Los Prerrafaelistas (4) William Holman Hunt

Jesús en el templo.

William Holman Hunt (1827-1910) fue un pintor inglés, uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita. Aunque estudió en la Royal Academy of Arts, rechazó el estilo impuesto por su fundador, Sir Joshua Reynolds. Fundó en 1848, junto con Dante Gabriel Rossetti y John Everett Millais, la Hermandad Prerrafaelita, asociación que propugnaba un retorno a lo espiritual y sincero en el arte, despreciando la pintura académica, que consideraban una mera repetición de clichés. Para ello, proponían inspirarse en los primitivos italianos y flamencos del siglo XV, anteriores a Rafael.

En 1865 se casó con Fanny Waugh, quien moriría a las pocas semanas de dar a luz al primogénito del matrimonio. Esta mala experiencia se unió a que Hunt jamás fue propuesto, a pesar de su fama, como miembro de la Royal Academy, lo que le llevó a desistir de participar en más muestras anuales y a tomar la decisión de mostrar su obra en galerías independientes. En 1875 contrajo matrimonio con Edith, hermana de su difunta esposa, lo cual le ocasionó numerosos problemas con la familia de ésta, que se oponía a la unión, y con las leyes británicas, que por entonces no permitían tal tipo de matrimonio. En 1879 nació su segundo hijo, Hilary. Los años siguientes fueron muy fructíferos para Hunt: en 1886 tuvo lugar una retrospectiva de su obra en la Fine Art Society de Londres y escribió en algunas revistas, como la Contemporary Review.

Autorretrato

Las obras de Hunt no tuvieron al principio demasiado éxito, siendo calificadas por la crítica de feas y torpemente ejecutadas. En los comienzos de su carrera su interés por el realismo le llevó a pintar varios cuadros que reflejaban escenas de la vida cotidiana tanto en el campo como en la ciudad, tales como Pastor veleidoso (The Hireling Shepherd, 1851) o El despertar de la conciencia (The Awakening Conscience,1853). Esta última escandalizó al público por mostrar sin ambages una relación extramatrimonial. Fue también un notable paisajista. Sin embargo, la fama le llegó con sus obras de temática religiosa, como La luz del mundo (The Light of the World). Viajó a Palestina con el objeto de documentarse sobre el terreno para realizar obras religiosas como El chivo expiatorio (The Scapegoat, 1854), Cristo hallado en el templo (The Finding of the Saviour in the Temple, 1860) y La sombra de la muerte (The Shadow of Death, 1873), así como para pintar varios paisajes de la región.

Hunt pintó también obras basadas en poemas, como Isabella o La dama de Shalott, y en la tradición literaria inglesa, de Shakespeare a Keats.

Todas sus pinturas concedían una gran atención al detalle, y mostraban un vívido colorido y un elaborado simbolismo religioso, a menudo inspirado en los textos bíblicos.

De todos los componentes de la Hermandad Prerrafaelita, fue Hunt el que mostró más fidelidad a sus planteamientos a lo largo de toda su vida.

Al final de su carrera se vio obligado a abandonar la pintura, por problemas de visión. Su última obra de importancia, The Lady of Shalott (1892), tuvo que ser completada por uno de sus ayudantes.

La autobiografía de Hunt, Prerrafaelismo y la Hermandad Prerrafaelita (Pre-Raphaelitism and the Pre-Raphaelite Brotherhood) fue escrita para corregir a otros libros aparecidos sobre el movimiento, en los que no se reconocía debidamente su contribución al mismo.

