista audaz pero que nunca abusa. 

Las obras maestras sin sus protagonistas

 

José Manuel Ballester, el español que vacía las obras maestras de la pintura. Quitando a todas las figuras humanas logra un efecto inquietante.

Las pinturas de El Bosco, El Greco, Goya, Velázquez -entre otros- son "victima" del fotógrafo José Manuel Ballester. Este se “apropia” de los espacios representados en una selección de pinturas, vaciándolos de la presencia humana y generando con ello nuevas narrativas. 

Impresiona la versión de Ballester de la obra "El Jardín de las Delicias", de El Bosco.

La pintura de Vita Di Milano

Mientras que las obras de Vita Di Milano parecen hacer alusión a una narrativa clásica, el significado de cada uno de sus cuadros va más allá de lo que se podría considerar un simple realismo pictórico y se apoya en una realidad que el artista comparte con su audiencia.

Las composiciones contienen una perspectiva humanista y social que expone abiertamente los errores ocultos, la hipocresía latente. La serie titulada "La Mujer y la bicicleta" es un homenaje a la libertad de las mujeres, al el dogma y a las doctrinas religiosas impuestas por el hombre misógino. Otras obras que expresan lo que el autor considera aberrante, tienen tanto las consecuencias físicas y morales de la comida industrializada, tanto la disonancia filosófica que ve el ideal olímpico, en oposición a un gobierno opresivo, mientras que las pinturas figurativas detalladas y sin rodeos-honestos de Vita pueden recordar una narrativa común con el arte clásico, la intención incrustada en cada una de sus obras es muy superior a lo que podría ser confundido como un ejercicio de técnica. (F)

Retro-expectante (Mis últimas exposiciones)

A propósito de la exposición retrospectiva que se celebra actualmente en la ciudad de Santiago de Chile, la periodista Valeria Alcerreca me ha realizado una entrevista que reproduzco a continuación. Esta conversación, que versa sobre la trayectoria artística que abarca la muestra, se complementa con la inclusión de algunos de mis dibujos y pinturas. La exposición, y por ende la entrevista, buscan reflejar no solo la evolución estilística, sino también las constantes temáticas que han definido mi trabajo a lo largo de los años.

A través de tres series, el artista aborda el deseo, La espera y la protesta como experiencias humanas universales.

Una mirada que atraviesa más de cinco décadas de creación artística es la que propone la exposición del pintor Rubén Reveco en RETRO-EXPECTANTE. La muestra reúne obras que reflejan su persistente compromiso con el realismo y su interés por explorar, a través de la pintura, la identidad, la ciudad y las tensiones sociopolíticas de la sociedad contemporánea.

Por Valeria Alcérreca | Periodista

Contacto de prensa:

valeria.alcerreca.aguila@gmail.com

El recorrido invita a observar distintas etapas de la trayectoria del artista, marcada por una relación constante con el arte clásico y el patrimonio visual, proponiendo una reflexión sobre los cambios de las urbes y de la vida social, capturando en sus imágenes fragmentos de una nación en permanente transformación.

Rubén Reveco reúne cinco décadas de realismo y sociedad en exposición RETRO-EXPECTANTE