El hombre de la selva más mono (4) Lucio Parrillo

Cuarta entrega dedicada a las ilustraciones de Lucio Parrillo.

Si me gustaran los hombres estos serían más o menos como Tarzán: Mucho músculo, vena a flor de piel y feroz en la lucha cuerpo a cuerpo.

Facebook

Entrevista al autor

Tarzán de los monos (inglés: Tarzan of the Apes) es la primera de una serie de novelas escritas por Edgar Rice Burroughs acerca del personaje ficticio Tarzán. Esta historia fue publicada por primera vez en la revista pulp All Story Magazine en octubre de 1912 y editada como libro por primera vez en 1914.​ Esta era la tercera novela que publicaba Burroughs, y solo pensaba hacer una secuela de ella;​ pero el personaje resultó ser tan popular que Burroughs continuó la serie en la década de 1940 con dos docenas de secuelas. Los derechos de autor de la obra expiraron en los Estados Unidos, razón por la cual la obra es de dominio público. 

Rowena Morrill - Ilustradora

 

Rowena A. Morrill (14 de septiembre de 1944 - 11 de febrero de 2021) fue una artista estadounidense conocida por sus ilustraciones de ciencia ficción y fantasía, y se le reconoce como una de las primeras artistas femeninas en el mundo de la ilustración.

Artistas como Rowena Morrill desafiaron la percepción de hombres musculosos y mujeres hermosas pero decorativas y  demostró que la creatividad en el mundo de la ilustración fantástica no tiene género.

Rowena Morrill se destacó rápidamente entre los artistas fantásticos con sus diseños grandiosos y originales. A pesar de las comparaciones con colegas masculinos como Boris Vallejo, la obra de Rowena destaca por su personalidad y originalidad. Sus trabajos abarcan una amplia gama de temas, lo que demuestra su versatilidad y la demanda constante de sus servicios como ilustradora.

En las ilustraciones de Rowena Morrill encontramos desde motivos de la fantasía heroica hasta representaciones de épocas bárbaras. Su habilidad para plasmar la magia, ya sea buena o mala, es fascinante, con imágenes que incluyen monstruos aterradores y escenas de gran impacto visual. También ha ilustrado numerosos libros de ciencia ficción, demostrando su capacidad para adaptarse a diferentes géneros y estilos.

La vida y carrera de Rowena Morrill están marcadas por su talento innato para el dibujo, descubierto a una edad temprana en un curso organizado por el club de mujeres de apoyo a las fuerzas aéreas. A pesar de no haber tenido experiencia previa, su maestro quedó sorprendido por su habilidad natural. A partir de ese momento, el arte se convirtió en su profesión y su camino creativo la llevó a la fama y el reconocimiento internacional.

A pesar de su éxito, Rowena se mantuvo distante de sus creaciones, mostrando un curiosa éxtasis en sus representaciones del cuerpo humano. Sus personajes parecen casi inhumanos, con una piel metálica y rostros que reflejan emociones frías. Aunque sus visiones pueden resultar aterradoras, el observador se ve atraído por la complejidad de su mundo fantástico.

Morrill recibió una licenciatura de la Universidad de Delaware en 1971 y luego estudió en la Tyler School of Arts​ en Filadelfia.

Michael Bergt, al temple

 

Michael Bergt es un maestro del temple al huevo, una pintura utilizada desde la antigüedad, desde retratos del antiguo Egipto hasta iconos medievales y obras maestras del Renacimiento italiano de artistas como Miguel Ángel y Botticelli. Bergt, quien cofundó la Sociedad de Pintores al Temple en 1997 y se desempeñó como su presidente durante 12 años, trae el medio al siglo XXI con versiones contemporáneas de temas clásicos favorecidos por los Viejos Maestros.