La Sombra de la Muerte

"La sombra de la muerte" combina detalles cotidianos con el simbolismo religioso para crear una pintura rica en sugerencia y significado. Un momento imaginario en la vida de Cristo contiene simbólicamente su vida y su sufrimiento. La sombra de los brazos extendidos de Cristo predice su crucifixión. La Virgen María arrodillada abre un baúl con regalos de los Reyes Magos, recordando el nacimiento de Cristo. La ventana arqueada detrás de Cristo se duplica como un halo. Una serie de herramientas en un soporte de madera montado en la pared se refieren a la forma de la Cruz. El taller está lleno de herramientas de carpintería y otros objetos, la mayoría de los cuales tienen algún significado simbólico o aluden a una narrativa más compleja. 
Un par de ventanas arqueadas detrás de la figura de Cristo revelan un extenso paisaje, con una higuera que aparece por la ventana derecha (una alusión a San Lucas, 22: 29-31); por encima de las ventanas y situado entre ellos en la esquina superior derecha de la composición una abertura en forma de estrella, una referencia a la estrella que llevó a los sabios a la Natividad.
Para hacer que el escenario bíblico fuera lo más preciso posible, Hunt viajó varias veces a Jerusalén y se esforzó por recrear exactamente lo que veía. Algunos críticos deploraron la representación de Cristo como un trabajador, pero la pintura fue inmensamente popular, y más de 4.000 grabados de la misma fueron impresos.

El pastor de Hireling (1851, óleo sobre lienzo, 76 x 190 cm, Manchester Art Gallery)

En esta escena campestre, un pastor, inglés hasta decir basta, está intentando enamorar a una chica enseñándole el cadáver de una polilla que se ha encontrado por ahí. Aunque en la foto no se aprecia bien, es una acherontia atropos o polilla de la muerte, unos bichos que tienen un dibujo sobre su cuerpo que recuerda a una calavera humana. Un regalo poco romántico. 

La campesina está descalza, con los pies metidos en el agua, va vestida de rojo pasión y lleva el cabello suelto, señales todas que nos indican que su actitud es bastante receptiva. Sus mejillas están sonrosadas, pero no por pudor o timidez... Es evidente que en unos pocos minutos, pastor y pastora estarán apasionados sobre la hierba.

Con tanto flirteo, el pastor no se ha dado cuenta de que una de las ovejas se le ha escapado y se acerca peligrosamente al campo de trigo. La simbología religiosa está clara: es un pastor imprudente que, al dejarse llevar por sus pasiones terrenales, deja desatendido a su rebaño de feligreses.

En una carta a la galería, Hunt dijo que su primer objeto había sido pintar un verdadero pastor y pastora, y un paisaje a plena luz del sol, con todos los colores del verano delicioso, pero también lo usó para resaltar los problemas en la Iglesia. La Biblia dice que el pastor "mercenario" no se preocupa por su rebaño como lo hace uno verdadero. 

El chivo expiatorio, de 1854 

Esta fue la primera pintura importante que Hunt realizada durante su primera estancia en Tierra Santa. Tuvo la idea mientras investigaba rituales judíos para otra pintura.

Durante su investigación, Hunt vió que en el Festival del Día de la Expiación una cabra fue enviada desde el templo con un trozo de tela escarlata en su cabeza, simbolizando los pecados de la congregación. Se creía que si estos pecados fueran perdonados, el paño se volvería blanco. El concepto de "chivo expiatorio" como una persona, o animal, que asume los pecados de los demás, o es injustamente culpado por problemas, se deriva de este ritual.

Hunt eligió colocar su cabra en la orilla del Mar Muerto en Osdoom con las montañas de Edom en la distancia. En su diario, Hunt describió este escenario como una "horrible figura de pecado" que nadie podía decir "no es maldecido por Dios". Consideraba al chivo expiatorio del Antiguo Testamento como un equivalente al Cristo del Nuevo Testamento, cuyo sufrimiento y muerte también expurgaron los pecados del hombre. 

Autorretrato

Hunt, un anglicano un poco fanático, pudo haber querido sugerir con su cabra que los homosexuales podían ser redimidos por sus pecados. Pasó largos períodos de tiempo viviendo y trabajando en Egipto y Palestina y estaba aparentemente preocupado de atraer la atención de otros hombres. Incluso aconsejó a su colega artista, John Everett Millais, que viajaba a la región, se dejara crecer una barba para hacerse menos deseable para los hombres locales.

La luz del mundo (1853-54)

Fue en 1853 cuando Hunt dio un giro en su obra, inclinándose por una pintura de marcada tendencia religiosa. Esta presencia de las creencias personales del artista se deja sentir, especialmente, a través de la constante repetición de la idea de la conversión o la iluminación. 

Según sus propias memorias, a comienzos de la década de 1850, Hunt sufrió una conversión personal, un hallazgo de Dios, que quedó plasmado en la que, posiblemente, sea la más reproducida de todas las pinturas inglesas del siglo XIX, "La luz del mundo". En ella, la figura del Salvador, iluminando su camino con un solo farol, se acerca a una puerta que parece cerrada desde siempre. Que ni siquiera tiene un tirador que permita abrirla desde fuera. Completamente cubierta de enredaderas, la puerta es una metáfora del corazón humano que se cierra a la llamada de lo divino.

La pintura ilustra un pasaje del Apocalipsis que dice así: Yo estoy junto a la puerta y llamo: si alguien oye mi voz y me abre, entraré en su casa y cenaremos juntos. (Ap. 3:20). Hunt, de creencias protestantes, decide no representar ninguno de los sacramentos, sino apelar al corazón pecador de cada individuo.

En La Luz del mundo, Hunt creó un eficaz símbolo religioso que se tradujo al ámbito más mundano en su obra El despertar de la conciencia, en la que puede verse, de nuevo, esta idea de la sacudida del espíritu y de la iluminación personal. (Fuente).

"La luz del mundo" es un óleo sobre lienzo. Sin duda fue trabajado más tarde por Hunt y su asistente de estudio F G Stephens en 1843-1848. Más tarde, después de que los dos hombres se pelearon, Stephens afirmó haber pintado la mayor parte de ella. Esto se piensa ahora inverosímil. Como parte de la primera exposición americana Pre-Raphaelite en 1857 causó una gran sensación y fue comprada por el coleccionista de Nueva York John Wolfe. 

La Conciencia del Despertar (1853)

"La Conciencia del Despertar" fue concebida como la contrapartida a La luz del mundo. Su inspiración era un verso de Proverbios: "Como el que quita una vestidura en tiempo frío, así es el que canta canciones a un corazón pesado". 

Con su minuciosidad típica, Hunt contrató una habitación en una casa de citas para usar como escenario. Un caballero aparece con su su amante, conocida por ser tal debido a su ausencia de un anillo de bodas. Mientras tocan y cantan, ella tiene una súbita revelación espiritual. Levantándose del regazo de su amante, mira hacia el soleado jardín más allá, que se refleja en el espejo detrás de ella. La imagen reflejada representa la inocencia perdida de la mujer, pero la redención, indicada por el rayo de luz en primer plano, todavía es posible. Pretendida para ser "leído", la pintura está llena de tales elementos simbólicos. El gato que juega con el pájaro de alas rotas bajo la mesa simboliza la situación de la mujer. Un guante desechado de un hombre advierte que el destino probable de una amante abandonada era la prostitución. Una madeja enredada de hilo en el suelo simboliza la tela en la que la joven está atrapada. 

De hecho, como Ruskin escribió al Times el 25 de mayo de 1854, "el mismo dobladillo del vestido de la pobre muchacha, en el que el pintor ha trabajado tan de cerca, hilo por hilo, tiene historia en él, si pensamos cuán pronto su blancura pura puede estar sucios de polvo y lluvia". El marco, diseñado por Hunt, también contiene varios emblemas simbólicos; las campanas y las caléndulas representan la advertencia y el dolor, la estrella es un signo de revelación espiritual.

El mensaje espiritual subyacente fue generalmente ignorado por la mayoría de los críticos, quienes se concentraron en los aspectos más sensacionales de la composición. El modelo es la novia de Hunt, Annie Miller, una camarera que conoció en 1850 cuando tenía quince años.