Sus pinturas figurativas a menudo representan personajes de la mitología griega, como Sísifo, el Minotauro y la diosa Diana .. Diana, sin embargo, es descaradamente moderna: un tatuaje de ciervo corre por su muslo. Bergt también reviste sus fondos con pan de oro, técnica asociada al arte bizantino. En 2006, una retrospectiva de mitad de carrera, "Crossing Lines", apareció en el Museo de Arte Arnot y viajó al Centro de Arte Chapel. El trabajo de Bergt se encuentra en las colecciones del Museo de Arte Americano Crystal Bridges y el Museo de Young, entre otros.

Ver web

«He sido muy afortunado. Tuve mi primera muestra en San Francisco cuando tenía 24 años. Se vendió todo, y ya nunca volví a mirar atrás. Y eso es raro. Nací en una pequeña comunidad agrícola, y de dónde salieron esas ideas, no tengo ni idea. Pero siempre dibujaba desde que era pequeño, y la gente me preguntaba: "¿Qué quieres hacer cuando seas grande?". Y yo decía: "Voy a ser un artista". Sabes, eres bastante a menudo demasiado ingenuo para saber que [algo] es imposible, y ese tipo de cosas te mantiene en esa línea. Porque si alguien hubiera dicho: "No, eso es imposible, no puedes hacer esto", entonces habría hecho otra cosa. Pero obviamente no caí en ese patrón.» 

(Seguir leyendo)

Bryan Larsen

El trabajo de Larsen se ha demostrado en numerosas exposiciones en galerías alrededor de la costa oeste de Estados Unidos.

Bryan Larsen nació en 1975, es un pintor realista nacido en Utah. Su obra se encuentra en colecciones privadas de arte de todo el mundo. Está representado exclusivamente por Quent Cordair Bellas Artes en Napa, California.

Cree que la técnica y el tema son componentes indispensables de cualquier obra de arte. Estudia habilidades de pintura y se basa en los modelos de vida. Su filosofía del arte "se basa en la razón, y la vida en la tierra.

Su objetivo es retratar la naturaleza humana y los logros humanos en un estilo realista y un entorno moderno.

Bryan Larsen es un artista nacido el 12 de febrero de 1975. Estudió ilustración de la Universidad Estatal de Utah. El lugar debe tener un especial hincapié en la composición, la técnica, el detalle realista, la mano de obra adecuada y la coherencia de estilo.

Bryan ha sido un apasionado del dibujo y la pintura desde su infancia, también estaba fascinado con las matemáticas y la ciencia, y siempre encontró formas creativas de mezclar ambos mundos.

Después de adquirir una base sólida en el arte, en el estudio de ilustración y un mayor aprecio por las ciencias en los estudios de ingeniería mecánica, decidió dar el paso y volver a su primer amor: el arte. En concreto, el tipo de arte que presenta, es un desafío técnico y de representación que evoca en el espectador un reconocimiento por el logro de la ciencia, la ingeniería, las matemáticas y la arquitectura contemporánea. La mayor parte de su trabajo también tiene un componente figurativo y celebra la belleza de la forma humana.

Dragan Ilic Di Vogo

Hace rato que no me encontraba con un pintor con tal cantidad de obra. Di Vogo no para de pintar, tiene muy buena factura, un dibujo académico sin fisuras y en cada pintura hay una exuberancia ilimitada de recursos, colores, formas y belleza.

Web

Dragan Ilic Di Vogo es un pintor nacido en 1962 en Belgrado, Serbia, donde vive y trabaja actualmente. Las pinturas de Di Vogo están llenas de sensibilidad poética con una fuerte presencia de efectos impactantes que son característicos del surrealismo.

Se dedica a la pintura profesional desde 1990 y desde 1991 ha participado en numerosas exposiciones colectivas e individuales en Viena, Belgrado, Herceg Novi, Pristina, Sarajevo, Gornji Milanovac, Banja Luka, Atenas, Paris, Los Angeles, Graz, Castroreale, Madrid, Roma. En su web podemos encontrar una extensa muestra de su trabajo, a menudo cargado de referencias mitológicas y guiños a la escultura, mezclados con pájaros y gatos que se asoman aquí y allá en contraste con la frialdad de las figuras escultóricas, mientras que la imagen femenina domina el centro de toda su obra.

“El Arte es siempre uno y el mismo, aunque puede ser más o menos actual en un particular momento y en un sitio determinado. El Arte no es progreso o retroceso, simplemente pasa por transformaciones. La consciencia sobre el Arte no avanza bien, aunque nos gustaría. La necesidad por el Arte no crece o disminuye. Gracias a Dios el Arte es constante, mientras que nosotros somos los que cambiamos, aparecemos y desaparecemos.” (Di Vogo).

Consejos para pintores, dibujantes e ilustradores (4) La composición

La composición en las artes visuales es el plan. La distribución de los elementos en un determinado plano.

Hoy hablaremos de composición, manzanas y otras frutas menores. De cosas obvias, pero no tanto. Resuelto el tema a representar (una manzana, por ejemplo) está por definir qué reparto le doy en mi obra.

Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas

Composición: La manzana      

Por lo general, hará el papel protagónico, pero existen infinitas combinaciones y pueden ser una, dos, o un grupo de manzanas. Pueden estar en un primer o segundo plano, entre las opciones más recurrentes. 

Tomás Giorello: Gran dibujante

 

Tomas Giorello es un dibujante de cómics nacido en Buenos Aires, Argentina, conocido por su trabajo en Conan, X-O Manowar, Bloodshot y Ninja-K. Trabaja con lápices, sin aplicar tintas. En el Rey Conan el excelente color está a cargo de José Villarrubia. Ambos han formado una excelente dupla.

Introducido a USA con su impresionante trabajo para la serie Gallery Girls de SQP, así como con las pinturas de portada para Heavy Metal, el joven ilustrador argentino Tomas Giorello realmente está comenzando a calentar el mundo del arte fantástico. ¿Qué mejor título para su primer escaparate que Inferno? El estilo de Giorello es a la vez fluido y sensual, con una atención al detalle que solo se compara con su sentido de la composición y su capacidad para transmitir la acción. Tomas es un artista en la vía rápida hacia el estrellato, y esta galería inicial de ilustraciones contiene bocetos, estudios y piezas completamente terminadas.

Los suaves desnudos de Alexey Chernigin

Los bellos desnudos de Alexey Chernigin, joven pintor ruso, siempre están bañados por un luz muy sugerente.Chernigin nació en 1975 en la familia del célebre artista ruso Alexander Chernikin. De 1990 a 1994 estudió pintura y diseño gráfico en el Instituto de Bellas Artes de Novgorod.

Web

Los suaves desnudos de Alexey Chernigin son una expresión artística que despierta la sensibilidad y la contemplación en el espectador. A través de su obra, Chernigin logra capturar la belleza y la vulnerabilidad del cuerpo humano de una manera única y delicada.

Sus desnudos transmiten una sensación de intimidad y fragilidad, invitando al espectador a reflexionar sobre la naturaleza humana y la conexión entre el cuerpo y el alma. La suavidad de las líneas y la armonía de las formas en sus obras crean una atmósfera de serenidad y contemplación.

Chernigin logra capturar la esencia de la desnudez de una manera que va más allá de lo físico, explorando la profundidad y la complejidad de la experiencia humana. Sus obras invitan a la reflexión sobre la belleza, la vulnerabilidad y la autenticidad de la condición humana.

En resumen, los suaves desnudos de Alexey Chernigin son una expresión artística que nos invita a contemplar la belleza y la fragilidad del cuerpo humano de una manera única y conmovedora. Su obra nos invita a reflexionar sobre la naturaleza humana y la conexión entre el cuerpo y el alma, despertando emociones y sensaciones que nos invitan a explorar nuestra propia humanidad.

¿Quién es Apollonia Saintclair?

Magníficos trabajos de Apollonia, esta anónima artista que hoy ponemos a consideración de nuestros lectores. Pareciera que su anonimato instiga un poco más a la curiosidad, curiosidad que limita con el sano morbo.