Isabella and the Pot of Basil

Pintada en 1867, la obra representa una escena del poema de John Keats. Isabella, en la que la bella dama acaricia tristemente la olla que contiene la cabeza cortada de su amante Lorenzo, asesinado a manos de sus hermanos. 

A converted British Family sheltering a Christian Missionary from the Persecution of the Druids.

Originalmente concebida como una pintura sobre el tema 'Un acto de misericordia' para una competencia de medalla de oro en la Royal Academy en 1849, esta pintura representa un incidente temprano en la historia de la iglesia inglesa. Una familia cristiana está escondiendo a un sacerdote de una multitud de paganos y druidas, que ya han capturado a otro sacerdote en el fondo. La pintura está llena de alusiones simbólicas, en consonancia con las creencias del artista: el sacerdote recuerda a Cristo y sus discípulos, el niño con el taparrabos de piel a Juan el Bautista y la juventud apretando uvas evoca la Eucaristía. Fue una de las primeras pinturas prerafaelitas de Hunt y causó controversia cuando se exhibió en la Royal Academy en 1850.

The Finding of the Saviour in the Temple

"El hallazgo del Salvador en el Templo" (1854-60) es una pintura que pretendía ser una versión etnográficamente exacta del tema tradicionalmente conocido como " Cristo entre los doctores", una ilustración del niño Jesús debatiendo la interpretación del escritura con rabinos aprendidos. El pasaje ilustrado es del Evangelio de Lucas , 2:41, que dice:

Cada año sus padres iban a Jerusalén para la fiesta de la Pascua. Cuando tenía doce años, subieron a la fiesta, según la costumbre. Después que terminó la fiesta, mientras sus padres regresaban a casa, el niño Jesús se quedó en Jerusalén, pero ellos no lo sabían. Pensando que estaba en su compañía, viajaron por un día. Entonces comenzaron a buscarlo entre sus parientes y amigos. Cuando no lo encontraron, volvieron a Jerusalén para buscarlo. Después de tres días lo encontraron en las canchas del templo, sentados entre los maestros, escuchándoles y haciéndoles preguntas. Todos los que lo escuchaban estaban asombrados de su comprensión y sus respuestas. Cuando sus padres lo vieron, se asombraron. Su madre le dijo: "Hijo, ¿por qué nos has tratado así? Tu padre y yo hemos estado ansiosamente buscándote". -¿Por qué me buscabas? preguntó. "¿No sabías que tenía que estar en la casa de mi Padre?" Pero no entendieron lo que les estaba diciendo.

Hunt describe el momento en que María y José encuentran a Jesús, mientras que los rabinos del templo están reaccionando de diversas maneras distintas a su discurso, algunos intrigados, otros enojados o despectivos. Esta representación de reacciones contrastantes es parte de la tradición del sujeto, como lo demuestra la versión mucho más antigua de Albrecht Dürer. Hunt también habría conocido la versión de Bernardino Luini del tema en la Galería Nacional. En el momento se atribuyó a Leonardo da Vinci.

Obsesionado con la idea de revitalizar el arte religioso haciendo hincapié en la exactitud etnográfica combinado con el simbolismo bíblico detallado, Hunt había viajado a Oriente Medio para crear el cuadro, utilizando a la gente local como modelos y estudiando las antiguas costumbres y rituales judaicos. El progreso en la pintura se retrasó por las dificultades con los modelos, y eventualmente Hunt pospuso a trabajar en otro proyecto, El Chivo expiatorio . Finalmente terminó en 1860, en Inglaterra. Su amigo Frederic George Stephens escribió un folleto que contenía una explicación detallada del contenido y de los personajes. Se mostró entonces en una serie de exposiciones itinerantes populares en las que los visitantes podían comprar el panfleto y suscribirse a una reproducción grabada. Estos fueron organizados por el distribuidor Ernest Gambart , y resultó ser un gran éxito financiero.

The Lady of Shalott (1890-1905, Wadsworh Atheneum, Hartford)

 

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