Facebook

El universo erótico de Apollonia Saintclair

Por Rafael Pérez

Quizá, una de las razones por las que el sexo sigue y seguirá lleno de tabúes sea la falta de información y la educación dogmática de tipo religioso que abunda en distintas sociedades, esa que trata los temas relacionados con la sexualidad con demasiada opacidad. “¿Es sucio el sexo?” se pregunta Woody Allen, sólo para responderse inmediatamente: “sólo si se hace bien”.

Apollonia Saintclair es una prolífica y misteriosa ilustradora quien decidió mantener su identidad al margen de sus ilustraciones con la intención de que sea la calidad de su trabajo el que haga que el público la reconozca. Al pretender el anonimato, su arte se vuelve autónomo y su temática provocativa se nutre de la imaginación de quien las mira.

Apollonia afirma que la tinta es su sangre, afirmación que queda patente en cada una de las ilustraciones con las que mantiene una presencia activa en cada una de su redes sociales, y es que la pasión que la artista siente por su trabajo queda patente en cada una de las líneas con las que, con pulso firme, recrea situaciones de un erotismo que oscila entre lo perverso y lo fantástico.

El abrazo de Maipú (la pintura)

"El abrazo de Maipu". Óleo sobre tela pintado en 1909 por Pedro Subercaseaux. El original se encuentra en Exhibición en el Museo Histórico Nacional de la República Argentina.

Esta es una pintura que representa el epílogo de la Batalla de Maipú, el 5 de abril de 1818, en que, sellada la victoria sobre las fuerzas realistas, el general Bernardo O’Higgins y el general San Martín se encuentran en el campo de batalla, y se van abrazar, como gesto de unidad permanente entre Chile y Argentina. En la escena, O’Higgins reconoce como líder vencedor a San Martín y éste alaba a actitud del chileno de ir a la lucha aun estando herido.

Pedro Subercaseaux (1880-1956)

Perteneciente a una influyente familia de inmigrantes franceses y vascos, con fuertes conexiones con la clase política chilena, Pedro Subercaseaux Errázuriz nació en Roma en el año 1880. Producto de los viajes de su padre, el pintor y diplomático Ramón Subercaseaux...

Especial mes de la Mujer: Mar Aragón. "La acuarela me permite atrapar lo efímero"

 

La pintora española cuenta en esta entrevista detalles de su técnica en la acuarela. Una artista que invoca en su composición diversos elementos. Contemporánea, rompe con lo tradicional, logra un sello propio en formato y temas; con una paleta amplia y enérgica donde cambia con fluidez del negro a los policromos.

Por Abigail Huerta
ahuerta@revistaophelia.com
Fuente: Revista Ophelia

Dueña de una trayectoria copiosa que va desde la ilustración para cuentos infantiles hasta sus exposiciones en destacadas galerías de Europa; espontánea y efusiva, las composiciones de  Mar Aragón (Granada, 1971) comprenden espacios iluminados, figura humana y paisaje urbano: “Mi vida siempre ha estado ligada a luz y el carácter alegre de la Costa Granadina”.

De sus cuadros de grandes formatos, -que llegan a los dos metros de alto, como muy poca veces se ha hecho en ésta técnica-, emergen horizontes arbolados o quizás sólo horizontes, hasta lugares con multitudes, calles, tiempos detenidos y poderosos elementos naturales como el agua, que también se evidencian en su obra de forma marcada.

No sólo es novedoso el formato de sus obras: Mar,  una pintora activa y en pleno auge profesional, hace uso cabal de lo figurativo y en ocasiones se mimetiza con lo abstracto en una acuarela muy propia; invitándonos a ver desde una óptica dilatada del tiempo, donde los espacios revelados dan una sensación de inmensidad y sus personajes tienen parlamentos de nostalgia y ensueño.

¿Qué es lo más propio e importante que usted quiere compartir con su público a modo de legado artístico para futuras generaciones? –“A esas futuras generaciones les dejo mi vida entera, pero con un lenguaje complejo que tendrán que descifrar”, nos responde.